CONTEMPORARY ART NEWS

LAS RAICES DEL NEO-CUTARISMO

2010-12-05T18:32:00.016+01:00

LAS RAICES DEL NEO CUTARISMO

aristides ureña ramos.

digital-Fotos

(manipulaciones visivas- 2009)

-Mujer que nada-

Caminando en las afueras de Santiago, a escondidas entre abandonados automovil, me encntre con un camionsito trasformado en busito para pasajero, el cual habia sido decorado por una desconocida mano...desconosco quien fuese el furtunado artista polpular.

Cada escena, narra pasajes de la vida interiorana..pero lo que me capturo mi atenciòn fué lo siguiente.

"Hombres tumbando monte"

LA FACTURA del trabajo a mano libre, los colores, los matices que suavemente se conjugan en la composiciòn conjunta de la obra....el fresco sentido cromatico libre de academico sugerimiento.

"La Junta"

Vengo capturado, por la "plena libertad" de movimieto de las figuras, que estan bien repartidas en el espacio, en su razòn de existir y del papel que cada una de ellas recitan en la escena.

"Recogedor"

La sincronias de los colores..que no son fruto de "un copiar lo real"....ya que son frutos de la libre fantasia, como que: En una distraida ejecuciòn, es el relato la preocupaciòn y el deleite de fantasticar la satisfaciòn, el goze del mismo trabajo.......

"La chiva vista desde atras"

Relato de cercanos y conocidos paraisos, placenteros lugares, frescos momentos.....

"Mujer en casa"

Campesinas laboriosas, amas de casa...casas de campo, de caserios lejanos.

Chiva con "Diosa del viento"

Donde las COSAS de uso cotidiano, vienen mezclados a fantasticas historias, decoradas bajo desintersadas manos cretivas....o tal vez, una CREATIVIDAD COLECTIVA realizada para el delite popular.

Fuese, como fuese...toda la admosfera de fantasia, de alegre libertad, lleva a recordar...que tal vez nuestro CUTARISMO veraguense..vive y deja señales de innotos, desconocidas manos.

Dejandonos huellas, en cada angulos escondidos de la ciudad....ya que este no es el unico ejemplo que podemos llamar a causa.

Obras para atentos observadores, que abren apuntos en nuestros cuadernos de ideas, y sugerimientos de libertades creativa de exquicitos sabores selvage....

Orquesta Sinfònica Nacional de Panamà

2009-05-24T10:40:00.009+02:00

En homenaje a los 68 años de la
Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá
27 de mayo de 1941- 27 de mayo de 2009

MUCHAS VECES NOS ENCONTRAMOS, CON FIGURAS, QUE CON LENTOS Y CONTINUOS PASOS, NOS ILUSTRAN SOBRE LOS ACONTECIMIENTOS CULTURALES QUE SE DAN EN NUESTRA QUERIDA PATRIA -PANAMA- GILMA DEL CARMEN MEZA RODRÍGUEZ, ES UNA DE ESTAS, QUE CON SU BREVES NOTAS, COOLABORA ASIDUAMENTE CON NUETRA REVISTA... NACE EN OCÚ, PROVINCIA DE HERRERA, REPÚBLICA DE PANAMÁ, EL 30 DE JULIO DE 1966. REALIZA ESTUDIOS PRIMARIOS EN SU PUEBLO NATAL ADEMÁS DE LA PRE MEDIA. SE TRASLADA A LA CIUDAD DE SANTIAGO, PROVINCIA DE VERAGUAS, DONDE REALIZA SUS ESTUDIOS SECUNDARIOS EN EL INSTITUTO URRACÁ. SUS ESTUDIOS UNIVERSITARIOS LOS REALIZA EN LA CIUDAD DE PANAMÁ, LOGRANDO LA LICENCIATURA EN RELACIONES PÚBLICAS. OBTIENE ADEMÁS EL TÍTULO DE PROFESORA EN DOCENCIA MEDIA DIVERSIFICADA EN EL CENTRO REGIONAL UNIVERSITARIO DE VERAGUAS. HA PERTENECIDO A DISTINTOS GRUPOS DE ACTIVIDADES CULTURALES EN SU PUEBLO NATAL COMO PATRONATO DEL FESTIVAL NACIONAL DEL MANITO DE OCÚ, FERIA SAN SEBASTIÁN DE OCÚ, DISTINGUIÉNDOSE COMO MIEMBRO ACTIVO DE ESTAS AGRUPACIONES FOLKLÓRICAS CULTURALES. DADO QUE EL FOLKLORE ES UNA DE LAS RAMAS QUE MÁS LE APASIONA, REALIZÓ ESCRITOS DE CORTE FOLKLÓRICO DESTACANDO LO AUTÓCTONO DE LAS COSTUMBRES Y TRADICIONES DE SU TIERRA NATAL. LABORA DESDE HACE TRES AÑOS COMO ASISTENTE DE PRENSA Y RELACIONES PÚBLICAS DEL INSTITUTO NACIONAL DE CULTURA DE LA REPÚBLICA DE PANAMÁ. DESDE LA PRIMERA CASA DE LA CULTURA DE SU PAÍS, ESTA LABOR LE HA PERMITIDO CONOCER LAS DISTINTAS FACETAS DE LA CULTURA NACIONAL DE SU PAÍS. SU TRABAJO ES REFLEJADO POSITIVAMENTE A TRAVÉS DE MEDIOS DE COMUNICACIÓN DE SU PAÍS.

ARISTIDES UREÑA RAMOS

FLORENCIA-ITALIA-2009

EN HOMENAJE A LOS 68 AÑOS DE LA ORQUESTA SINFONICA

POR: GILMA DEL CARMEN MEZA R.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, regentada por el Instituto Nacional de Cultura (INAC) es una de las instituciones culturales cuyo crecimiento y perfeccionamiento es notable en los últimos años.

Dirigida por el maestro Jorge Ledezma Bradley e integrada por músicos nacionales y extranjeros, altamente calificados, con muchos años de estudio, talento y dedicación. Ha ejercido un papel permanente de docencia, estímulo y proyección para las presentes y futuras generaciones.

En estos últimos cinco años, la proyección e integración de la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, para con la comunidad, ha sido exitosa. Más de 200 funciones fueron realizadas en barrios periféricos e iglesias de la ciudad de Panamá y el interior de la República. Entre los años 2008 y 2009 siete (7) grandes conciertos en gimnasios y plazas del interior de ciudades como David, Chitré, Santiago, Aguadulce, Colón y Penonomé, logrando acoger entre éstas más de cien mil (100,000) espectadores. Su labor docente es sumamente positiva al ofrecer conciertos didácticos a jóvenes estudiantes de música de distintos centros educativos en esa rama.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá se fundó el 27 de mayo de 1941, gracias a la iniciativa del maestro Herbert De Castro. Desde entonces ha tenido como directores titulares a Herbert De Castro, Walter Myers, Roque Cordero y Eduardo Charpentier De Castro. Han actuado como directores invitados Richard Schumacher, Hans Jorchem Reeps, José Iturbi, Ricardo del Carmen y Luis Herrera De la Fuente, entre otros.

La Orquesta Sinfónica Nacional es el eje principal de la vida musical de la nación panameña y la culminación natural de aquellos talentos musicales formados en el instituto Nacional de Música y la Escuela Juvenil de Música, ambas regentadas por el INAC, así como los egresados de la Universidad Nacional.

Gilma del Carmen Meza Rodríguez
Ciudad de Panamá
21/5/09

Articulo publicado en Contemporay Art magazin/junio 2009/CONTEMPORARY ART NEWS/*copry.

X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE

2009-05-20T20:13:00.007+02:00

COLEGIO UNIVERSITARIO DE CARTAGO
(CUC - Costa Rica)

Con la colaboración en Panamá de la
Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS
(Chiriquí - Panamá)

Rossevelt Diaz
X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE
HERNÁN HIDALGO HIDALGO 2009

Tema: CALENTAMIENTO GLOBAL

País Invitado: PANAMÁ

13 al 30 de JULIO de 2009
(Campus del Colegio Universitario de Cartago - Costa Rica)

Homenaje a los artistas
ZULAY SOTO y FABRICIO MONGE

Curador Internacional:
RODRIGO MUÑOZ AZOFEIFA

INVITADOS DE HONOR

Maestro MARIO CALVIT

Maestro EUDORO SILVERA
(Cortesía: ARLENE LACHMAN Galería)

mario calvi

ARTISTAS INVITADOS

AMALIA TAPIA

ROOSEVELT DÍAZ AROSEMENA

EXHIBICIONES ESPECIALES

Arte Étnico: Región CUCUÁ (Coclé)
(Colección: Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS)

Escultura: Manuel E. Montilla

SELECCIONADOS POR CURADURÍA

BENALCAZAR, ALEXIS (Panamá)
BERMUDEZ, ERICSON (Azuero)
BRUGIATI, DIANA (Chiriquí)
CASTILLO, ÁNGEL (Veraguas)
DE OBALDÍA, MARISOL (Chiriquí)
FUENTES, DONTY (Chiriquí)
FUENTES, YUN (Chiriquí)
HERNÁNDEZ, OSVALDO (Azuero)
LATOUCHE, LUIS TREVILLE (Chiriquí)
MELAMED, MORDAHAI (Veraguas)
MENDOZA, AGUSTÍN (Azuero)
MONTILLA, MANUEL E. (Chiriquí)
NAVARRO, EDUARDO (Panamá)
OLOGUAGDI (Kuna Yala)
SAMANIEGO SINCLAIR, HÉCTOR (Azuero)
SAMUDIO, OSMAN (Chiriquí)
VEGA de MORALES, ZULAIKA (Veraguas)
YOUNG NÖEL, CESÁREO (Panamá)

El sábado 16 de mayo en David, Chiriquí, el curador internacional invitado Rodrigo Muñoz Azofeifa (Costa Rica), selecciono 22 obras pictóricas de 18 artistas nacionales en la convocatoria para la X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE HERNÁN HIDALGO HIDALGO que anualmente se celebra en el Campus del COLEGIO UNIVERSITARIO DE CARTAGO (CUC) en Costa Rica.
Este año la muestra, del 13 al 30 de julio, es dedicada a los artistas costarricenses ZULAY SOTO y FABRICIO MONGE, como país invitado funge PANAMÁ.
En Panamá el CUC contó con la colaboración de la Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS, quienes realizaron la convocatoria, selección inicial y fueron los anfitriones del curador Muñoz Azofeifa. El que, posterior a la curaduría, dictó una charla sobre las implicaciones curatoriales en el arte contemporáneo en las salas del Museo y Antigüedades LA CASONA, en David.
Para esta muestra internacional se escogió a creadores de todo el país; así está presente la Región de Azuero con 4 artistas, Veraguas cuenta con 3 representantes, Panamá (capital) con 3, Kuna Yala con 1 y Chiriquí con 7. Exponiéndose una amplia panorámica del quehacer plástico en nuestra república.
Sumado a lo anterior, se cuenta como Invitados de Honor por Panamá a los Maestros MARIO CALVIT y EUDORO SILVERA. Seleccionándose a los artistas AMALIA TAPIA y ROOSEVELT DÍAZ AROSEMENA como invitados especiales por su aporte y trayectoria en el arte panameño.
En la muestra de Cartago se exhibirán dos contribuciones especiales desde Panamá: una muestra de arte étnico de la región de los CUCUÁ en Coclé y una selección de esculturas en hierro de pequeño formato de Manuel E. Montilla.

SOBRE LA MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE
HERNÁN HIDALGO HIDALGO

El Consejo Directivo Institucional del Colegio Universitario de Cartago, Costa Rica, acordó crear la muestra de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo como un espacio de intercambio para exhibir y dar a conocer el pensamiento artístico a través de las obras de los artistas cartagineses, nacionales y extranjeros.
Esta muestra pretende fortalecer las artes plásticas (pintura, escultura, grabado, instalaciones, fotografía, dibujo, collage, ensamblajes, intervenciones físicas, performances), la música, el teatro, la danza, la poesía, las manifestaciones étnicas y populares, en un contexto de arte libre, con autonomía, independencia y sentido humano, de manera que el artista, la obra y los diversos públicos, puedan reflexionar, confrontar, discutir, compartir, enriqueciendo el saber y planteando un acercamiento regional del área de Mesoamérica merced a la creatividad, el arte y la cultura.
La Muestra Internacional de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo es actualmente la única en su género, de carácter universitario con proyección internacional, en Costa Rica, pretendiendo la confrontación del pensamiento, el intercambio de ideas, la coparticipación cultural, en un espacio polivalente donde se proyecta el arte de nuestros días con singular vigor y, mérito mayor, fuera de la égida metropolitana; en la periferia de los centros de poder político y con un marcado tinte de excelencia.
La participación panameña no desmerece estas exigencias de calidad, de creatividad y de intercomunión con el pensamiento humanista de nuestros días. El curador, Muñoz Azofeifa, inscribe la muestra istmeña como trascendente y de un alto valor intrínseco. Cabe destacar que los artistas nacionales se preparan para estar presente en la magna inauguración del evento el próximo 13 de julio en la ciudad de Cartago, histórica por ser la primera capital del hermano país.

SOBRE LA FUNDACIÓN PARA LAS ARTES MONTILLA E HIJOS

Entidad privada, sin fines de lucro, cuyo norte es la proyección, difusión y concreción creativa de las diversas manifestaciones del arte y la cultura en el área de Mesoamérica, con especial énfasis en la provincia de Chiriquí.
La Fundación cuenta con un acervo de obras plásticas y bibliográficas que se convertirán, en lo futuro, en un espacio museístico y que se ubicará físicamente en algún punto de Mesoamérica donde las condiciones sean ofertadas. Por lo pronto tiene su cede en David, Chiriquí.

(contributo de Manuel Montilla/Contemporary Art-Magazin)

ABNER BENAIM -UNA PALABRA-Panamà 2009

2009-04-12T20:27:00.010+02:00

Nos encontramos defrente a una de las figuras màs representativa de la nueva expresione artistica panameña. Abner Benaim nos brinda aqui, su ultima "provocaciòn artistica", presentada en las instalaciones del "Diablo Rojo" de la Ciudad de Panamà.

Aristides Ureña Ramos

(Publicado en Contemporary Art News/magazin)

ABNER BENAIM

"UNA PALABRA"

panama 2009

“Una Palabra” explora el significado y la falta de significado que puede tener una palabra- Nuestras vidas están llenas de palabras, habladas, escritas, grabadas, pensadas; y cada una de ellas funciona como contenedor para información, emociones, memorias. Escogí una palabra común, muy utilizada en Panamá, y la objetifique. La convertí en diversos objetos, con la intención de crear un discurso en torno a esta única palabra. Por que esta palabra en particular, no se? Quizás por los motives obvios (obsesión con los temas de sexo y muerte), quizás por su rica función lingüística, sus múltiples significados, su porción de controversia, las imagines que evoca, quizás hay algo mas. Honestamente no se, todo empezó con una broma, con una amiga., y parece que nos tomaron en serio.

Siempre he sido amante de los objetos “personalizados” con nuestro nombre, quizás porque tengo un nombre que nunca he encontrado en las tiendas que venden este tipo de artículos (placas, llaveros, etc.). Tome la oportunidad para realizar una colección de tales objetos, siempre usando la misma palabra, y de este modo sacando dicha palabra de su usual contexto , y así convirtiéndola en una suerte de abstracto, de idea sin razón de ser, de mantra. Me acuerdo que de niño a veces jugaba a repetir una palabra hasta que se tornaba “rara, extraña”; la repetición automática de una palabra tiene el poder de llevarte a un lugar donde lo conocido se convierte en desconocido, y donde ya no sabes lo que crees que sabes. Este es un lugar que hoy me gusta explorar.

La técnica es mixta y se trata de “ready mades” o mejor dicho “made to order”, o sea mandados a hacer. Esta técnica o no técnica va muy bien con el tema de “Una Palabra” que en tiempos de producción en masa, de excesivos mensajes, de la inmediatez del mercadeo y publicidad, de comunicaciones impersonales entre humanos, trata de irrumpir en la mente del observador, solo a través de la des-colocación del texto, sin imagines preconcebidas, y así generar temas urgentes, íntimos, muchas veces inhibidos, provenientes de cada una de nuestras interpretaciones.

Melamed Mordahay en el Poliforum Cultural Siqueiros

2009-02-13T20:27:00.008+01:00

Corrian los años 1990 y una joven dama, se arma de un gran coraje y con una energia, desconosidas a muchos…desafia todas las previsiones màs obscura y abrè un espacio expositivo en el interior de la republica, precisamente en Santiago de Veraguas, espacio Galeria STUDIO 54, que marco parte de la historia intelectual veraguense y del profundo Panama.
.Es asi que Zaida Gonzales Vergara aparece en el panorama artistico panameño donde es parte activa y promotora de iniciativas de gran valor intelectual..en esta ocaciòn presentò al pintor y amigo veraguense Mordahay Melamed que serà presente con una INDIVIDUAL en el Poliforum Cultural Siqueiros de Ciuda del Mexico, donde Zaida presentò, a traves del escrito que aqui publicamos a este nuevo valor de plastica Panameña.

ARISTIDES UREÑA RAMOS

Florencia/ITALIA febrero 2009

"PURA INSPIRACIÓN TROPICAL"

MELAMED MORDAHAY
Poliforum Cultural Siqueiros

Ciudad de Mexico

Por: Zaida González Vergara
Galería Studio 54
Octubre, 2008

Los latinos llevamos el trópico por dentro, calibramos con infinita sabiduría la variedad cromática de los verdes de nuestros bosques, los rojos del sol tropical y los ocres inmersos en nuestras fértiles tierras y estos son solo una muestra del poder que ejerce nuestra vista ante el espectro de colores tropicales. Esta poderosa influencia ejercida sobre el manejo de los colores calidos hacen homenaje a nuestra sangre latina y se combinan a la perfección con un elemento característico, como lo es nuestra naturaleza representada por la simplicidad y a la vez la magnificencia de las flores, tomadas prestadas para que adornen y enmarquen el tercer elemento inmerso en estas composiciones: La mujer – la dama – la musa latina, frescas representaciones llenas de alegría y misterio, sorpresa e ironía, inocencia y nostalgia, y por que no belleza salvaje y pura. Y que es todo esto sino la niña – mujer bañada por los rayos del sol ardiente que tanto nos inspira, sus pieles canela, sus miradas dulces y soñadoras, sus labios expresivos y sus gestos adornados, como queriendo invitarnos a compartir con ellas dentro de la armonía creada.

Mujer protagonista e inspiradora, de actitudes sosegadas, tranquilas, relajadas. Mujeres distantes, taciturnas, divagantes, ensimismadas, en un estado de abandono exterior, cargadas con algún elemento simbólico que envuelve el mito femenino: sensualidad, erotismo y picardía. Esto se evidencia en las miradas adormecidas, en los rostros inclinados, sumergidas en un ambiente de paz interior imperturbable.

La suma máxima de la magia del color tropical, ricamente plasmado sobre papel Manila / estraza, donde se fusionan acertadamente el pastel seco, lápiz y destellos en pastel óleo; todo esto, junto con la estilización del dibujo, busca la idealización de la figura femenina, confiriéndole una majestuosidad inigualable en un recorrido que deleita al espectador y que le propone intervenir de manera abierta con sus emociones, sus sentidos y su interpretación; creando un equilibrio entre lo propuesto y el observador que es para quien finalmente se concibe la obra.

Un sincero agradeciento a Mordahay y a Zaida por su gentil coolaboracion.

JOSIANE BORNEO/ "Los nidos" CONNOTACIONES CONTEMPORANEAS

2008-12-04T18:29:00.010+01:00

JOSIANE BORNEO

MUSEO ANTROPOLOGICO REINA TORRES DE ARAUZ

OCTUBRE 2008

Encontrar personalidades, que a traves de sus trabajos estimulen la parte inactiva de nuestro "entender el arte", es dificil...y cuando esto sucede, se activan en nosotro, aquella curiosidad, que poniendo en juego nuestras certezas, nos acercan a los valores del pensamiento artistico contemporaneo.

La artista Brasileña residente en Panamà Josiane Bornéo, en el TEXTO gentilmente mandado y que a continuacion publicamos, nos presenta sus concideraciones sobre lo contemporaneo y la metologia para cumplir con su PROYECTO ARTISTICO,

ARISTIDE UREÑA RAMOS

-florencia-Italia 2008-

CONTEMPORARY ARTNEWS MAGAZIN

Nidos

de Josiane Bornèo

Las estructuras e instalaciones “nidos” son objetos de arte de connotaciones contemporáneas y pertenecen a una serie de trabajos concluidos en el período de 2005-2007, que fueron así nombrados por congregar características constructivas semejantes a la de los diferentes tipos de nidos identificados en la naturaleza y por relacionarse metafóricamente con las nociones que tenemos de calor y protección del hogar primordial, aquél que podríamos identificar aún en el vientre materno, cargado de atavismos.

Ellos fueron construidos durante un proceso académico y poseen referencias antropológicas que rescatan gestos primarios, y también psicológicas, una vez que establecen relaciones con la construcción del pensamiento, que según la teoría Lacaniana, que plantea el modo como todos absorbemos del entorno en la construcción de la memoria inconsciente, recuperamos para transformar conceptos en lenguaje.

Estos “nidos” están confeccionados principalmente con tejidos, ropas o tramas sobre madera, con parafina y también con otros materiales desechados, de variada procedencia. La técnica utilizada fue la del Assemblage, que popularizado por el movimiento POP, permite la reutilización y reubicación de cualquier objeto producido en el proceso de industrialización.

Pero indudablemente el elemento material más fuerte en esos trabajos son las ropas que actúan en representación de la dicotomía presencia/ausencia del cuerpo (Merleau-Ponty), a veces mostradas en piezas enteras o torcidas, amarradas y rotas, generando interesantes figuras a partir de la sucesión de nudos o secuencias de puntos y pliegues, a veces insinuadas u ocultas en la trama y sustentación de los objetos.

Las ropas rescatan colores, texturas, formas y diseños que ubican cada nido en un contexto específico y los caracterizan de un cierto barroquismo que acaba por generar una intimidad mayor con las piezas y relacionarlas con nuestra latinidad; y son casi totalmente responsables por el resultado de esta propuesta creativa que, preocupada en profundizar las relaciones entre artista-obra-espectador, acaba tejiendo y cosiendo un complejo conjunto de ideas.

La incursión espacial siempre ha sido importante en nuestro parámetros creativos, bien como la relación entre producción artística y el rescate cultural a través de un código simbólico, pero en este trabajo fueron los huevos los primeros elementos a aparecer de manera sistemática en dibujos y pinturas antes de que los nidos ganaran su debida importancia o realmente conformasen un proceso.

Los huevos ocupan los nidos y se presentan en diferentes formatos y estilos funcionando como elementos celulares, como habitantes que ora cargan el secreto del origen, ora de la continuidad del proceso. Pueden estar hechos con parafina y pequeños objetos, o con telas u otros elementos de variada procedencia, y definitivamente están cargados de sus propias informaciones visuales, lo que conlleva a una variedad formal muy específica a cada nido, que parece haber sido construido a partir de un si mismo, de un cuerpo, de un instante o vida propia.

Si agregamos a eso la representación de las nociones de tiempo en la tradición femenina de tejer y la fuerza de los mitos en el imaginario colectivo percibiremos entonces que la intrincada trama de resultados que permea cada objeto en realidad no tiene nada de gratuita u ocasional y quizás, a partir de esas conclusiones podamos acercarnos a estas estructuras e instalaciones a través de una área de la sensibilidad ya casi olvidada en la actualidad debido a las exigencias de velocidad en nuestra percepción: el instintivo tacto visual.

Josiane Bornéo Panamà-2008

Alemania/ Performances "Banana Republik"

2008-07-28T20:20:00.005+02:00

Region Vogelsberg Touristik GmbH

Vogelsbergstr.

137a63679 Hessen- Schotten

-Alemania-

Hessen- Alemania 23 de Julio presentacion del Performance's BANANA REPUBLIK ("voces de la periferias") del artista Latinoamericano:

ARISTIDES UREÑA RAMOS
(videos, performances y intervento urbano)

23, 24, 25 julio
desde las 18,30 -22,30

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*--Interesante trabajo el del Paño Mural realizado para el Municipio de Santiago de Veraguas..para observar este interesante y magestuoso trabajo basta clicar aqui:

http://www.muralmunicipio.blogspot.com/.

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**--Como también les aconsejamos la entrevista sobre la situaciòn cultural de Panamà en el 2007, hecha al artista Aristides Ureña Ramos, entrevista de no perder por su enfoque polemico.

Clicando aqui podras apreciar la entrevista:

http://newsofcontemporaryart.blogspot.com/search/label/aristides%20%28entrevista%29

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Periferias en Comunicaciòn un Proyecto de Aristides Ureña Ramos

2008-07-28T19:48:00.009+02:00

CIRCULO DELLE VIE NUOVE
vialle Giannotti, 2/3a

Florencia-Italia El Proyecto "VOCES DE PERIFERIAS" de ARISTIDES UREÑA RAMOS. se hace realidad atravez de un nuevo programa:

(El artista Aristides Ureña Ramos curador del proyecto trabaja juntos a los artista de la calle)

"Dialogo entre las Periferias" PERFORMANCES de grafitos. 6 street writers invitado provocatoriamente por el artista-curador Aristides Ureña Ramos ejecutaran bajo la tecnica del SpaycamArt y del AerosolArt un MURO colocado en la instalaciones del Cirulo Cultural.Los artista proveniente de toda Italia que coolaboraran en el evento son:

PLATS
FORMA
ZED1
MIGNOLO
SWAN
STYLE1

Street writers ya conocidos por las cronacas y sus aportes clandestinos a tal expresiòn.

Domingo 27 de julio 2008
horas 15,30

CIRCULO DELLE VIE NUEVE
vialle Giannotti, 2/3a

ARISTIDES expone en la Expo colectiva "COLORES LATINO"en BELGICA

2008-06-08T19:34:00.005+02:00

GEMEENSCHAPSCENTRUM 'T GASTHUIS

TURNHOUTSEBAAN- WIJNEGEM

"cOloRes Latinos"

2008

Manuel Montilla Sobre la Situacion Cultural en Chiriqui Panamà

2008-06-02T13:10:00.006+02:00

Es con gran placer que sedò la pluma, aun gran amigo, artista reconocido y serio protagonista de la cultura interiorana MANUEL MONTILLA, que desde su “Republica Chiricana” nos invita a acompañarlo en sus atentas refexiones sobre la situacion cultural de su regiòn.
MANUEL MONTILLA para los “Informados”, es un artista, que ha marcado pausas inportante dentro de la Pintura Panameña, dotado de grande genialidad ha sabido construir atravez de sus continuos proyectos, una vigorosa atenciòn, que le ha permitido desarrollar, allà en los extremos confine de la naciòn, una realidad vital y digna de apreciar.

Aristides Ureña Ramos

Manuel Montilla

CONTEMPORARY ART NEWS MAGAZIN

BREVIARIO DEL ARTE EN CHIRIQUÍ
Texto: Manuel E. Montilla

CHIRIQUÏ, que en lengua aborigen significa VALLE DE LA LUNA, se ubica en la región sur-occidente de la República de Panamá, su capital es la ciudad de David; cuenta con, aproximadamente, 450,000 habitantes, en una superficie de 8,653 km2 .. Es tierra de grandes contrastes, desde extensas llanuras de caudalosos ríos, con un amplio litoral costero, de esplendidas islas y abundante vida marina, a las tierras altas, de origen volcánico, donde sobresale el punto geodésico más alto de Panamá, el Volcán Barú con sus 3475 metros de altura, aunado a otras elevaciones de la Cordillera Central ( Cerro Picacho, 2874 metros; Cerro Santiago, 2826 metros; Cerro Pando 2468 metros ), lo que brinda una inusual variedad de microclimas. De tal suerte, la diversidad de flora y fauna es prodigiosa; presentando gran amplitud para la producción de la industria agropecuaria, lo que ha demarcado la vida, procesos culturales y proyección socio-política del antiguo asentamiento de naciones como los Ngobes, los Doraces, los Zurias, y otras etnias prehispánicas.
PANAMÄ, paso obligado, desde siempre, para las migraciones y éxodos, tanto del sur como del norte, recoge en su seno las aportaciones de pueblos y hombres en tránsito. La rica y variada cerámica precolombina de Coclé, la escultura y cestería del Darién, los mitos, tradiciones y aportes estéticos plasmados en las MOLAS de los Dules ( en Kuna Yala ), proyectan su epígono en las tierras chiricanas con sus monolitos de Barriles y su extensa profusión de PETROGLIFOS ( de 44 sitios en el Istmo, en Chiriquí se localizan 26 ). La exhuberancia de su naturaleza se aúna a la cordialidad, sencillez y empatía de sus habitantes.
CHIRIQUÏ es tierra de poetas, hombres y mujeres que hacen de la palabra una fuente cromática de sentimientos donde abrevan, a uno, el hombre cotidiano, su entorno, su imaginación y las Musas. Nombres destacados en la construcción del verbo como Dimas Lidio Pitty, José Guillermo Ros-Zanet, Elsie Alvarado de Ricord (+), Matilde Real de González, Rosa Elvira Alvarez (+), Sidya Candanedo de Zuñiga, entre una pléyade heterogénea, conforman con donosura, desde el Valle de la Luna, el Parnaso Lírico del Istmo; expresando la prodigalidad y profunda raíz sensorial que, hablando en voz actual, nos remite al intenso sentimiento ancestral del nacimiento de la entidad humana, de su encuentro con una naturaleza desorbitada, salvaje y grandiosa, y del develamiento de su propia inserción como elemento transmutador. El estupor ante lo inconmensurable, el cataclismo interior y la conformación de los códigos de comunicación como basamento de la concreción del mundo, entidad e identidad, del ser humano.
En las Artes Visuales, desde finales del siglo XIX y principios del XX se convocan diversidad de elementos que permiten un desarrollo paulatino, como corresponde a una sociedad rural, de forma que siempre ha habido una inquieta corriente, algunas veces con mayor relieve y otras soterrada, que incita la óptica del chiricano. Es así como nombres como ALBERTO FRANCO (1878 – 1910), IDA BELLI (1876 – 1922), HËCTOR AGUSTÏN FALCÖN (1904 – 1946), se presentan como los forjadores en pintura. En fotografía es necesario citar como pionero al Dr. MAXIMILIANO MULLER DEPUY (alemán establecido en la ciudad de David en la segunda mitad del siglo XIX) y a ENRIQUE JAQUILLON VIAL, quien realiza retratos iluminados de singular hermosura y depurada técnica en las primeras décadas del XX .
Posteriormente vendrán figuras como TOMÄS CABAL Y BARROS (1897 – 1966), ROSITA LOWLER DE ARAÜZ ( ¿ - ? ), DIÓSCORO BRUGIATI MUSI (1893 – 1977), el escultor SIMÓN ESTEBAN MEDINA FERNÁNDEZ (1912 – 1984), ITALO BRUGIATI PAREDES (1917 – 2002),
El historiador Dr, Mario José Molina Castillo anota en su tesis de graduación (1990): “Si hacemos una correlación con la producción artística de la ciudad de Panamá y la de esta provincia, podemos concluir que a pesar de que en Chiriquí no hubo academias de arte hasta la década de 1950, hubo cultivadores de las manifestaciones pictóricas y artísticas, así como algunos talleres de arte. Sin embargo, el desarrollo del arte pictórico en Chiriquí se debió principalmente a la llegada de algunos artistas inmigrantes o itinerantes, quienes han dejado en el medio sustanciales huellas y herencia artística.”
Continua un periodo de gran actividad donde surgen figuras como MARCO ERNESTO GOMEZJURADO (1923 – 1985), ANIBAL VARCA (1925 – 1987), AGILIO FORTUNATO MIRANDA SAMUDIO (Dr. NATO), quien reside actualmente en los Estados Unidos, y se conforman las primeras academias. Como bien ha anotado el Dr. Molina, muchos de los artistas mencionados no vieron la luz primera en suelo chiricano, no obstante todos se integraron al medio y contribuyeron a forjar el basamento estético de este lar.
Recién entrada la segunda mitad del siglo XX, surgen a la palestra nacional los dos Grandes Maestros con que Chiriquí ha contribuido al Arte Panameño; EUDORO (LOLO) SILVERA (David,1916) y GUILLERMO TRUJILLO (Horconcitos,1927). Con personalidades diferentes, ambos se han caracterizado por su versatilidad, carácter investigativo y amplísima cultura. Ambos han afincado sus vidas y desarrollado su trabajo en la ciudad de Panamá.
EUDORO SILVERA, es un verdadero hombre de Renacimiento, pintor, escritor, músico, periodista, maestro de Belle Canto, traductor, creador de la caricatura política en Panamá, ha sus 92 años continua pintando con el vigor y la pasión de un demiurgo. Estudia dibujo de la mano del Maestro Roberto Lewis, en Panamá; en la Cooper Union de Nueva York se especializa en pintura; en la Juilliard School of Music adquiere un título en canto de “lieder”. En 1962, becado por el Gobierno Federal de Alemania, estudia grabado y litografía en la Academia de Artes Plásticas de Munich.
El arquitecto Erik Wolfschoon anota: ” Silvera comparte la actitud de Tamayo y Lam, que es – o fue en algún momento – la de Torres-García, Pettoruti y Matta. La primera obra que expone en Panamá, luego de extensos estudios en Nueva York, es el fruto de una exploración, intensa y concentrada, sobre la posibilidad de un lenguaje artístico panameño, pero también universal. Piñas, mangos y cocos son, antes que nada, objetos corpóreos susceptibles de una síntesis estructural. En este proceso se ensayan las más diversas permutaciones plásticas, pero sin perder nunca el camino que conduce de vuelta a las cosas tangibles; es más, hasta pudiera afirmarse que se incrementa el sentido de la realidad natural.” – agregando – “ El más clásico de nuestros artistas contemporáneos, es asimismo, a quien corresponde orientar y vitalizar la tradición moderna.”
La pintura de SILVERA es un mar embravecido, con profundas oscuridades, donde la luz incide sorpresiva y demarca esas regiones íntimas, marcadas en el espejo, que encontramos en estupor permanente, en devastación perpetua. No obstante, en algún recodo visual pernocta la esperanza, se agazapa la ilusión. Es la magia bizarra que nos permite regresar a nuestro Edén personal o a nuestro infierno eterno. Ni Dios puede librarnos, ni nosotros queremos salvarnos.
GUILLERMO TRUJILLO, pintor, grabador, dibujante, escultor, ceramista, diseñador de tapices. De profunda percepción, su obra de enorme riqueza formal y conceptual se ha desarrollado, siempre, en la búsqueda totalizadora hacia una amalgama de imbricaciones que aúnan modernidad y ancestrales mitos, el color y la textura con una penetrante visión histórica, la pasión del trópico con una naturaleza humana bestial e ingenua.
TRUJILLO, se recibe de arquitecto en la Universidad de Panamá; va a España, con una beca, estudiando pintura en la Academia de San Fernando; asiste a la Escuela de Cerámica de Moncloa y a la Escuela Superior de Arquitectura. Retorna a su patria y enseña en la Universidad de Panamá, donde funda y dirige el Taller de Cerámica Las Guabas.
El profesor Pedro Luís Prados se refiere al Maestro TRUJILLO: “…se impone la tarea de caracterizar una pintura que recoja los elementos esenciales de nuestra idiosincrasia, sin perder en ello los conceptos universales del arte.” – “La obra de Guillermo Trujillo puede ser considerada la más amplia totalización de la plástica nacional. Polifacética y polisémica, su producción registra las más variadas incursiones en técnicas, estilos y temas, procurando siempre el logro de un lenguaje personal y diferente.” – agregando a renglón seguido – “Matizados por el humor y la ironía, sus personajes recorren un mundo fantástico, extraído de las raigambres americanas. Danzantes eróticos, levitadores concupiscentes, madonnas impúdicas, se pasean en sus lienzos acompañados de espantos y bestias que participan de una permanente ordalía de luz y color. Imágenes y colores que recrean la intensidad del trópico y la pasión por la naturaleza…” – “En sus obras se recrea un bestiario divertido y lúdico, cuyos significados íntimos sólo pueden ser encontrados en la misma naturaleza del hombre.”
En este breve pantallazo al arte chiricano no podemos dejar de mencionar la obra e influencia de ADRIANO HERRERABARRÍA (1928); artista veragüense, director por muchos años de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), bajo cuya égida se crearon, en los setentas, las primeras Escuelas de Arte estatales del interior del país (Chitré, Santiago, David), HERRERABARRÍA, de vida y obra un contestatario permanente resume su ideario en la frase: “El arte es algo demasiado personal y poderoso; un pintor debe creer en sí mismo y permanecer fiel a su visión, no importa lo que diga el mundo.”
Joaquín Beleño, hombre de letras y periodista, escribe de HERRERABARRÏA: “Expresa la angustia de su civilización deficientemente desarrollada, y denuncia sus usufructuarios simbolizados en los típicos personajes de estructura feudal: traficantes de almas y armas, políticos corruptos, brujos, farsantes y toda la farándula de explotadores sociales en los diferentes niveles de la sociedad. Esos son los entes de pesadillas que yo veo en la obra de Herrerabarría, cuyo mensaje social es la denuncia que pronostica la esperanza de un futuro mejor para el desposeído.”
HERRERABARRÍA, su vida, su obra y, sobre todo, su postura beligerante como artista independiente y desafecto al mundillo de galerías y críticos perdularios caló profundo en sus alumnos del Valle de la Luna. Hoy, ya retirado de muchas actividades, sigue siendo un referente obligado cuando se habla de un artista honesto, investigativo y de un maestro consagrado.
En los actuales momentos las artes plásticas en Chiriquí son una fuerza en crecimiento constante; con gran diversidad de tendencias y estilos, lo cual es su logro de mayor significación. Destacaremos de inicio tres nombres que, por razones puntuales, consideramos especiales dentro del conglomerado artístico.
SILFRIDO IBARRA RIOS (1959), la figura más destacada desde el punto de vista de la proyección como nombre para galerías, que despunta en rango internacional con próximas exposiciones en Estados Unidos. Su obra ha tenido una maduración sostenida, arrancando de un expresionismo social, pasando por una fase metafísica noctívaga, hasta sus paisajes actuales donde tiempo y naturaleza se imbrican en una conjunción denotativa de síntesis, silencio y prístino cromatismo. Vive en la ciudad de Panamá.
MIGUEL ÁNGEL MORALES (1946), residente en el extranjero por muchos años, donde ha encontrado cabida por su persistencia, colorido y un oficio que se depura en tono mayor. De su hacer anotamos unos inicios próximos al primitivismo contextual y que, habiendo ganado en profundidad, se aproxima a una especie de realismo mágico decodificado a vivencial. Sus modelos son los negros istmeños con su desborde de color, fiesta y alegria, pero que, con un profundo valor interior, enfrentan lo cotidiano.
LUIS TREVILLE LATOUCHE (1945), artista sin parangón, poeta insensato, pintor inclasificable, investigador científico indócil, periodista de medios alternativos, político autárquico, deportista apodíctico, historiador insurrecto, novelista, editor, asceta, extraterrestre, radiodifusor, misógino, autodidacta, inductivo, fetichista, coleccionista de piedras, paradigmático, apóstata, emprendedor, nihilista, solitario, pródigo, desvergonzado, indómito, gamberro, orgánico, existencial, astronauta, hombre integro.
El panorama es interesante y promisorio; a mediados de los setenta se instaura la Escuela de Bellas Artes y de sus frutos podemos anotar nombres, ya establecidos, como: VIRGILIO CASTILLO, ALFREDO AUGUSTO CASTILLO (ALAUCA), EDWIN MIRANDA, DIANA BRUGIATI, NORA INÉS PALMA TAYLOR, JULIO REYES, ALFONSO CABALLERO FLORES, MARISOL DE OBALDÍA, VICTOR AGUIRRE (CHIRÚ), FRANCISCO SANTAMARÍA, ONILDA GUERRA DE ESTRADA, JORGE ARAÚZ, ROGER VALDÉS, BENEDICTO ATENCIO, JOSÉ ABDIEL PITTY DEL CID y los, ahora, docentes de su Alma Mater: ALEX QUIEL, IRVING TROYA GONZÁLEZ, DIONY ROJAS.
Próximos en lo temporal, pero con otro bagaje didáctico, tenemos a MIGDELIA ACOSTA LEDEZMA, JOSÉ INOCENTE DUARTE, YUN FUENTES, DIDACIO DE LEÓN, MARIELA AROSEMENA, YOLANDA BERÓN, LORENZA DIAZ PHILIPP, PABLO SILGADO, EMÉRITA FLAUZÍN, CARMEN GUARDIA, CYNTHIA FREIBURGHAUS, LUIS JIMÉNEZ, TERESO DUARTE, ROLANDO MOJICA, HÉCTOR SELÍN GUEVARA, GERTRUDIS DE GOMEZJURADO, WILFRIDO QUIROZ, JOSÉ DE LA CRUZ GONZÁLEZ (ARTE CRUZ).
Algunos han desaparecido prematuramente, pero sembraron su aportación: VERÍSIMO CASTILLO (VERO) – (1945 – 1995), LUIS ENRIQUE MIRANDA (KIKO) – (1952 – 2002), EYDA MARIELA BONILLA DE OSORIO – (1942 – 1993), JORGE GONZÁLEZ DE OBALDÍA (NAIZUIT), FREDERMAN ESTRADA (FREDY).
En las promociones más recientes no podríamos dejar de anotar nombres como: OSMAN SAMUDIO, FRANKLIN RODRÍGUEZ, ELIECER REYES ARANA, ARIANELA ACOSTA SANTAMARÍA, ZULEIKA LEZCANO, PORFIRIO SANJUR, VIRGINIA DE PITTY, EFRAÍN MORALES, LIZBETH DIAZ.
En cuanto a los espacios de exhibición, los establecidos, son regentados por artistas; así tenemos: ANGELY’S Gallery (Víctor Aguirre – Chirú), ARTE MODERNO (Arianela Acosta), Galería EL TUCAN (Luis Treville Latouche), Las GARZAS Gallery ( Yun Fuentes), Atelier YOLANDA (Yolanda Berón), Estudio MONTILLA (Manuel E. Montilla); en Boquete se cuenta con la Galería de Arte ART CAFÉ de Danielle Czikan.
La PINACOTECA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CHIRIQUÍ, es la organización, sin fines de lucro y con Personería Jurídica, que aglutina a los artistas de la provincia, organiza muestras, motiva relaciones internacionales, presenta talleres y conferencias.
La CASA DE LAS ARTES Y LA TECNOLOGÍA ZENAIDA MORENO DE CHÁVEZ (CATZE), es un centro difusor y propulsor de cultura. En este sentido, cuenta con un amplio programa de acciones culturales durante todo el año, tanto regionales, nacionales y extrafronteras. En asocio con Galería ANDRÓMEDA, de Costa Rica, acaba de presentar una muestra serigráfica del renombrado artista FABIO HERRERA.
MUSEO Y ANTIGUEDADES LA CASONA, es un esfuerzo del historiador Dr. Mario José Molina Castillo, donde se conserva una memoria activa de los patricios, la arquitectura, utensilios, tecnología, usos y costumbres del Chiriquí de ayer.
Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS, es una colección de arte panameño e internacional y una biblioteca especializada que se pretende institucionalizar como un legado a Mesoamérica.
Pasaje SENDERO LOS QUETZALES – Crónicas, es un espacio polivalente que auspicia la Universidad Tecnológica OTEIMA para la memoria de las luchas ambientalistas y presentar manifestaciones diversas de la cultura. Será inaugurado en fecha próxima.
Chiriquí cuenta con tres instalaciones museísticas estatales, el Museo de Historia y de Arte José de Obaldía (David), cerrado actualmente por restauraciones, el Museo Etnográfico Don Julio Gómez Ruiz (San Pablo Nuevo) y el Sitio de Petroglifos de Nancito (Nancito). Como esfuerzos privados anotaremos al Sitio de Petroglifos de Barriles (Volcán), Museo Argessian (Armuelles), Museo Religioso (Remedios), Museo de las Piedras (David), Casa Museo Infoplaza (Potrerillos Arriba).
Desde la cumbre majestuosa del indómito Volcán BARÜ, en los días despejados, y sin nubosidades, del verano, se divisan, simultáneamente, las aguas turquesas del Océano Atlántico y las lapislázuli del Océano Pacífico; espectáculo único que nos devela, sin ambages, lo extraordinario de esta tierra prodigiosa, que exhibe con orgullo su más preciado bien; su gente.
De igual, el arte chiricano mira en conjunción, y aprende, de todo lo que pasa en el exterior, sin menoscabo de encontrarse así mismo y de acrisolar lo mejor de todos los mundos disponibles.
Y que la palabra poética de nuestro aeda Dimas Lidio Pitty cierre este breve, incompleto y parcial recorrido por las expresiones de las artes plásticas del Valle de la Luna: CUENTO (Fina como una aguja / fuerte como una espada – Paul Eluard) Era un pueblo sin brújula / ni estrella / Un pueblo de pequeños / hombres / de pequeñas casas / de pequeños ríos / y horas / y madres / y cosechas mínimas / Está escrito / Era débil / de pequeña vida / y cielo pequeño / Era un pueblo diminuto / pero sus héroes / más grandes que el olvido.

Mayo de 2008

David, Chiriqui, Panamà

REFLEXIONES SOBRE ARCO 08 por Cristina Ordòñez Paredes

2008-04-29T21:02:00.011+02:00

La redaccion de CONTEMPORARY ART NEWS-Magazin invitò a la pintora panameña CRISTINA ORDOÑEZ PAREDES, estudiante de la Universidad Complutense de Madrid, a proponernos su personal visiòn sobre la gran muestra Madrileña ARCO 08... Cristina nos brinda atravez de su articulo, la posibilidad de admirar y reflexionar sobr el momento actual en las Artes Contemporaneas.

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ARCO 2008/ MADRID

por CRISTINA ORDOÑEZ PAREDES

ARCO 08 se celebró del 13 al 18 de febrero. Al igual que el año anterior, todos esperábamos esta cita con ansia. La realización de la feria había estado rodeada de polémica ya que el comité de selección excluyó a 30 galerías españolas con una tradición de participación en ediciones anteriores, con la afirmación de la directora de la feria de que “los criterios de selección han sido los mismos en los últimos 27 años”, aludiendo a una estricta cuestión de oferta y demanda la necesidad de rechazar las solicitudes recibidas. Esta edición, se aumentó el número de galerías extranjeras, y el país invitado fue Brasil. En lo personal, el hecho de que fuese Brasil, uno de los países latinoamericanos con más tradición artística, el invitado de este año me llenaba de expectación.

Es así como nos adentramos a recorrer el espacio de miles de metros cuadrados que comprende el IFEMA, recinto ferial de Madrid, para ver las nuevas tendencias presentadas por las galerías de todos los extremos del mundo. Resultó un poco decepcionante constatar que estaban en exhibición las mismas galerías, incluso con las mismas obras de la edición anterior. Así pues seguíamos recorriendo la feria en busca de propuestas innovadores, y fue nuestra desilusión el constatar que este año la mayoría de las galerías habían apostado por exponer aquellas obras de artistas reconocidos que no representan propuestas trasgresoras. Eran pocas las excepciones de esta situación. A medida que seguíamos caminando y observando, la mente y la vista se iban saturando más y más, y se volvía difícil apreciar una buena propuesta cuando estábamos frente a ella. Y lo peor: era difícil hacer una valoración profunda de su contexto y significado.

No obstante quiero mencionar aquí que dentro de esas excepciones, había una instalación con gatos disecados de Jan Fabre, que mezclaba elementos tridimensionales que llenaban el espacio, espejos que hacían que el espectador fuera parte de la obra, y como punto muy innovador mezclaba chirridos emitidos por los gatos al desplazarse. A todos, nos afectó de forma positiva o negativa esta obra que sí que representa el camino por donde va el arte ahora, y por donde seguirá transitando en los años siguientes.

Me parece importante señalar la responsabilidad que tiene este tipo de eventos, a los que acuden instituciones y coleccionistas a comprar obras de arte, más aún porque marcan una pauta para aquellos artistas emergentes que buscan insertarse en un mercado que en la edición pasada al igual que esta, movió más de 20 millones de euros en cinco días.

Como mentes en aprendizaje los estudiantes de bellas artes tenemos que tener un criterio férreo para no dejarnos llevar por la tentación de cambiar nuestros lineamientos, para producir un arte fácil, avalado por un discurso, a veces, poco creíble.

Ejemplo concreto de esto era una instalación: “Contenido neto”, de Benjamín Torres, que causó mucho revuelo: consistía en envases de diversos productos de consumo casero que se compran en el supermercado, realizados en moldes de escayola. El artista le daba la posibilidad al público de comprar los envases hechos en escayola por separado, por 25 euros, o de comprar la instalación completa. Por supuesto, los pequeños coleccionistas, hacían colas kilométricas para comprar los envases por separado. Y, ¿qué es un molde de escayola en la vitrina de una casa, si no está envuelto por un contexto que lo avale? Recordemos aquí la importancia del contexto dentro del arte contemporáneo. Por esta razón obras como esta nos dan la impresión de que algunos artistas ya consagrados, se burlan de un mercado integrado a veces por personas que no saben muy bien cuáles son las reglas del juego.

Mencioné antes la expectación que me produjo el hecho de que fuese Brasil el país invitado. Tengo que reconocer que el conjunto de galerías brasileñas no me decepcionó y fue de mi agrado ver una propuesta tanto pictórica como fotográfica muy sólida por parte de los artistas de este país. Que demostraron así que lo que importa en estos tiempos de globalización es tener una identidad propia bien desarrollada y seguir sin intentar adelantarse, la evolución propia de cada identidad cultural. En contraposición a ese comportamiento, vimos algunas manifestaciones aberrantes, que demeritaban el trabajo del conjunto de los artistas brasileños y del arte contemporáneo en general. Ejemplo de esto era un reportaje fotográfico de Rodrigo Braga sobre una operación realizada a un perro muerto, en la que el artista le quitaba la piel que recubría sus ojos y el hocico; una vez hecho esto proseguía a coser esos elementos a manera de máscara en su propia cara. A nuestro juicio eso no tiene nada de artístico y es incluso condenable. Es ese el tipo de manifestación que un público sin criterio cree que es arte contemporáneo.

Por último quiero mencionar aquí, que es importante tener un criterio muy sólido a la hora de ver arte contemporáneo, ya sea en instituciones consagradas, o en ferias internacionales como ARCO. A diferencia de otras épocas dentro de la evolución artística, somos nosotros ahora los que escribimos la historia de esta época. Los retos que se nos presentan no son fáciles y a mi juicio han sido pobremente abordados por los creadores contemporáneos. En nuestra época se nos plantea el reto de conjugar los nuevos soportes tecnológicos a unas formas de expresión tradicionales, como es la pintura, la escultura y la fotografía. Hoy en día muchas veces la alta cultura se mezcla con la cultura de masas, y el diseño y la publicidad pasan a formar parte de nuestro patrimonio cultural. Los soportes ahora son infinitos, pero hay muchos de nosotros que sentimos nostalgia por las formas tradicionales de expresión. Se nos plantea el reto de reintegrarlas, y de nutrirlas con todas las posibilidades que nos ofrece un mundo cada vez más intercomunicado, donde la máquina y el hombre ahora son uno.

A los artistas emergentes como yo, les digo, que hay que seguir en el camino de una investigación seria, porque para realizar cambios, para transgredir hace falta conocer la historia del arte, y no caer en el error de creer que hemos descubierto la pólvora. La libertad de la que gozamos hoy nos da la posibilidad de utilizar nuestro arte como un lenguaje universal en el que llamemos a la reflexión. Debemos despertar del letargo en el que nos encontramos, y dejar de ser esclavos del mercado. Recordemos, somos nosotros los que debemos marcar la pauta de lo que se crea, no la oferta y la demanda. Porque a fin de cuentas, el arte es un reflejo de lo que somos y de la sociedad de la que formamos parte.

Cristina Ordóñez Paredes, estudiante de la Universidad Complutense de Madrid. 1 de marzo de 2008 (www.cordonez.blogspot.com)

REY ANTONIO AGUDO al MUSEO REGIONAL de Santiago de Veraguas

2008-04-10T20:07:00.006+02:00

MUSEO REGIONAL

Santiago de Veraguas-Panamà

Presenta:
" Los sonidos cromaticos de la irrelacion en los tiempos"

Del artista
REY ANTONIO AGUDO

Desde el 15 de mayo del 2008

-Presentacion critica por ARISTIDES UREÑA RAMOS

-Era la segunda mitad de los años 60 en el barrio de Alto Alfaro de las ciudad de Santiago de Veraguas, momentos de infancia y de amenos correríos por el barrio acompañaban nuestras horas, entre los compañeros de aventura, se encontraba un niño de menos edad a la nuestra, silencioso y brillante observador…..que en mis pausas de retiro, donde el deleite del dibujo de la tempera y de los lápices a pasteles se encontraba sentado en silencio, acompañándome en las lecciones de pintura que Mamà Xenia me impartía, ese niño era Rey Antonio Agudo.
Su presencia no era casual, ya que por voluntad materna Rey Antonio estaba asíduamente invitado, ya que en aquel niño silencioso y observador mi madre había percibido el potencial creativo inerte presente en èl.
Las horas pasadas en el ejercicio del dibujo y pintura, se pierden en mi memoria, como los recuerdos de las inumerables cartulinas y cartones trabajadas - recuerdo en Rey Antonio el frenesí casi competitivo en realizar la mayor cantidad de dibujo, el viaje sin regreso que cabalga la fantasía y la capaz mano que a través del trazo representaba la realidad......(aristides ureña ramos)

Rey Antonio Agudo y Aristides Ureña Ramos

(Foto cortesia de ahora 2mil-Photo & Disign de Stgo)

En mis visitas a museos y galerías Contemporaneas he notado que una característica que denota a los verdadero artista es cuando la obra se mezcla en un bloque único al mismo artista, evento poco común y raro de encontrar. La originalidad de este evento, se manifiesta en una extraordinaria “comunión de intento” donde el personaje pertenece a su obra y viceversa, por estos motivos encontrándonos de frente a este hecho, la percepción de excepcionalidad enciende en nosotros la participaciòn y aprobación expontanea que rompe cada esquema pre ordenado, llevándonos a solidarizarnos con el personaje y su obra.
El profundo Panamà, aquel Panama escondido y interiorano, produce personajes bizarros fruto de las contradicciones del devenir incontrolado del desarrollo de nuestras comunidades, es aquí en este presente, donde encuentran cabida aquellas generosas figuras que a través de sus expresiones gritan al vacío del abandonado y del reconocimiento, dejando a través de sus estupendas obras las huellas de su inmensurada creatividad.
Son muchos los motivos que nos hacen afirmar que, cuando distraídamente sembramos la semilla de la demencia en el terreno de las Artes se recogen frutos inesperados, incontrolables y fuera de los esquemas establecidos; porque esta acción delirante es un componente del proceso creativo, no hay condicionamiento ni frenos inhibitorios en el acto creativo y la pureza de esta condición fortalece la divina práctica llamada inspiraciòn. Por estos motivos, existen personas que se encuentran cercanas del proceso creativo y otros que viven al interno de este proceso, siendos estos ultimos pocos afortunados hijos de la MUSA de la creación dotados de capacidad inventivas fuera de lo normal. A estos van el reconocimento inequívoco de sus expresiones en las Artes.

El Arte: El Arte es la expresión más íntima de los seres humanos y representa bajo su elaboración, la sublime síntesis del intelecto a través de percepciones olfativas, visivas, sonoras y gustativas. A través de la elaboración mental de los recuerdos, de lo onírico, de lo ancestral, de los instintos primordiales remotos, se proyecta a través del artista, originando un trabajo que busca verificar en lo cotidiano o en el contexto social. Es por esto que las Artes han Documentado y Testimoniado los distintos periodos de la Humanidad, como también la riqueza de su diversidad.

Bajo esta luz, va leída la invitación que REY ANTONIO AGUDO nos hace para que participemos y compartamos la presentación de su exposición: "Los sonidos cromáticos de la irrelación en los tiempos", fruto de fiera tenacidad y dura labor de un artista que no necesita indicar en su biografía el elenco de MAESTROS enseñantes, ni de Escuela o Academia de renombradas famas, ya que Rey Antonio es poseedor del bien màs difícil de alcanzar para un Artista la comunión del ARTISTA (personaje) con la CREACION (la obra).
Curiosiando entre las obras que serán presentadas en la Muestra del 15 de Mayo en el Museo Regional de Santiago encontramos aquellas referidas a los “apretadores de botones” y si escuchamos de la viva voz del artista la explicación del contenido de su obra, el escenario nos aparece mas claro dice Rey: “Mi idea es tratar de inculcar a las personas que hoy por hoy son muy tecnócratas ( apretadores de botones de máquinas), increíble paradoja, adelantados en la comunicación y la tecnología pero tan alejados del arte de hoy, que los otros miembros de la mano se pueden atrofiar y hasta desaparecer, pues no van hacer falta para aprentar un botón, y con ésta idea que tienen ahora de clonar todo, de estar manipulando los órdenes genéticos de la humanidad. y esto es peligroso”.

Junto a la tematica de estos lienzos, Rey enfrenta otra temática y su preocupación se focaliza al apelativo de lo bello y lo feo, a través de la representación de los niños marginados ..continua Rey Antonio: “Tambien he cambiado el idealismo o sea el concepto actual de lo que para todos es o debe ser la belleza, pues quien dice que en lo que nos parece feo, no hay tambien algo de bello?.
Las personas las aprendí a ver calvas cuando veía a los niños con leucemia, sin cabellos y yo pensé....se ven tan tiernos y algunas veces a ellos les avergonzaba ésta calvicie, producto de la química y cubrían sus cabeza con gorras, turbantes o sombreros y yo me dije...!Yo voy hacer un homenaje pictórico con aquello que a las personas les parece feo!. !Hombre!... lo mío es un homenaje a lo que nos parece feo. Además porque quiero que mi pueblo acepte nuevos conceptos y propuestas.”

En verdad, al primer impacto las figuras que componen sus lienzos aparecen bien delineadas y trabajadas con finos pasajes pictóricos, la deformación de las figuras denotan la voluntad del artista de acompañar en la observacion de la realidad distorsionadas de las cosas..Brazos y piernas que se alargan desmesuradamente, ojos fueras de órbita en el intento de observar màs alla de lo consentido. Como que, si en su intento de comunicar su preocupación en lo deforme, lo distorcionado, lo desfigurado sea el hilo clave por donde gritar el sufrimiento de todos. Claro.. es aquí en donde Rey Antonio pone “en juego” la genialidad de sus obras, obsesionada y delirantemente único y personal.

Las “Citaciones” bien elaboradas se entremezclan en sus telas. Ingres, Miguel Angel, Rafael, hasta llegar a “citas” que recuerdan el Pop Art Americano, como bien se observan en el Icono de la belleza Marilyn Monroe que en tres fases suscesivas se trasforma de lo bello a lo deforme.

El decorativismo iconográfico viene tomado en préstamo del arte-precolombino trasformándose en un fuerte componente caligráfico que Rey llega a incorporar al interno de su lenguaje, experiencia que veo increiblemente interesante, por la capacidad de éste artista a no quedarse prisionero de estos estímulos o enjaulado en la retórica indigenista, retrógrada de los años 50, que mal encaminaron nuestros mejores creadores.

El Arte de Rey Antonio, por la conjunción de intentos de valores, por su colocación abierta a cada posibilidad, por su originalidad abre un puente de solidaridad que nos lleva a ser partícipes de sus obras.
!Como nos llena de jubilo acompañarlo hoy día, en su combativa presentación!
Un artista que bien representa el Espíritu combativo del TALENTO CREATIVO del Panamà profundo, predestinado a la memoria histórica de la cultura interiorana.

Aristides Ureña Ramos

Florencia/Italia 1 mayo 2008

SOBRE LA SITUACION CULTURAL EN PANAMA

2008-03-23T20:10:00.007+01:00

CONCIDERACIONES SOBRE EL 2007 EN PANAMA....

En esta entrevista hecha a ARISTIDES UREÑA RAMOS el artista panameño da sus personales concideraciones sobre la situaciòn de las Artes en su pais.

-Publicado por Contemporay Art News en el mes de Enero 2008-

(foto: Aristides entrevistado en Almirante Bocas del Toro-Panamà)

-¿ Como vez tu los acontecimientos culturales en Panamá en el pasado 2007 ?.

Creo que son ya algunos años que estamos pasando por un delicado momento de transición.
El dato que más sobresaliente y que muchos entendedores remarcan, es el gran fervor comercial en las artes, debido -tal vez- al boom inmobiliario de la capital, pero atención, este puede ser un dato que nos puede llevar a malas interpretaciones.

--¿Podrías ser mas especifico? que entiendes por Transición

Estamos en un momento de transición, en donde encontramos sectores activos, dinámicos y otros incapaces de interpretar los nuevos cambios, si por una parte encontramos las Instituciones y varios Museos empeñados en intentos organizativos y búsquedas de políticas culturales incisivas, por otra parte, en lo comercial, el creciente aumento de aperturas de nuevos espacios expositivos con nuevas galerías o espacios alternativos a la galería tradicional, conforman un panorama de “intensiones” que buscan verificas en un ambiente que no está preparado, carente de una direcciòn y politicas de desarrollo unitaria.

Bien sabemos de los esfuerzos que las Instituciones y Museos de nuestros países vecinos Centroamericanos realizan, con acciones de rastreo de contribuciones internacionales, que sirven a patrocinar y sustentar las numerosas actividades de alto perfil cultural, alineando en cierta manera el sector, con una discreta excelencia, proponiéndose como punto de referencia en el ámbito artístico, pero para proponer algo parecido en nuestros lares, hay que dotarse de proyectos innovadores, creíbles, que sean actuales y de indiscutible transparencia en cuanto a su gestión.

--¿Una transición en Negativo?

Todo esto no es negativo, hace parte del proceso de transformación. Ya que puede ser el motor, para activar un proceso de cambio en el sector. Lo que estoy sosteniendo es que estamos en un momento de Transición que ha encontrado un ambiente no preparado, además de esto, los grandes intentos renovadores, que se han dado en el 2007, pueden caer en el vacío y en la indiferencia de todos, ya que existe un vacío en la gestión coral de todo el sector.
No podemos dejar de mencionar, los innumerables esfuerzo que existen en Panamá, de premios y certámenes literarios de alto valor, de los concursos de Pinturas y premios de reconocimientos a figuras ilustres, como también las Grandes Muestras en los Museos oficiales y la buena labor de las Galerías de confirmado renombre nacional, esfuerzos que puede ser banalizados si no se encierran en una Direcciòn con amplia gama de estrategias comunes y de proyecciones globalizadas.

Como también hay que subrayar con un elogio, la apertura de espacios alternativos como La Casona, Diablo Rosso, Exedra y otros, que alternativamente se presentan al publico con actividades muy acertadas a la actualidad locales e internacionales, como también tenemos que mencionar la presentación de jóvenes artistas en las nuevas galerías, como las presentadas por Arlene Lachman Galería para citar el dinamismo y buen trabajo de estas nuevas realidades, o el gran esfuerzo organizativo y económico que hubo en la exposición: “A través del espejo: arte cubano hoy” ...... hecho por Galería Allegro exposición digna de ser denominada “ la verdadera Novedad del 2007 ”, ya que es una digna demostración de la capacidad emprendedora de los recién llegados, el potencial que traen consigo y el papel que pretenden ejercer.

--¿ Falta de Gestión Coral o Coordinamentos de politicas comúnes, que entiendes con esto?.

Como podemos notar, en el campo hay un potencial muy bueno, y cada uno ejerce el papel que le compete, ya que la jungla selecciona a los mas fuertes, con el peligro de ahogar las novedades y cambios radicales, ya que no hay un soporte social debidamente preparado para respaldarlos y sostenerlos, eso es debido a que hay una ausencia de figuras fuertes o Instituciones que se presenten como traino, con los instrumentos necesarios para la consolidación de dichas iniciativas o políticas validas a tal propósito.

¿La ausencia de políticas y de Figuras e Instituciones?....que quieres decir con esto?

Creo que la parte mas dolorosa en esta Transición es la AUSENCIA de todos nosotros.
Cuando por efecto del boom inmobiliario, asistimos a la silenciosa destrucción del patrimonio histórico, sin una fuerte y clara toma de posición contra tal barbaridad, cuando se permite que nuestro patrimonio histórico sea indiscriminadamente restaurado, sin activar los mecanismo de control y verificación requeridos a tan digna causa, cuando permitimos el abandono de nuestras estructuras museales y espacios escolásticos donde se enseñan la cultura, en el silencio absoluto, sin avergonzarse de todo esto, creo que es obligatorio interrogarse.

Cuando la Moral estética colectiva de un país toca niveles bajos, sin la vergüenza e indignación de sus ciudadanos, se arriesga a empantanarse en obscuros caminos, con la consecuencia de banalizar todos los esfuerzos individuales ya mencionados. La cultura se consolida con fuertes políticas radicalizadas en su tejido social, aspirando a los altos valores de su identidad, en el respecto de su Patrimonio histórico y de sus indiosincracia, a tal responsabilidad estamos todos llamados a responder indiferentemente a la función que nos compete, la ausencia de responsabilidades es el peor enemigo de las trasformaciones y crea un vacío dañino a la colectividad.
Es por esto que digo que las bellas iniciativas que se dan en Panamá, se dan en forma aislada y desarticulada con la falta de una politica compresiva, en un ambiente no preparado a acoger estos eventos y es este atraso que hay que colmar.

¿En un escrito tuyo sostenías que: Panamá era un País de hombres con gran talento sin posibilidad de carrera, y hombres que hacen carrera sin talento. ¿Qué me dices a tal propósito?

Creo que es evidente a todos, que el talento creativo del panameño viene reconocido en todos los sectores de las Artes, las letras, la Música, el Deporte, está fuera de discusión que la capacidad creativa del panameño sea de alto nivel, pero me resulta que son pocas las posibilidades o tarimas que brindan las posibilidad a tal desarrollo, debido a vicios del sistema admistrativo.
La pobreza de una nación se puede constatar cuando existe el riesgo que hombres de gran potencial creativo no encuentren el respaldo necesario para desarrollar sus capacidades ante una realidad en la que la incapacidad intelectual viene premiada como “modus vivendi”, y todo esto juega en manera negativa al surgimiento de figuras alternativas a las ya existentes.

¿Cómo ves el 2008?

Mi anhelo es que podamos superar este momento de transacción, proyectándonos en una nueva fase creativa, que recoja las dificultades y el esfuerzo de aquellos individuos que incansablemente día a día trabajan en el duro camino de la conservación, la exaltación del intelecto panameño, creo que el 2008 podría ser el año de iniciación de un cambio de ruta.

- Gracias Aristides por tu disponibilidad y tus claras palabras y te esperamos dentro no mucho con tus nuevas comunicaciones.

Contemporary Art News.

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ASTA "Maestri Contemporanei" - Pistoia

2008-02-24T18:02:00.002+01:00

La Galleria M’Arte di Pistoia
in collaborazione con la Galleria Pergola Arte di Firenze

presenta l’asta
“MAESTRI CONTEMPORANEI”
25 febbraio – 2 marzo 2008

INAUGURAZIONE lunedì 25 febbraio 2008 ore 18:00
ASTA domenica 2 marzo 2008 ore 17:00

In un’ottica pienamente contemporanea la Galleria M’Arte presenta un’asta nuova e dinamica, offrendo le opere di indiscussi maestri del panorama artistico attuale, affiancati da giovani artisti emergenti già consolidati sia in Italia che all’estero.

Umberto Allori / Marco Antignano / Domenico Asmone / Flavio Bartolozzi / Andrea Bernardoni / Alessia Bianchi / Lilly Brogi / Franco Cappelli / Alfiero Cappellini / Cardelli / Sergio Cavallerin / Giuseppe Chiari / Alessandro Ciantelli / Claudia Contrucci / Anna Hélène Coppi / Ferdinando Coppola / Fabio De Poli / Amerigo Dorel / Alfredo Fabbri / Alberto Fantuzzi / Elena Faralli / Patrizia Fattori / Natale Filannino / Mario Fronteddu (DUMA) / Franco Gaspari / Paolo Gavazzi / Igor Gimenez Vanoli / Nicola Giusfredi / Roberto Greco / Marcello Guasti / J.Hollister / Krimer / Mirando Iacomelli / Stephanie La Roux / Silvio Loffredo / Marcello Lucarelli / Salvatore Magazzini / Malipiero / Loris Manasia / Carmen Manca / Giuseppe Manfredi / Antonio Manzi / Jacopo Misiano Lastraioli / Michele Misiano Lastraioli / Monguzzi / Anna Nigro / Luciano Ori / Cristina Palandri / Silvano Palandri / Silvano Passaglia / Lia Pecchioli / Lamberto Pignotti / Piero Principi / Giovanni Raffaelli / ROSSORAME (A.Pagliarello) / Angelo Sabato / Bruno Saetti / Giuseppe Santucci / Valerio Savino / Carmine Scarinzi / Sguanci / Studio M’Arte / Guido Tasselli / Lorenzo Viani / Zampagnin / Andrea Zannoni

Galleria M’Arte Misiano Lastraioli
Via Frosini 81 – Pistoia (pressi stazione)
Orario galleria: 10:30-12:30 – 16:30-19:30
Informazioni: martegalleria@gmail.com
Tel/fax 0573 934294

BANANANA/ galeria Habitante/ Panama

2007-11-19T11:45:00.000+01:00

ARISTIDES UREÑA

BANANANA

EL REVIVIR DE LA MEMORIA COLECTIVA ,
MEDIANTE LA RECONSTRUCCIÓN DE UN ÍCONO PUBLICITARIO.

En ocaciòn de la Expo en la Galeria Habitante/Panamà

24 de octubre al 20 de noviembre 2007

APROXIMACIÓN A LA VIDA Y OBRA DEL ARTISTA:

La complejidad de motivos y temas de la obra de Arístides Ureña encuentra su origen en la multiplicidad y heterogeneidad de circunstancias que forjaron a este artista quien, en BANANANA - su actual ciclo pictórico en exhibición – sorprende una vez más por la irreverencia de sus temas, verdaderas provocaciones socio-culturales, por el equilibrio y fuerza de sus composiciones en aquella fértil mezcla de elementos clásicos , folklóricos y autóctonos que le es particular y por un mensaje que redunda en valores humanísticos, sello de su obra total.
Para explicar las circunstancias motivadoras de su obra e indagar sobre este artista veragüense, hay que desplazarse a Santiago de Veragüas. Allí, en su hogar, podemos descifrar lo heterogéneo y múltiple de su temática: una madre enérgica, Doña Xenia, conservadora y profundamente católica, cuya entereza se hace evidente en el suceso profesional de sus catorce hijos; un padre de tendencias socialistas, amante de la rebeldía pero, también, de diálogos filosóficos sobre la vida, la patria y la política, quien ha formado a sus hijos en aquella búsqueda de los inalcanzables paraísos sociales, meta de los incansables idealistas.
Una confrontación de criterios idealistas y realistas, una suma de rebeldía y de equilibrio; un gran acervo de inquietudes e ideas que van a florecer en un niño curioso, aventurero y pícaro.
Un entorno familiar donde reina la extroversión y la música, donde, el abuelo, Don Samuel Ramos, músico y pintor, enseña a Arístides Ureña los primeros trazos pictóricos y donde éste recibe sus más duraderas impresiones estéticas, íntimamente unidas a los valores de un Panamá Profundo.
El más preciso y poético retrato de este artista no lo hacen sus colegas , pintores, sino su madre , al describirlo como el “el niño de la maleta”; un recuerdo grabado en su corazón: “Recuerdo a mi hijo, al borde de la carretera, solitario y ansioso, con una maleta en la mano, presto a partir al seminario de Boquete, a estudiar para sacerdote. Tenía sólo diez años ( duró sólo dos semanas). Lo veo, así mismo, en el aeropuerto de Tocumen, listo para salir hacia Italia y , después, en fotos con su mochila en la espalda, siempre con una sonrisa melancólica, en Atenas, en Madridl o en París. A veces pienso que él siempre ha sido consciente de su destino errante, porque sus ganas de saber le hacían perder el conocimiento de tiempo, lugar y distancia.....La imagen que mejor representa a mi hijo es la de una carretera de piedra, en el caluroso medio día santiagueño y un niño al borde, con una maleta, listo para partir, acompañado de una nostálgica sonrisa. Éste es Aristides, hijo.”

En este caminar el artista lleva consigo una de las enseñanzas paternas que ha marcado su obra: la preocupación humana por las responsabilidades, especialmente aquellas relativas a la patria, a la identidad propia y a la soberanía. Nos cuenta el artista:”..en un potrero, mi padre me hacía ver que , cuando se acercaba la noche, una de las reses guiaba el hato de ganado hacia un lugar seguro y que el instinto , aún salvaje, permitía a los animales conocer ese liderazgo. Y concluía :mire, hijo, está en la naturaleza de las cosas y en el patrimonio personal de cada uno tomarse las responsabilidades. Hay hombres que nacieron para ser guiados y otros para tomarse las responsabilidades de los demás. Así es , también, para el arte. Y me indagaba, recordando que esta rectitud intelectual era un patrimonio típico veragüense,:¿Y tú dónde te colocas?”

No cabe duda que Arístides Ureña, hoy, puede responder a esta pregunta, señalando su evolución artística - desde 1980 con su primer ciclo, “Ballet del Cabrón”, hasta el actual, “Bananana” (2004-2005) - como una constante búsqueda de lo que él llama “ un arte genuino, con connotaciones esencialmente panameñas”. En verdad, una sucesión de ciclos y series que surgen de su memoria de la patria, de sus reinvenciones narrativas de hechos populares, autóctonos o históricos, de su constante crítica a los elementos artificiales de la identidad cultural, cuya expresión genuina ha sido la preocupación estética predominante en todas las etapas de su producción.

A estos elementos se unen las andanzas de un hombre observador, de un artesano sensible y de un artista exitoso que, en su interior, oye la voz de su padre, en su preocupación social, y se obliga a aceptar y describir lo complejo de la esencia humana, llevándonos, solidario – como en el tema de los inmigrantes- y, a la vez, crítico –como en las narrativas dedicadas a los mandatarios- , a aquellos misterios insondables del alma humana que, como temática lírica, afloran en su obra. Mientras, en la risa, en la ironía provocativa, mediante la manipulación de imágenes muchas veces contradictorias - como son los angelitos tomados de los frescos de Giotto en Pádova frente a los risueños querubines caribeños - valida a su preocupación por la patria mientras acepta aquellas enseñanzas extranjeras, como la renacentista florentina, que lo motivan en su expresión artística.

Así se explica esta obra ecléctica en sus motivaciones, en sus influencias y en su expresión, cuyo análisis exige una dedicación particular, pues a ella no se llega por una visión rápida o global. Hay que adentrarse en los detalles, hay que fragmentar el lienzo en secciones derivadas de sus figuras centrales, de sus densas agrupaciones humanas que sirven de apoyo a estas figuras centrales; hay que observar detenidamente los elementos narrativos del núcleo de su composición, así como la simbología de sus configuraciones o la alegoría de sus figuras. Es necesario interpretar sus marcos colmados de signos autóctonos, cuando no las lunetas de estos marcos en las cuales, usualmente, aparecen mensajes que nos hacen sonreír por su ironía. E indagar, igualmente, sobre los motivos anecdóticos o históricos que se transmiten y, por fin, ponderar sobre las influencias europeas que definen su dibujo y su composición.

EL CICLO BANANANA:

Este ciclo está constituido por dos series de temáticas convergentes, ambas elaboradas entre los años 2004 y 2005: la primera, BANANANA, presenta el uso y la reconstrucción del logo publicitario, Chiquita Banana, utilizado desde los años sesenta, por la compañía bananera de Bocas del Toro; la segunda, REPUBLIK BANANA, evoca eventos populares o históricos, reviviendo la memoria del pasado panameño que el artista narra, interroga o ridiculiza , en un intento de transferir estas vivencias pasadas a un presente, para ilustrar y corregir aquellas características “ bochornosos y escondidas” de la idiosincrasia panameña, típicas, a su modo de ver, de las repúblicas bananeras.

La figura central de las composiciones de ambas series es Chiquita Banana, un estereotipo publicitario- aquel sello que aparecía en las bananas exportadas por Panamá - integrado anteriormente a su iconografía , en series iniciales de la producción de este artista. Entonces era utilizado, en su diseño esquemático y rígido, para representar con ironía los atropellos de poderosas empresas extranjeras a la identidad panameña o a su soberanía. Hoy es reconstruído estilísticamente para simbolizar la recuperación de la memoria colectiva, el revivir de vivencias nacionales pasadas u olvidadas, reinterpretándolo como un personaje liberado, en un eje predominantemente vertical, pero en constante movimiento que le da vida. Celebrando, simbólicamente, la adquirida libertad del hombre panameño. Aparece siempre al centro de sus actuales lienzos, ora como centro de interés, ora envuelto por circunstancias anecdóticas o históricas.
En algunas composiciones, como son “Criolla”, “Juanita Banana” o “María Banana” es traído a un primer plano y evocado como mujeres representativas de la exhuberancia y de la vivacidad caribeña, aunque denoten, por el equilibrio y simetría de su composición, la fuerte influencia renacentista de las clásicas “madonnas” florentinas. No faltan en estas composiciones aquellos elementos que rompen el aparente ideal de su realización, como en la lírica mulata bocatoreña que lleva su niño en el regazo y aparece - en el mejor de los estilos renacentistas - envuelta en un difuso óvalo cromático y circundada por ángeles de manufactura similar a le de Giotto. Sin embargo, como una ruptura conceptual, que conduce a la ironía, ésta lleva en la cabeza, como una alegoría narrativa, el famoso logotipo de la propaganda de Nestlé, un nido con sus pájaros.
En la segunda serie – en obras como “ Palo Enseba ” o “Juega Vivo”- este logo, ahora difuso y lejano, aparece al centro de la composición, siempre en segundos o últimos planos de la misma, pero dividiéndola simétricamente y, como en levitación, imponiéndose sobre los densos grupos de figuras y motivos que construyen la narrativa histórica o popular que rememora el pasado con alusiones al presente.

Es notable, en la profusión de elementos que forman estas composiciones , la capacidad del autor de recrear el entorno y las vivencias de su Panamá Profundo. Valiéndose de su memoria y de aquella lírica nostalgia que acompaña a todos los que transmigran y llevan la patria en su equipaje, Arístides Ureña revive, gracias a su dominio estilístico, lo veragüense, lo bocatoreño, los vibrantes o suaves colores de atardeceres y amaneceres tropicales, la magia realista de las fincas interioranas – como “ “Finca Arco Iris o “Finca Banana” – con su vegetación y sus colores.
La maestría del dibujo, unida al dominio de los colores y a una diversidad compositiva permiten recrear este variado escenario para la definición de su mensaje. Este uso del espacio en función de un tema es una característica que acompaña la totalidad de su obra, como podemos observar en la sucesión de sus series. Así, en el lejano 1980, su “Ballet del Cabrón” criticaba las dictaduras militares, recreando un espacio grotesco y carnavalesco para su mejor ambientación temática; en 1984, su serie “ Barricoconuance” ofrecía un imaginario mundo barroco tropical; así mismo, en 1988, su serie “Radio- la manía sieropositiva en sintonía”, lograba manipular los elementos estructurales referentes a la tecnología y a la comunicación para lograr su mensaje crítico; o, en 1997, la crítica social de su serie “ Octubre en Cayenne” se apoyaba en un ambiente en que se escenificaba - en el decir del mismo autor – “ la biodiversidad y el Panamenian Style”.
Hoy, Bananana nos induce a adentrarnos en un mundo interiorano, tan real como mágico, en que están presentes “La Criolla”, la mulata de Bocas del Toro, las procesiones de “ Santa Librada”, “La Barra Ensebá” o “Banana Moon”. También aparecen, en esta rememoración de una vida pasada, las ensombreradas capitalinas en “ Tarde de Té” o Doña Matilde, “la esposa de Fufo”, así como los expertos políticos de su “ Juega Vivo”, mientras se reviven escenas trágicas que recuerdan a los sufridos inmigrantes chinos que construyeron el ferrocarril o las luchas obreras en las bananeras.

Son motivos pictóricos que, envueltos en la poética de un realismo mágico, simbolizan este puente que nos lleva de un pasado no siempre ideal hacia un presente visto como la posibilidad de una realización futura del hombre panameño.
Es la capacidad artística de manipular imágenes, de confrontar conceptos, utilizando - para hacer más complejas sus composiciones – grafittis y escritos en español o en inglés que, presentes en las lunetas de sus marcos, apoyan la ironía o la crítica y desempolvan mitos de identidad.
De este modo Arístides Ureña combina valores narrativos con aquellos críticos, logrando desarrollarlos conjuntamente y en armonía. Mezcla lo evocativo, lo imaginario y lo real, apoyado en su síntesis de lo clásico y de lo popular, creando efectos pictóricos que mueven a la sátira, pues, al parecer, este artista consigue disfrazar sus inquietudes sociales con la risa que es expresión de un ideal social negado.

Comparativamente a su última exposición en Panamá, ”Alegorico’s” (2004), su estilo presenta una clara evolución, así como una nueva proyección de colores, ahora más suaves y matizados, con el abandono de lo monocromático que lo ha caracterizado anteriormente.
Mientras en su ciclo anterior sus figuras centrales se presentaban aisladamente, en “Bananana”, éstas dejan de verse erectas, con valores que pudieran recordar los moldes clásicos, y ganan movimiento, envolviéndose en líneas, óvalos, o círculos que nos hacen pensar en aquel mundo caribeño y nos permite sentir lo tropical , lo caluroso y dinámico de este nuevo escenario.
La capacidad de este artista de manipular, confrontar y armonizar imágenes es la gran fuerza de su obra. Logra darnos el sentir de un ambiente imaginario , recreado a partir de su memoria que es el reflejo de la memoria colectiva panameña y nos obliga a revivir sus anécdotas – como el triste episodio de inmigrantes chinos escondidos en barriles de rabitos de puerco – o de reconocer eventos históricos, como la poética visión de los jardines de Arco Iris, bajo la lluvia, o de disfrutar de la hiriente ironía que acompañan sus críticas sociales, tan jocosas como aleccionadoras.
Un mundo imaginario , recreado por una mano diestra en el dibujo, en el uso de los colores y en la estructuración de su composición, que se fundamenta en la memoria de un artista quien, en su preocupación social, busca el futuro ideal de su tierra.
Un autor que ha sabido mantener vivas las enseñanzas más entrañables de su hogar y de su patrimonio veragüense, refinándolas y reviviéndolas con aquella mirada indagadora y profunda de quien ha visto y ha conocido los más variados entornos humanos y culturales en los cuales su curiosidad le ha permitido penetrar, sin perder el amor por sus raíces o el sentido del valor de su identidad.
Angela de Picardi

Vu cumràp/ Il grido, la voce, le voci, il silenzio

2007-10-02T14:10:00.000+02:00

04 DE OCTUBRE 2007----------------------------------

Area San Salvi /ex manicomio de Florencia

EL GRITO, LA VOZ, LAS VOCES, EL SILENCIO

-proyecto:Vù Cumràp-

"Inadaptamientos y Integraciones”

ARISTIDES UREÑA RAMOS

En ocaciòn del MES DE LA SALUD MENTAL en las Salas expositivas del ex manicomio Florentino de San Salvi, sera presentado el "PROYECTO Vù Cumràp" del artista Latinoamericano ARISTIDES UREÑA RAMOS, estos trabajos audiovisuales realizados en los años 1994/1999 .bien representa desde su interno las problematicas de los inadaptamientos sociales y la problematica de las integraciones culturales.

---JUEVES 04 DE OCTUBRE 2007---

horas 17,30

MESA REDONDA

Momento de reflesiones teoricas abierta a la participaciòn.

Costanza Lanzara - ANTROPOLOGA

Donatella Miccinesi - PSICOTERAPISTA

Marienella Orsi - SOCIOLOGA

Aristides Ureña Ramos- ARTISTA

Horas 21,00

Esposicion de los lienzos y presentacion del proyecto audivisivo Vù Cumràp de Aristides Ureña Ramos.Con presentacion de la iniciativa por Alberto Brasca -Presidente del Cosejo Comunal de Florencia y Andrea Granchi - Catedratico en Pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia.

http://aristidesurena.blogspot.com/
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Videos/DVD digital.Presentacion:

El fuerte flujo emigratorio que esta enfrentando Europa en estos momentos, ha llevado a una fuerte inestablidad social y a una creciente alarma colectiva. El fenomeno emigratorio ha desvelado la inobservancia y la no preparacion de estos en el enfrentar estos problemas, con el resultado de constatar el fracaso de politicas de integracion.Estas condiciones han traido un comun sentido de inadaptamientos entre “hùsped” y “huspitantes”, especialmente en las necesidades cotidianas, alimentando tensiones alla donde las necesidades esenciales no encuentran respuestas apropiadas y soluciones concretas.El proyecto del Titulo “Vù Comprà” ha recogido desde el 1988, atraves de Performances, lienzos, Instalaciones y Videos una serie de trabajos dedicadas a la problematica de las identidades, de las raices, de la integracion, atraves de la memoria colectiva.La personal experiencia vivida por el artista, lo lleva a espresar en forma provocatoria el Inadaptamiento de las identidades, atraves de contraposiciones representativas, la descontextaualizacion de la realidad y la manipulacion de los conceptos.

VIDEOS:

Los Videos se presentan en un solo formato DVD/Digital. Conteniendo en su interno las dos obras de presentar “VU COMRAP” y “Banana Republik”.Vù comràp1-Vu Comràp (PREMISA)Video/artFlorencia

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BANANAS REPUBLIK

VIDEOS/1996-2003
En los años 1996 hasta los años 2001 la PROAPEMEP ( Organizacion que agrupa los Asentamientos, Cooperativas de campensinos, organizaciones Indiginas y Femeniles de Panamà) presenta un rico documento donde se recoge parte de expresiones musical popular de las regiones centrales de Panamà. Para ese entonces Aristides trabaja en la serie Banana Republik, donde contrariamente niega la condicion de Sub-cultural, exaltando la tradiciòn popular del canto y las imagenes, presentandonos esta serie de Videos-Digitales muy interesante bajo el punto de vistas de las Homologaciones cultural, propniendo atravez del recupero de la memoria colectiva una nueva vision de la IDENTIDAD (1996)Las SALOMAS son un particular “GRITO” que usan los campensinos panameños, para comunicar a distancia estados de animos de la fatigoza jornada. Es asi que existen las SALOMAS para el ARREO del ganado, para la QUEMA de potreros, para el enamoramiento. El grito de Compañia, del reto y de la discordia. Aristides usa la SALOMA para comunicarnos el desorientamiento de las identidades y sus justas valorizaciones.

Bananas Republik(serie DE LAS SALOMAS)

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04 DE OCTUBRE 2007

EN LAS EXTRUCTURAS DEL EX MANICOMIO DE FLORENCIA

san salvi/florencia

Tesi di Laurea su Aristides (Cristina Salas)

2007-10-01T20:47:00.000+02:00

ESPAÑOL - ITALIANO

ACADEMIA DE LAS BELLAS ARTES DE FLORENCIA
Tesis de laurea en Pintura de Cristina Salas Gerritsen sobre la obra del artista:
ARISTIDES UREÑA RAMOS, artista panameño
El 26 de septiembre en las aulas Magnas de la Academia de Bellas Artes San Marco de la ciudad de Florencia, Cristina Salas Gerritsen (Ecuador) presentò en manera brillante la Tesis en "Laureas Pintoricas", sobre la vida y obra del artista panameño ARISTIDES UREÑA RAMOS.
La sustentacion tuvo como relator la historiadora de Arte Contemporanea Prof. Flavia Matitti (Universidad de Roma-Facultad de Historia de Arte) y la candidata Cristina Salas, los relatores evidenciaros el percorso artistico de Aristides Ureña Ramos y el continuo intento renovador impuestos por el artista atravez de sus ya famosos CICLOS PINTORICO.
Especial atencion fue dedicado, a las obras de los años 1980/1990, donde Aristides llevò una cerrada lucha sobre las problematica de las tendencias a homologarse de las Culturas, al aporte sobre la Identidad y el recupero de la memoria historica.
Como tambien la presencia del artista, ayudo a la presentacion de sus ultimos trabajos, donde èl mismo artista "cuestiono" sobre sus ultimas propuestas artisticas... "El arte deja de ser revolucionario, para seder el paso a la revelaciòn" (aristides 1991)...
conferiendo al nutrido publico presente, sobre un arte revelador de las cosas y no de ropturas revolucionarias.
La tesis ubtuvo 110 eloden, maximo de la evaluacion permitida - y serà editada dentro de pocas semanas.
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ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI FIRENZE
Tesi di laurea in PITTURA di Cristina Salas Gerritsen sulla vita e opere di

ARISTIDES UREÑA RAMOS, artista panamense.
Il 26 settembre nell’aula Magna dell'Accademia di Belle Arti San Marco della città di Firenze, Cristina Salas Gerritsen (Ecuador) ha presentato brillantemente la propria Tesi in "Laurea Pittorica", sulla vita ed opere dell'artista panamense Aristides UREÑA Ramos.
Relatore è stata la storica di Arte Contemporanea Prof. Flavia Matitti, dell’Università di Roma - facoltà di Storia dell’Arte.

La candidata Cristina Salas, coi suoi studi, ha evidenziato il percorso artistico di Aristides Ureña Ramos ed il continuo intento rinnovatore proposto dall’artista attraverso i suoi già famosi Cicli Pittorici.
Speciale attenzione è stata dedicata alle opere degli anni 1980/1990, con le quali Aristides lottò fieramente per evidenziare le problematiche della tendenza delle Culture ad omologarsi, al sedimento sull'Identità e al recupero della memoria storica.
Così come la presenza dell'artista in aula durante la discussione della tesi, è stata di aiuto alla presentazione dei suoi ultimi lavori, dove lo stesso artista ha "commentato" le sue ultime proposte artistiche...
"L'arte smette di essere rivoluzionaria, per cedere il passo alla rivelazione" (Aristides 1991)... illustrando al nutrito pubblico presente, un’arte rivelatrice delle cose e non un’arte di rottura rivoluzionaria.
La Tesi ha ottenuto il voto 110 con lode, il massimo della valutazione consentita – e sarà pubblicata entro poche settimane.

IL BIANCO E IL NERO FANNO IL ROSSO?

2007-09-25T10:41:00.000+02:00

Libera Repubblica delle Arti Libera Repubblica delle Arti Libera Repubblica delle Arti

Domenica 30 settembre San Salvi si trasformerà in una Libera Repubblica delle Arti, proponendo nei suoi 5.000 mq. all’aperto un singolare mercato dell’Arte.
Il pittore Amedeo Lanci realizzerà in tempo reale con la sua Bottega la più grande xilografia mai prodotta al mondo sul tema del necessario incontro tra gli opposti e nel segno della fine di un mercato dell’Arte.

L’opera si intitola 'Il bianco e il nero fanno il rosso?'

Con la partecipazione di Piero Pelù.

Nello stesso tempo, decine di Artisti di diversi linguaggi (e di diverse culture) - Pittura, Scultura, Danza contemporanea, Danza araba, Musica, Canzone, Poesia, Fotografia, Teatro… - venderanno le loro creazioni autentiche (o false?) direttamente o con l’aiuto di Vù cumprà al pubblico. Siamo in un altro luogo, nella Libera Repubblica delle Arti dove si batte una nuova moneta, quella della Follia: il Salvino.

Amedeo Lanci ne ha realizzato il bozzetto originale, fuso successivamente in mille – già ricercatissimi - esemplari in bronzo.

L’ingresso a Il bianco e il nero fanno il rosso? è libero, ma per acquistare disegni, ascoltare canzoni, poesie, assistere a performance di danza, teatro o anche solo prendere un caffè o mangiare un panino – è necessario avere i Salvini che si possono acquistare all’ingresso…ma ad un cambio variabile, ogni volta dettato dalla legge del caso!

Tutto quanto, dal caffè all'opera d'arte costa un Salvino.

E SalVino si chiama anche il vino, Chianti made in Gaiole – per la precisione podere Erbolo - prodotto da Filippo Cintolesi, e offerto gratuitamente agli spettatori.

Tutti possono partecipare alla performance: i Chille lanciano un bando pubblico rivolto agli artisti che vogliano vivere in prima persona questa giornata. E già molti sono quelli che, al primo diffondersi della notizia, hanno dato la loro adesione. Tra essi il pittore-scultore Fuad, i danzatori/performers Bianca Papafava, Andreas Froeba e Erik Tomasi. Ivana Caffaratti e il gruppo di danza araba Nefesh, i pittori Rita Angeloni, Sara Biasin, Massimo Gori, Paolo Lauri, Renzo Mazzafoglia, l'attore Vincenzo De Caro, l'attore-poeta Luigi Rigoni, Gabriella Aiello e Valerio Perla dei Tamburi del Vesuvio, il cantante e musicista Maurizio Geri di Banditaliana, Motociclica Tellacci (Matteo Bennici, Andrea Di Lillo, Samuele Venturin), il Gruppo la Banana Republik con gli artisti visivi Aristides Urena Ramos (Panama) - Cristina Salas (Ecuador) - Gustavo Maestre (Venezuela) - Eduardo Nuneze Rossana Pineros (Mexico) - Luloloko (Congo) - Manuel Ortega (Panama) - e gli italiani Rossorame A.Pagliarello e Alberto Gallingani, gli attori dell’Accademia della Follia di Claudio Misculin, Motus Danza, il cantautore Massimiliano Larocca, l’organettista Antonio Mario De Carlo de La Taranta, i giornalisti de Il Giornale de la Repubblica Chiara Brilli, Domenico Guarino, Riccardo Michelucci e Miriam Lepore, e…

La moneta dell’Arte e della Follia...

agosto2007 - rossorame - Art&fortE stARt Biennale - Venezia

2007-07-24T11:09:00.000+02:00

dal 4 al 26 agosto 2007

ROSSORAME sarà presente a Art&fortE stARt Biennale
con l’opera 'Giovanna'

Art&fortE stARt Biennale

SPAZIOEVENTI Mondadori
1345 San Marco – VENEZIA

Vernissage sabato 4 agosto ore 19.00

a cura di http://www.arteforte.it/

Titolo: Giovanna - Serie Teoresi Firenze 2007

Misura: 100 x 120 cm

Tecnica: manipolazione digitale su forex 10mm (unico originale)

Elenco dei partecipanti
Lucia Arena, Domenico Asmone, Annalisa Avancini, Eleonora Barbiere, Sergio Bastiani, Emanuele Beltramini, Romina Berto, Nicola Bettale, Elena Bombardelli, Marco Bonafè, Tiziano
Capetta, Franco Cappelli, Francesca Curcetti, Annamaria Danese, Gilberto De Berardis, Simone Deiana, Vanni D’Este, Katarina Drienovska, Sabrina Faustini, Anna Maria Fazio, Stella Ferrara Casardi, Orietta Fineo, Anna Fracassi, Cristina Gandini, Veronica Giorgetti, Alex Gracchi, Adama Gueye, Michela Ianese, Simone Lammardo, Valentina Leonardi, Angelo Magnabosco, Dario Manco, Marcello Mancuso, Luca Merendi, Mario Messina, Miryam Molinari, Dario Molinaro, Maurizio Molteni, Svetlana Ostapovici, Maria Grazia Panella, Natascia Pannone, Pina Parlati, Daniele Pezzoli, Maila Pompei, Vincenzo Maurizio Presenti, Antonio Pugliese, Laura Rambelli, Fulvio Rosapane, Rossorame (A. Pagliarello), Fabio Rota, Enza Santoro, Lisa Scolari, Patrizia Simionato, Maurizio Soffientini, Verno (Ermanno Vecchietti), Carla Veronese, Fabrizia Zammatteo, Sandro Zampolli, Zel Ebrity 133 (Samuele Maiellaro), Davide Zerega.

luglio2007 - rossorame - mostra Anacapri Isola Blu

2007-07-19T11:48:00.000+02:00

ITALIANO - ENGLISH - ESPAÑOL - DEUTSCH - FRANÇAIS

PROSEGUE FINO AL 22 luglio 2007 la mostra collettiva internazionale L’Isola Blu
alla Galleria d’Arte ANACAPRI, via San Nicola 4 - Anacapri (Napoli)
A cura della GALLERIA CRISPI Roma

All’interno della mostra collettiva, l’artista Rossorame presenta la nuova serie ‘Teoresi Firenze’
Inside the collective show, Rossorame A.Pagliarello introduces the new series ‘Teoresi Florence’

In uno spazio completamente assente, talmente vuoto da falsare o meglio 'falsificare' le prospettive e le posizioni, i protagonisti di Teoresi galleggiano lievi e sembrano sorvolare i propri pensieri, con le braccia distese ma non arrese, sognanti e ricettive, come ignari attori di un sogno. Corpi essenziali e vulnerabili, essi difendono le individuali nudità intarsiandole di immortali opere d’arte, tatuate sulla pelle come indelebili ricordi di viaggio e di esperienza. Lo stupore dell’immobilità, carpita con un indiscreto fotogramma, non ferma il proseguimento del volo verso il successivo infinito e l’assenza di gravità è impalpabile metafora di se stessa. (g.agostini)
Figure volanti affrontano i propri viaggi, in questa nuova serie, guardando lontano invisibili orizzonti. Sospesi in una apparente staticità, sono invece concentrati sul volo stesso e sulla direzione, a volte spensierati, a volte impensieriti. Non involucri o copie di esseri umani bensì uomini e donne perfetti, levigati e depurati dalle umane imperfezioni e vestiti solo di monumentali opere d’arte, amate nei luoghi d’arrivo divenuti nuovi luoghi di partenza e stampatesi involontariamente sulla pelle. Con l’anima ben nascosta all’interno, esplorano, si inseguono, si cercano e a volte si troveranno. (m.morandi)
Rossorame A.Pagliarello
Nasce a Nichelino, nel torinese, ma sin dall’età di dieci anni vive e lavora a Firenze.
Nella nuova serie ‘Teoresi’, i lavori improntati sulla manipolazione digitale, sono il prodotto evolutivo dell’accurata ricerca, effettuata negli anni precedenti, con le elaborazioni fotografiche.
Ad esempio, rispetto alle immagini di ‘Occhio Meccanico’ o delle ‘Visiones de viaje, con alegre música latina en el aire, en una mañanita de verano’, la concettualità contenuta nelle nuove opere è sempre evidente ma meno ingombrante; si avverte una formulazione più sottile delle domande e delle risposte.
Già negli unici due brevissimi clip di videoarte realizzati finora, ‘Eolo sospirando vaga’ ed ‘Eolo sospirando divaga’ del 2004, nonostante abbia affrontato il tema emozionale in modo diretto, quasi violento, non sfugge la potente positività del messaggio di entrambi. L’artista certo non dimentica il primo strumento espressivo della pittura, sempre prediligendo l’astratto informale, talvolta unito ad una personale interpretazione della poesia visiva, autodefinita poesia verticale, utilizzando testi di propria composizione adolescenziale.
Anche sulle tele, le opere di Rossorame sono orgogliosamente coltivate e, dai tempi della ‘Trasparenza del felino’ si coglie un progressivo sblocco della gestualità materica e i colori sono più marcatamente vivaci, con interventi e fusioni fra le diverse discipline, affettuosamente amalgamate tra loro.

The new series 'Teoresi' is articulated in different groups of works - their common denominator is the Journey either literally or internally, understood also as assimilation of memory, production of memory and prospective anticipation of memory.
In a completely absent space, so empty that it falsifies the perspectives and the positions, the protagonists of Teoresi float lightly. Indeed, they seem to fly above their own thoughts, with extended arms but not surrendered, perplexed and receptive, like unaware actors of a idea.
They all possess a name that concretizes them, a name that lifts and identifies them within the community, exactly like the simple and extraordinary people.
Essential and vulnerable bodies, they defend their individual nudities with immortal works of art, tattooed on the skin as indelible memoirs of journey and experience.
The amazement of immobility, caught through unintrusive footage, doesn't stop the continuation of the flight toward the subsequent infinity.
The 'absence of gravity' is an impalpable metaphor for itself.In this new series, flying figures face their own journeys, looking at distant, invisible horizons. Suspended in an apparent stillness, they concentrate instead on the flight itself and on the direction, at times carefree, at times worried.
Neither containers nor copies of human beings, they are, on the contrary, perfect men and women, smooth and purified of human imperfections and dressed only in monumental works of art, loved at the destinations which have become new places of departure, they have unintentionally imprinted themselves on the skin.
With the soul well hidden inside, they explore, they pursue each other, they look for each other and at times they will find each other.
ROSSORAME (Redcopper) is A.Pagliarello.
She was born in Nichelino, near the city of Turin, but has been living in Florence since the age of ten where she now works. In the new series 'Teoresi', a works based on digital manipulation, is the cumulative result of detailed research, carried out in recent years by means of photographic elaborations.
For instance, compared to the images of 'Mechanical Eye' or the 'Visions of journey, with cheerful Latin music in the air, on an early summer’s morning`, the concepts contained in the new works are always evident but less massive; a lighter formulation of the questions and answers can be sensed.
Already in the two very short clips of video art realized so far in 2004, 'Eolo vague' and 'Eolo wanders', despite the fact that she has faced the subject of emotions in a very direct, almost violent, way, the powerful positiveness of the message of both is evident.
The artist clearly does not forget the first means of expression which is painting, always giving preference to the informally abstract, sometimes linked to a personal interpretation of visual poetry, defined by the artist as 'vertical poetry', using naked words or texts composed during adolescence. Rossorame’s works are proudly cultivated also on the canvas.
Since the times of 'Transparency of the feline' there has been a progressive unblocking of style and the colors are more noticeably vivacious, with interventions and fusions among the different disciplines, lovely amalgamated between them.

Al interior de la exhibición colectiva, Rossorame A.Pagliarello presenta la nueva seria ‘Teoresi Florencia’.
En un espacio completamente ausente, tan vacío de falsificar las perspectivas y las posiciones, los protagonistas de Teoresi flotan leves y parecen volar sobre sus mismos pensamientos, con los brazos extendidos pero no rendidas, perplejos y receptivos, como ignaros actores de un sueño. Cuerpos esenciales y vulnerable, ellos defienden las individuales desnudeces taraceándolas de inmortales obras de arte, tatuadas sobre la piel como indelebles recuerdos de viaje y experiencia. El estupor de la inmovilidad, sonsacado con un indiscreto fotograma, no para la continuación del vuelo hacia el siguiente infinito y la ausencia de gravedad es impalpable metáfora de ella misma. (g.agostini)
Figuras volantes afrontan los mismos viajes, en esta nueva serie, mirando lejano los invisibles horizontes. Suspendidos en un aparente estatismo, son concentrados en cambio, sobre el vuelo mismo y sobre la dirección, a veces alegre, a veces preocupados. No envolturas o copias de seres humanos sino hombres y mujeres perfectas, lisos y sólo depurados por las humanas imperfecciones y vestidos de monumentales obras de arte, amadas en los lugares de llegada se vueltos nuevos lugares de salida e imprimidas él involuntariamente sobre la piel. Con el alma bien escondida al interior, exploran, se siguen, se buscan y a veces se encontrarán. (m.morandi)
Rossorame (Rojocobre) es A.Pagliarello
Nace a Nichelino, cerca de la ciudad de Torino, pero ya desde la edad de diez años vive y trabaja a Florencia.
En la nueva seria 'Teoresi', los trabajos son caracterizados de la manipulación digital y soy el producto evolutivo de la esmerada búsqueda, efectuada en los años anteriores, con las elaboraciones fotográficas.
Por ejemplo, con respecto de las imágenes de 'Ojo Mecánico' o los 'Visiones de viaje, con alegre música latina en el aire, en una mañanita de verano', el contenido conceptual en las nuevas obras siempre es evidente pero menos embarazoso; se advierte una formulación más sutil de las preguntas y de las respuestas.
Ya en las únicas dos breves clips de videoarte realizadas hasta ahora, 'Eolo suspirando vaga' y 'Eolo suspirando divaga' del 2004, a pesar de que haya afrontado el tema emocional de modo directo, casi violento, no se puede evitar la potente positividad del mensaje de ambos. El artista no olvida el primero instrumento expresivo de la pintura, siempre prefiriendo el estilo abstracto informal, a veces unido a una personal interpretación de la poesía visual, definida por él mismo ‘poesía vertical’, utilizando textos de misma composición juvenil. También sobre las telas, las obras de Rossorame están orgullosamente labradas y, de los tiempos de la 'Transparencia del felino' se coge un progresivo desbloqueo de la gestualità materica y los colores son más marcadamente vivarachas, con intervenciones y fusiones entre las diferentes disciplinas, amalgamad afectuosamente entre ellos.

Im Inneren der Kollektiv Ausstellung, der Künstler Rossorame stellt den neuen ernsten 'Teoresi vor Florenz'.
In ein ganz abwesender Raum, so leer die Perspektiven und die Positionen zu fälschen, schwimmen die Hauptfiguren von Teoresi leicht und sie scheinen, auf ihren eigenen Gedanken zu fliegen, mit den entspannten Armen aber es übergab nicht, ratlos und aufnahmefähig, wie unwissende Schauspieler von einem Traum. Wesentliche Körper und verwundbar, sie verteidigen die individuellen Nacktheiten, da intarsieren sie sie von du verewigst Kunstwerke, ihr tätowiert auf der Haut wie unauslöschliche Erinnerungen von Reise und Erfahrung. Das Staunen des Stillstandes herausgelockt mit einem indiskreten Fotogramm hält die Fortsetzung des Fluges Vers der folgende Infinitiv und die Abwesenheit von Schwere nicht an, es ist untastbare Metapher von er derselbe. (g.agostini)
Fliegende Persönlichkeiten treten eine Reise entgegen, in dieser neue Zyklus und sie sehen fern die unsichtbaren Horizonte an. Ich unterbrach in einem falschen Stillstand, sie werden jedoch im Flug engagiert und in die Richtung, ab und zu sorglos, macht Sorgen ab und zu. Nicht Hüllen oder Kopien von menschlichen Wesen, aber Männern und Frauen perfekt, schleift und sauber von den menschlichen Unvollkommenheiten und kleidet nur von Denkmals Kunstwerken, geliebt in die Plätze von Ankunft wird neue Plätze von Abreise und ihr prägt euch unabsichtlich auf der Haut ein.
Mit der Seele gut versteckt im Inneren, sie erforschen, sie verfolgen, sie suchen und sie werden ab und zu finden. Die Übersetzung wurde mit mechanischen Systemen vorgenommen. (m.morandi)
Rossorame (Kupferrot) ist es A.Pagliarello
Es wird geboren zu Nichelino in der Nähe von der Stadt in Turin, aber es lebt vom Alter von zehn Jahren und es arbeitet in Florenz. In der neu ernste 'Teoresi', die auf die Finger Manipulation verliehenen Arbeiten, ich bin das Evolutions Produkt der sorgfältigen Forschung vorgenommen in den vorhergehenden Jahren mit den fotografischen Ausarbeitungen. Bezüglich der Bilder von Mechanischem' 'Auge oder 'Visionen von Reise sind die verhaltenen Begriffe in die neuen Werke immer zum Beispiel offenbar, aber weniger sperrig mit lustiger römischer Musik in die Luft in ein kleiner Morgen von Sommer'; es warnt eine dünnere Formulierung von den Fragen und den Antworten. Schon in die einzigen Zwei kürzeste Klipp von Bildschirm Kunst verwirklicht bis jetzt, 'Eolo, unbestimmt seufzend', und 'Eolo seufzend, es zerstreut' von das 2004, beschäftigte sich mit dem emotionellen Thema auf direkter Weise trotz ihm, fast gewaltsam, es erkennt sich das mächtige positive Charakter der Nachricht wieder. Der sichere Künstler vergißt nicht das erste ausdrucksvolle Gerät der Malerei, immer, von er derselbe bestimmt senkrechte' 'Dichtung Texte von eigener Jugend Zusammensetzung benutzend, das informelle Abstraktum angeschlossen manchmal einer persönlichen Interpretation der visuellen Dichtung vorziehend. Auf auch den Geweben werden die Werke von Rossorame stolz bebaut und, von den Zeiten von der 'Transparenz der Katze' pflückt er eine progressive Freigabe des Stiles und die Farben, sie sind betonter lebhaft, mit Eingriffen und Schmelzungen zwischen den verschiedenen Disziplinen verschmelzt ihr liebvoll zwischen ihnen.
Die Übersetzung wurde mit mechanischen Systemen vorgenommen.
Wir entschuldigen uns für die Unrichtigkeiten und wir hoffen, daß der wirkliche Begriff korrekt übersetzt wurde.

À l'intérieur de l'exposition collective, l'artiste Rossorame présente le nouveau sérieux 'Teoresi Florence'.
Dans une place complètement absente, tellement vide à contrefaire les perspectives et les positions, les protagonistes de Teoresi flottent légers et ils semblent voler sur leurs propres pensées, avec les bras détendus mais ne pas rendue, perplexes et réceptifs, comme acteurs d'un rêve. Corps essentiels et vulnérables, ils défendent les nudités individuelles avec les marquetant d'oeuvres immortelles d'art, tatouées sur la peau comme indélébile rappelles de voyage et d'expérience. La stupeur de l'immobilité, arrachée avec un photogramme indiscret, il n'arrête pas la poursuite du vol vers l'infini suivant et l'absence de gravité il est métaphore impalpable de si même. (g.agostini)
Personnages volants affrontent un voyage, dans ce nouveau cycle et ils regardent les horizons invisibles loin. Suspendu dans une immobilité fausse, ils sont engagés par contre dans le vol et dans la direction, parfois insouciants, parfois préoccupé. Pas enveloppes ou copies d'êtres humains mais hommes et femmes parfaits polis et nettoyé par les imperfections humaines et habillé seulement d'oeuvres monumentales d'art, bien-aimée dans les endroits d'arrivée devenus nouveaux endroits de départ et vous involontairement vous imprimées sur la peau. Avec l'âme bien cachée à l'intérieur, ils explorent, ils poursuivent, ils cherchent et parfois ils trouveront. (m.morandi)
Rossorame (RougeCuivre) est A.Pagliarello
Il naît à Nichelino, près de la ville de Turin, mais de l'âge de dix ans il vit et il travaille à Florence.
Dans le nouveau sérieux 'Teoresi', les travaux imprimés sur la manipulation digitale sont le produits évolutif de la recherche soignée, effectuée dans les ans précédents, avec les élaborations photographiques.
Par exemple, respect aux images de 'Oeil Mécanicien' ou de 'Visions de voyage, avec musique latine gaie dans l'air, dans un petit matin d'été', les idées contenu dans les nouvelles oeuvres sont toujours évidentes mais moins encombrants; on avertit une formulation plus mince des questions et des réponses.
Déjà dans les seuls deux brefs clips d'art vidéo jusqu'à présent réalisés, 'Eolo qui en soupire vague' et 'Eolo en soupirant distrait' de 2004, malgré lui j'aie affronté le sujet émotionnel de manière directe, presque violent, se reconnaît le puissant positivité du message. L'artiste certain n'oublie pas l'instrument expressif premier de la peinture, toujours en préférant l'abstrait informel, parfois uni à une interprétation personnelle de la poésie visuelle, de lui même définie 'poésie verticale', en utilisant des textes de propre composition de l'adolescence.
Aussi sur les toiles, les oeuvres de Rossorame sont cultivées orgueilleusement et, depuis les temps de la 'Transparence du félin' on cueille un déblocage progressif du style et les couleurs ils sont vifs plus fortement, avec des interventions et fusions entre les différentes disciplines, vous amalgamez entre eux affectueusement.
La traduction a été effectuée avec des systèmes mécaniques. Nous nous excusons pour les inexactitudes et nous espérons que l'idée réelle j'aie été correctement traduite.

aristides 2007

2007-07-17T22:48:00.000+02:00

iniziative coordinate per l'arte contemporanea
joint initiatives for contemporary art

ARISTIDES UREÑA RAMOS Bologna Mac/Visual e Gallery (ph) Via Resths, 35.

Presenta i lavori BIO-DIVERSIDAD, relazione fra l'uomo la TIERRA Y LA IDENTIDAD.

"Panamà Escondido"- DVD (performances 17'') Videoart.

"Monte adentro" -DVD Videoart, Telas acrilicos ed'Oleos.

Los trabajos presentados, son de las series CLASSICO's, del 1981/1985..ademas sera presentados la serie de ACRILICOS: "COIBA tierra de Biodiversidades 1987"

aristides 6 giugno 2007

2007-07-17T22:43:00.000+02:00

NUEVO VIDEO ARTISTICO DEL ARTISTA ARISTIDES UREÑA SERA PRESENTADO EN CENTRO AMERICA.
The new artistic video by Aristides Ureña Ramos will be presented in the center of America.

"SENDEROS", ES EL TÍTULO DEL VIDEO ARTÍSTICO QUE PRESENTARÁ EL ARTISTA PANAMEÑO: ARISTIDES UREÑA RAMOS, EN PRESTIGIOSOS MUSEOS Y GALERÍAS DE CENTRO AMÉRICA, DURANTE TODO EL MES DE JUNIO.

"SENDEROS" is the title for the artistic video presented by the panamanian artist: Aristides Ureña Ramos in prestigious museums and galleries in central america, through out june

CONTEMPORARY ART NEWS......................revista cultura contemporanea

Proyecto Cultural EL SITIO /GUATEMALA
rcoordinador:GerardoGarcia del Cid (artista): Gerardo Garcia del Cid (artista)

5. Calle Poniente 15- La Antigua Guatemala/GUATEMALA
gerardogarcia@elsitiocultural.org
www.elsitiocultural.org

-ESPACIO: Sala principal del centro cultural.

-FECHAS: Presentacion los domingos 3,10,17,24 de Junio antes del cine dominical.

MUSEO DE LA PALABRA Y LA IMAGEN /EL SALVADOR
Cordinador: Carlos Henriquez Consalvi /Director
27 Av. Norte 1140, col. La Esperanza – San Salvador/ EL SALVADOR

museopalabra@telesal.net

www.museo.com.sv

-ESPACIO: Sala Museal con proyeccion Digitalen.

-FECHAS: desde el 01 de junio al 30 de junio /Proyecciones en orarios del museo.

CENTRO DE ARTES VISUALES CONTEMPORANEO DE MUJERES EN LAS ARTES CAVC/MUA /HONDURAS

Coordinador: Bayardo Blandino/Director Artistico y Curatoria

cavc@muaartes.org.hn

www.muaartes.org.hn

-ESPACIO: Video proyecciòn data show/DVD; Sala de Proyecciones CAVC/MUA

-FECHAS: Programacion Cabina Maniobra 13-14-15 / 20-21-22 / 27-28-29 de Junio.

GALERIA ALLEGRO / PANAMA
Coordinador: Mirie Mouynés/Director

allegroart@cwpanama.net

-ESPACIO: Sala multi-disciplinar,

proyecciones en horario de galerìa: de lunes a sàbado, de 10.00 a.m a 7:00 p.m.

-FECHAS: Desde el 06 de junio al 16 de junio 2007.

Fronteras de reflexión
Por Jason Waite

Senderos es una travesía a través de la unión de una dialéctica activa y contemplativa, personificada en la aparentemente sencilla acción de caminar.

Aristides, intencionalmente, saca de contexto las locaciones del inicio y el final, haciendo énfasis en el acto mismo de caminar.

El destino no es lo importante, sino el estar en movimiento. El bullicio del ambiente, el crepitar del viento, el crujido de las hojas, el murmullo de la corriente, se mezclan en una alquimia natural de imágenes y sonidos. Estableciendo paralelos entre la “sinfonía” de la naturaleza y las composiciones de la iluminación, el musicalmente talentoso Aristides medita sobre la macroestructura del ambiente auditivo, extrayendo los cimientos de los sonidos naturales y entrelazando las armonías de la música occidental, para ofrecer una experiencia auditiva que estimula lo más profundo de las emociones. Es esta reacción visceral, no sentimental, la que hace de Senderos una obra cautivadora.

Reflective Borders
by Jason Waite

Senderos is a voyage through the union of the active and contemplative dialectic, embodied in the deceivingly simple action of a walk. Aristides intentionally de-contextualizes the locations of the start and terminus, turning the focus on the act of walking itself. Destination is of no concern, but rather the fact that one is in motion. The ambient noises; crackles of wind, rustle of the leaves, the babble of the stream, are mixed into a natural alchemy of images and sound. Drawing parallels between the ‘symphony’ of nature and the compositions of the enlightenment, the musically talented Aristides meditates on the macro structuring of the auditory environment: excavating the foundations of natural sounds and interweaving the harmonies of western music to provide an audio experience that stimulates the roots of emotions. It is this visceral, as opposed to sentimental, reaction that is so captivating in Senderos.

aristides 28 aprile 2007

2007-07-17T22:42:00.000+02:00

Revista News-informazione international Arte Contemporanea..................................
News/info Spanish-34. ARISTIDES Ureña Ramos.
Revista News-informazione international Arte Contemporanea.
"PANAMA ESCONDIDO"
..PERFORMANCE'S en tres actos..

News/info Spanish-34. ARISTIDES Ureña Ramos.
"PANAMA ESCONDIDO"
CAFE LITERARIO EN PLAZA
circulo MLD-Firenze-ITALIA
presenta
ARISTIDES UREÑA RAMOS
Performance's: "PANAMA ESCONDIDO"
libre interpretaciones de las obras de los poetas panameños: Urà delDrago, Carlos Fco Changmarin, Enrique Jaramillo Levi.
"Voces del profundo Bocas del Toro", "El Cutarrismo VERAGUENSE" y "gritos perifericos en la ciudad de Colòn".
Los interventos performance's de las obras seran presentados el viernes 27 el sabado 28 de Abril, a las horas: 19,30, con replica a las 22.00 en las salas del circulo MLD, plaza de la Libertad 35.r. Dentro la Pragramaciòn de la iniciativa "CAFE LITERARIO EN PLAZA".
El Proyecto "PANAMA ESCONDIDA" , nos presentarà los trabajos Performance's del artista latinoamericano Aristides Ureña Ramos con libres reiterpretaciones de las obras de poetas panameños...Son las zonas fronterizas de las fincas Bananeras entre Costa Rica y Panamà y "Los Indocumentados" de las fronteras entre Colombia del Rio Tuira, las zonas internas del profundo Veraguas y la ciudad "abandonada" (???) de Colon a inspirar este provocatorio proyecto... Obras fruto de la continua busqueda que lleva adelante este valioso artista.
Performances:
Urà del Drago (Bocas del Toro).
"Voces del profundo Bocas del Toro"
-naitafon, La casa China,Tumbè, Anacaòna.
(Durada 18"/registracion DVD-Fotos digitales/ Proyecto 2006-2007/ derechos reservados)
Carlos Fco. Changmarin (Veraguas)
"El Cutarrismo VERAGUENSE"
-10 Decimas cantadas de "Socabòn" y "Versos de mi pueblo".
(Durada 18"/registracion DVD-Fotos digitales/ Proyecto 2006-2007/ derechos reservados)
Enrique Jaramillo Levi (Colon)
"gritos perifericos en la ciudad de Colon"
-Que yo sea, Extravìos, Bruja.
(Durada 18"/registracion DVD-Fotos digitales/ Proyecto 2006-2007/ derechos reservados)
Su cortez presencia, es estimulo a nuetro trabajo.
Viernes 27, Sabado 28 de abril 2007
Lugar: Caffe Literaio MLD, Firenze, Piazza della Libertad 35.r.ITAL
Horas: 19,30 con replica a las 22.00. Las performance's son exclusivas de Artevariarte international Art Gallery-Florence y seran filmadas por el Estudio de Arte cinematografico Borgo Stella. Biografia del artista en el portal: www.aristidesurena.com y www.aristides.it
Galeria Arteconsult-Panamà Galeria Habitante Panamà
ARTEVARIARTE e-mal: info@artevariarte.com

aristides 20 novembre 2006

2007-07-17T22:41:00.000+02:00

ASBL.Espace Galerie ELA
tiene el honor en invitarlo a la Exposicion
ETNIA III
MAISON DU PEUPLE - VOLKSHUIS --Parvis Saint-Gilles- Bruselas/ Belgica

La Muestra de Arte Contemporanea se inagurò el 21 de octubre 2006 y estarà abierta hasta el 20 de noviembre 2006.
Para esta ocaciòn Adriana Rubio Directora de la galeria ha seleccionados 32 artistas Latinoamericanos que bien representa las novedades del Continente Americano. Breno Santos Brito (Brasil) Miguel Lolhé (Argentina) Francisco Merelo (Chile) Victor Barros (Ecuador) Alejandro Komori (Mexicos) Aristides Ureña Ramos (Panamà) Hilda Valenzano (Paraguay) y otros artistas que se turnaràn en la presetacino de sus obras. Videos , Instalaziones, Performance y Lienzos.ORGANIZADORES:
ASBL.Epace Galerie ELA / Martine Wille Bourgmestre- Charge de la culture.
Eventos:
ARISTIDES UREÑA RAMOS (Panamà)
Presentarà: PROYECTO ME-TE-DO...trabajo que he organizado en 2004-2005 sobre la situacion artistica en Centro America.
Como tambien me tendremos la opurtunidad de apreciar, parte de mi ltima VideoInstalacion del artista panameño del titulo "SENDEROS"
Con esta tercera presentaciòn de ETNIA, Espace Galerie Ela, presentà al publico Belga, las ultimas novedades artistica, invitando a aquellos artistas latinoamericanos que atravez de su obras questionan nuevos orizontes dentro de las problematicas contemporaneas.

ETNIA III
MAISON DU PEUPLE - VOLKSHUIS --Parvis Saint-Gilles- Bruselas/ Belgica
ASBL.Espace Galerie ELA
tiene el honor en invitarlo a la Exposicion
ETNIA III
MAISON DU PEUPLE - VOLKSHUIS --Parvis Saint-Gilles- Bruselas/ Belgica

La Muestra de Arte Contemporanea se inagurò el 21 de octubre 2006 y estarà abierta hasta el 20 de noviembre 2006.
Para esta ocaciòn Adriana Rubio Directora de la galeria ha seleccionados 32 artistas Latinoamericanos que bien representa las novedades del Continente Americano. Breno Santos Brito (Brasil) Miguel Lolhé (Argentina) Francisco Merelo (Chile) Victor Barros (Ecuador) Alejandro Komori (Mexicos) Aristides Ureña Ramos (Panamà) Hilda Valenzano (Paraguay) y otros artistas que se turnaràn en la presetacino de sus obras. Videos , Instalaziones, Performance y Lienzos.ORGANIZADORES:
ASBL.Epace Galerie ELA / Martine Wille Bourgmestre- Charge de la culture.
Eventos:
ARISTIDES UREÑA RAMOS (Panamà)
Presentarà: PROYECTO ME-TE-DO...trabajo que he organizado en 2004-2005 sobre la situacion artistica en Centro America.
Como tambien me tendremos la opurtunidad de apreciar, parte de mi ltima VideoInstalacion del artista panameño del titulo "SENDEROS"
Con esta tercera presentaciòn de ETNIA, Espace Galerie Ela, presentà al publico Belga, las ultimas novedades artistica, invitando a aquellos artistas latinoamericanos que atravez de su obras questionan nuevos orizontes dentro de las problematicas contemporaneas.

ETNIA III
MAISON DU PEUPLE - VOLKSHUIS --Parvis Saint-Gilles- Bruselas/ Belgica

ARISTIDES- Reflexiones sobre los nuevos medios expresivos 1989-1993

2007-07-17T22:40:00.002+02:00

Buscando dentro de los materiales del ARCHIVO PERSONAL del artista ARISTIDES UREÑA RAMOS, encontramos algunos “APUNTES” o “REFLEXIONES” que el artista usa para dictar charlas y exponer sus consideraciones sobre LAS ARTES CONTEMPORANEAS. Creo interesante publicarlas, así como se presentan- a manera de fichas- para adentrarnos en los conceptos y la forma de concebir las artes de este creador...

Clarissa Persiani Ferreira

EL ARTE CONTEMPORANEO

"REFLEXIONES SOBRE LOS NUEVOS MODOS EXPRESIVOS"

de: Aristides Ureña Ramos (1989-1993)

El ARTE

El Arte es la expresión más íntima del hombre y es el reflejo del ambiente donde él vive, representándolo, exaltándolo, denunciándolo, sublimándolo. Esta expresión se desarrolla en forma multidisciplinar- a través de las palabras, las imágenes, los sonidos y el gusto, podríamos afirmar que se manifiesta a través de los cincos sentidos, siendo éste patrimonio común a todo el género humano. Con la particularidad que el artista, usando estos medios expresivos y a través de la creación sublimiza tal condición, por consecuencia podremos reconocerle al Arte y a los Artistas el poder de documentar en forma indiscutible la cotidianeidad del momento en el cual vive y desarrolla su obra.
El Arte ha documentado todos los pasajes del hombre en la tierra y es el instrumento con el cual ha testimoniado su historia.

EL ARTE Y LAS DIVISIONES DE SUS EXPRESIONES

Estas expresiones a través del paso de la historia, se han manifestado y consolidado, dándonos una serie de categorías que se catalogarán con reconocimientos propios, es así que estas sub-divisiones serán llamadas “ARTES”, tomando la connotación al plural, para señalar las expresiones artísticas dentro de su peculiaridad, como lo son: Poesía, Pintura, Escultura, Arquitectura, Teatro, etc.; cada una de estas consideradas disciplinas autónomas dentro del ARTE.

LOS MEDIOS EXPRESIVOS Y LA CONTEMPORANEIDAD

El Ambiente en el cual vivimos, nos lleva a estar bombardeados por una multiplicidad de estímulos. Los artistas sensibles que captan estas formas, son incitados (animados) a través de la aguda intuición a buscar formas posibles de interpretar de manera verosímil estos estímulos, llevándolo a interrogarse sobre los vehículos o MEDIOS que le permitan expresar con claridad sus ideas. Por estos motivos, las artes han sufrido un cambio radical y han puesto de manera central la problemática del MEDIO expresivo. Quitando el primado a la Pintura, como único MEDIO para representar las ideas, por estos motivos, podemos afirmar que las Artes Contemporáneas son tolerantes a cualquiera manifestación expresadas a través del uso de distintas formas representativas, siendo esta unas de las peculiaridades que distingue nuestra época.
Con esto no sostengo el final de la Pintura, todo lo contrario, la Pintura viene considerada un instrumento valido, dentro de las muchas posibilidades a disposición, dando libertad al artista de dotarse de una Multidisciplinariedad de medios expresivos que representen, a través de los diversos lenguajes artísticos, sus ideas y los nuevos estímulos.

LOS ELABORADOS – LOS VALORES DE ESTAS EXPRESIONES.

El fruto de esta nueva condición, se viene a materializar con trabajos, fuera de las formas tradicionales, por los que los MEDIOS expresivos llevan a poner al centro de la cuestión la elaboración de la obra. Por lo tanto, obras de Performances, Videos, Instalaciones, Intervenciones urbanas vienen a ser “Elaborados” artísticos y así mismo llamados dentro del nuevo léxico moderno.

GLOBALIZACION Y LAS NUEVAS CONCEPCIONES

La velocidad con la cual los flujos migratorios se expandieron, han creado nuevas formas de intercambios culturales, creando nuevas realidades, como también momentos de conflictos identitarios. Allá donde estas expresiones se desarrollan “lo contradictorio” parece ser el eje portador y motivación de su propio ser. Como también asistimos al gran avance de los medios informáticos, que ha abierto innumerables intercambios de informaciones, que han roto con el esquema tradicional, formando una nueva geografía informática no correspondiente a la geografía política.

GEOGRAFIA POLITICA Y GEOGRAFIA INFORMATICA

Esta situación de nuevos intercambios de información, ha traído como consecuencia, que encontramos personas, muy informadas sobre los avances científicos, artísticos y de las novedades que recorren el mundo, con artistas que llegan a interpretar el contemporáneo con gran actualidad, fuera de su ubicación geográfica.
Esta viene a ser llamada Aldea Virtual o Informática que no tiene posición ni correspondencia en relación a la geografía política. Si la Aldea Virtual como hecho incontrastable tiene su fugas desarrollo, de por si, crea mecanismos de exclusión. Estos espacios excluidos son lugares donde la expresión se manifiesta al margen de este contexto y son llamadas periferias culturales, estas periferias culturales no corresponden a la geografía política. Así encontramos artistas de países desarrollados que viven dentro de las periferias culturas, produciendo obras fueras del contexto globalizado y artistas del tercer mundo produciendo obras dentro de la Aldea Virtual.

MECANISMO DE EXCLUSION Y PROCESO A “MANCHA DE LEOPARDO”

La ruptura que ha provocado la Globalización nos presenta un cuadro complejo que es espejo de las distintas realidades.
Es por esto que prestamos mucha atención a aquellas realidades excluidas de este proceso, ya que de por si mismo, estas se desarrollan dentro de micros-sistemas autónomos que lo sostienen, le dan vida propia ya que son expresiones genuinas de sus propias contradicciones.
Estos procesos a “Manchas de Leopardo” por el momento no se reconocen entre si, por las profundas y distintas motivaciones que sostiene ambos, como también por los grandes intereses económicos del sistema globalizado, pero en la espera de esta superación, las radicalizaciones y sus mismos planteamientos enriquecen y fortalecen las distintas expresiones artísticas.

Los apuntes continúan desarrollando temas de actualidad contemporánea. Esta primera parte que publicamos será actualizada y publicada en su integridad. Los temas desarrollados que seraàn publicados son los siguientes:

1- CONSOLIDACION DEL PROCESO IDENTIFICATIVO Y LA HOMOLOGACION

2- RECONOCIMIENTO RECIPROCO

La Bienal de Panamà hacia el 2000/ por ARISTIDES UREÑA RAMOS

2007-07-17T22:39:00.001+02:00

LA BIENAL DE PANAMÁ DE MÓNICA KUPFER MIRA A TRAVÉS DEL UMBRAL EL NUEVO SIGLO.

Por: ARISTIDES UREÑA RAMOS/ Florencia Abril 2000

A veces estamos llamados a tomar posturas sobre algunas cosas que nos tocan en nuestra intimidad, mal grado característicamente estamos inclinados ha seguir los eventos con silenciosa atención, nuestro intento quisiera llegar más allá de la trivial polémica, tratando con nuestra intervención ( por lo menos ) de contribuir a buscar aquellos horizontes en donde podamos encontrar el terreno fértil en donde cimentar nuestra cultura.

UNA BIENAL, ES UNA BIENAL, ES UNA BIENAL ES UNA BIENAL, ES UNA……….

Si concordamos, que el Arte es una de las expresiones más intimas del hombre, que esta vive como expresión de las situaciones socio-económicas en las cuales se desarrollan, evidenciado, remarcando, rechazando, denunciando, exaltando todas aquellas contradicciones que el vivir cotidiano de un determinado lugar nos da, no nos podemos alejar de estos parámetros “de juicios” para medir las pulsaciones que un determinado ambiente nos da, pena la obligatoria aclaración “a priori” de las motivaciones que nos han guiado a usar un parámetro nuevo.

La reciente historia de la Joven Pintura Panameña se ha visto desarrollarse a través de los años con características propias, dándonos un siglo de Arte con marcadas anomalías, esto lo podemos notar en los promotores de estas realidad: Artistas panameños en continuo peregrinaje, aquellos que han escogido la continua platea y el pleno auge, aquellos que han escogido el anonimato y el silencio, aquellos que una vez conseguida la madurez artística escogen el exilio voluntario dentro o fuera de nuestro país, una serie de personajes que con sus fatigas han contribuido ha exaltar todo el arte del milnoveciento panameño. Como resulta obligatorio recordar el papel que ha jugado las fundaciones de las Escuelas de Bellas Artes en el interior de la Republica; que han quitando el privilegio que para aquel entonces tocaban a pocos electos de “una preparación artística” y brindando indiscriminadamente a muchos la posibilidad a un enriquecimiento personal, fortaleciendo desde el interior de la republica la linfa creadora nacional. Todos estos hechos nos alejan de la vulgar demagogia y nos permiten con serena tranquilidad enfrentar los argumentos que trataremos en adelante. ¿A QUE COSA PUEDE SERVIR UNA BIENAL?.

“Una Bienal es una Bienal, es una Bienal, es una Bienal, es una…..parafraseaba Agustín Del Rosario en un articulo el 25/10/92, cogiendo en préstamo los versos de GERTRUDE STEIN sobre la rosa, para presentar la primera Bienal de Arte Cervecería Nacional de Panamá, en ese articulo, Del Rosario con sutil delicadeza evidenciaba algunas cosas, paragonando la bienal panameña como un Gran Jardín donde las rosas eran un conjunto de obras que “de manera alguna nos definen lo que en una bienal pictórica es fundamental: El valor del conjunto de obras que en la pluralidad de enfoques y de perspectivas creadoras nos dicen algo del mismo jardín.” En su artículo continuaba diciendo que “hubiera sido mucho más importante la ubicación de las obras en torno a variables fijas” y de este conjunto de obras privilegiar “una base a tema” y continúa diciéndonos que “de alguna manera no queda en claro, ni se aclara, cuál fue el criterio seguido” hablándonos del montaje, pero concordando que “El resultado? obras que se visualizan valiosas en lo referente al estado de la plástica panameña actual ” aunque si Agustín de su gran jardín imaginario algo corregiría remarcándonos “que al tiempo impacta por el desorden en el cual se ha montado”.-------¿PUES ENTOCES A QUE COSA SIRVE UNA BIENAL?.

En el 1997, el critico de arte ERMANNO KRUMM escribía en el Corriere de la sera ( 14/06/ 97 ) sobre la Bienal de Venecia. “VOCES DE LA PERIFERIAS DEL MUNDO ”, se titulaba el artículo donde nos decía que :"Es el hecho de tener todavía un ligamen con las propias raíces (Historia, Tierra; Cultura) a hacer la diferencia. En esta Bienal lo vemos, allá donde encontramos un poco de todo y donde (lo dice el mismo curador de la Bienal) prevale el laberinto, debajo al título de este articulo había un subtítulo “Desde una parte a la otra del Océano; El Este, Oceania, Latinoamérica, Musulmanes” para remarcar el carácter Internacional del evento y continuaba diciendo en su articulo “Todas las orientaciones de los últimos treinta años se encuentra aquí ” y se lamentaba diciendo “ Falta el futuro. Tal vez era inevitable, porque solamente quien tiene un pasado todavía en activo, de cualquier modo, tiene un punto de vista que mira hacia adelante, en donde poder orientarse ( y no importa adonde lo conduzca )” ……PUES ENTOCES QUE COSA ES UNA BIENAL ?

En la presentación de la Bienal de la Habana , notamos que tratan de explicarnos sus intenciones y las motivaciones que lo llevan a promover este evento diciéndonos que “Desde su primera convocatoria en 1984. y a través de sus cincos ediciones, se han convertido en un lugar privilegiado de encuentro para aquellos interesados en conocer lo mejor del arte contemporáneo de Asia, África , América Latina y del Caribe” el esfuerzo por hacer de la bienal un evento Internacional es evidente, pero sabemos que este no solo fue unos de los esfuerzo de la bienal Habanera ; Una de las cosas que mas llamó la atención, fue como se organizó internamente, ofreciendo varios espacios expositivos en distintos lugares de la ciudad de la Habana, donde en una colectiva pudieron exponer los estudiantes de la escuela de Bellas Artes. Dentro de este evento también escogieron algunos artistas jóvenes, aquellos más prometedores dándoles espacios en cuales poder mostrar sus obras con mini-personales . Estas soluciones organizativas las hemos podido vivir tambìen en la Bienal Veneciana donde existe siempre un espacio para las figuras emergente ……ENTONCES QUE COSA ES UNA BIENAL ?.

La experiencia de la Bienal Internacional de la Cuenca, bienal contracorriente, ya diferenciándose de otras bienales de arte englobando solo el amplio mundo de la sola PINTURA, goza de su original planteamiento cuando el occidente se encuentra ebrio de sus Instalaciones, de sus Conceptualismos, de la frenética búsqueda de las formas expresivas nuevas, vemos como esta se mantiene orgullosamente ligada a sus principios, brindando la posibilidad de nuevas búsquedas al “medium” pictórico. La Bienal de la Cuenca podríamos decir que se encuentra en “antítesis” contribuyendo a la dicha GLOBALIZACION, donde en la gran ALDEA MUNDIAL las diferencias conviven con igual derecho………...ENTONCES QUE COSA ES UNA BIENAL ?.

Así vemos como Corea entra en el nuevo Milenio consagrándose PUNTO de referencia internacional para el Arte Contemporáneo. La tercera BIENAL de KWANGJU que se inauguró el 29 de Marzo ( Hasta el 7 de Junio de 2000 ) presentó una reseña equilibrada respecto a las dos anteriores, donde no se limito hacer “de espejo” al Arte Occidental , al contrario esta bienal es claramente Asiática. El TEMA que han propuesto a sus artistas invitados , los habían divididos en cincos secciones principales y definidos por criterio geográficos: “EURAFRICA”, “AMERICA DEL NORTE”, “AMERICA DEL SUR”, “ASIA” y “COREA Y OCEANIA”. -El hombre y su ambiente – era el título en la cual se agrupaban los artista de esta bienal , Rene Block curador de EURAFRICA, presentó una “provocatoria secciòn”, nunca vista hasta ahora, sobre el tema Multicultural, Block se limito a considerar tres regiones culturalmente distintas entre ellas, que solamente conviven entre ellas el hecho de la emigración, remarcando el no dialogo cultural europeo y africano (estas estaban representados con obras de video Tape, fotografías, e instalaciones).La sección SUDAMERICANA que estaba seleccionada por Yu Yeon Kim, presentaba la obra más conmovedora de toda la bienal –La performance y video instalación de la artista cubana Tania Bruguera- que presentándose desnuda, arrodillada de frente al espectador, con un esparadrapo en la boca, una cuerda en el cuello, con lento gesto frotaba una piedra indicándonos las contradicciones que esta Aldea global nos esta llevando…….ENTONCES A QUE COSA SIRVE UNA BIENAL ?.

Una Bienal es una “Ventana abierta” en un determinado tiempo, para interrogarse sobre lo acontecido, es un “Gran Jardín” (como dice A. Del Rosario en su articulo) donde apreciar el fruto de lo que hemos sembrado. Es el “Laberinto” de la genialidad artística de los hombres y mujeres y donde poner limites resulta difícil , es lugar de encuentro donde la linfa frustrada del intento creativo busca confirmarse, es el encuentro del “caos” desordenado de las expresiones más intimas del hombre y que refleja indiscutiblemente el ambiente donde se desarrolla, consolidando la memoria creativa de sus mejores artistas; Y es por estos motivos que nos interrogamos cuando superficialmente se quieren disminuir los esfuerzo de dicho evento, simplificándolo, empobreciéndolo con confusas declaraciones. Tenemos que unirnos a los grandes valores, para dejar claras huellas de la contribución externa que queremos dar; reconociendo la importancia que una bienal -en nuestro caso-- LA BIENAL DE PANAMA esta realizando, con dificultades , pero con gran y digno coraje, bajo la valiosa dirección de Mónica Kuppfer guía experta y Curadora de reconocida renombre internacional, quien bien ha sabido bajo la dureza que conlleva el tener en pie una manifestación importante, proponer una prestigiosa manifestación

La generosa contribución económica que algunos pocos privados, entes y empresas ponen a disposición va guiada hacia la consolidación de esta realidad, las Instituciones Publicas entrar en merito a las problemáticas de las políticas culturales, ya que la ceguedad de NO reconocer y NO colaborar con una realidad como la Bienal de Panamá , debilita a toda la comunidad artística y empobrece el ya precario ambiente artístico, donde reina el vació, la confusión y la carencia de responsabilidades colectivas .. Porque solo la ausencia y la incapacidad nos pueden llevar a la peligrosa situación de acabar, destruir una realidad viva y dinámica como la BIENAL, por eso mi invitación es a la reflexión de todos nosotros, antes de que sea demasiado tarde; para que acompañemos la consolidación y el fortalecimiento de La Bienal, para que alcance aquella meta que ya se entrevé a través del umbral de este nuevo Siglo. El trabajar para consolidar “LA MEMORIA HISTORICA”de nuestro país pasa por estas y otras pruebas, estas se manifiestan en honrar nuestros artistas más representativos y el defenderlos cuando lastimosamente se llega a enfuscar los horizontes donde ellos intervienen y la Bienal hace parte de estos espacios esenciales a los cuales no podemos ni debemos renunciar.

ARISTIDES UREÑA RAMOS
Florencia abril del 2000. (Versión completa y publicada)

aristides articolo prensa

2007-07-17T22:32:00.000+02:00

Lo comtemporaneo...............
En ocasión de la publicación de la Revista Trimestral Eco D’arte - Contemporary Art, revista dedicada al debate sobre el arte contemporáneo. Recogemos aquella parte de la entrevista hecha a Aristides Ureña Ramos donde habla sobre Panama y las problematicas Artisticas latinoamericanas. Las fotos que publicaron en dicha entrevista (que aqui les mando) donde aparecen Francisco Chanmarin, Adriano Herrerabarria y Aristides Ureña Ramos en la famosa refresqueria “El Aire Libre” de Santiago-aparecieron con la sigueintes descripcion: 100 años de cultura Veraguense- Santiago “macondo” proyectado en la contemporaneadad....
Parte de la entrevista hecha a Aristides sobre Lo Contemporaneo.
Columna: Actualidad de Alvaro Spegnesi
Eco D'Arte - ContemporaryArt
Prato-Italia Octubre-Diciembre 2005

Vemos que en tus obras tú haces constante referencia a tus orígenes. ¿Cuáles son las motivaciones que te inducen a esto?
Sí, es verdad. A tal propósito podemos aclarar a posteriori lo siguiente: el hecho que en mi obra se encuentre siempre presente la referencia a mis orígenes, no se puede explicar como un hecho”NOSTALGICO”. ¡¡¡Atención!!! La cosa va más allá.

¿En qué sentido?
Es el fruto de reflexiones que me acompañan desde hace muchos años.

¿Qué reflexiones?
Trataré de resumírtelo de la siguiente manera: A finales de los años 70 se debatía sobre los beneficios y desequilibrios que traería la Globalización, se abría un gran debate histórico en donde las problemáticas de la homologación de las culturas se veían desde puntos de vista contradictorios. A través de los nuevos mecanismos informáticos, se preveían cambios radicales en el seno de la sociedad y en el horizonte ya se atisbaban los “peligros” que esta nueva realidad comportaría, sobre todo en las culturas más frágiles. Así mismo, inevitablemente, los mecanismos Informáticos se desarrollaban y la “Gran Aldea Informática” era un hecho incontrovertible. Por otra parte, el gran reto de un reconocimiento recíproco de valores como patrimonio común situaba en el centro del debate las problemáticas de la IDENTIDAD.

De hecho Arístides, las Vanguardias Culturales de aquel período, afrontaron esa temática- desde la Bienal de Venecia, a la Documenta de Kassel o la Bienal de San Paulo. De tus afirmaciones deduzco que tu intervención en pro de la recuperación de la memoria, es una forma de afirmar la presencia de tu identidad.
Bueno, ubicado en el momento histórico que te he descrito, podría decirse que Sí.

Aparte del momento histórico reciente que tu has ya explicado, sumado a la actual problemática de los flujos emigratorios que nos sitúan ante nuevos retos, has explicado ya el NO NOSTALGICO de tu obra, pero yendo más a lo concreto, ¿cómo una realidad tan pequeña como la de tu país de origen, Panamá, ha influido o puede influir sobre estos procesos?
Con las nuevas generaciones.

¿Puedes ser más preciso?
Bueno, veo que insistes en hablar de Panamá.

Claro, tu presencia artística se ve condicionada por este hecho. En esta revista hemos presentado muchos de tus aportaciones y quisiéramos brindar a nuestros lectores más detalles sobre tu mundo.
El Mil Novecientos Latinoamericano ha producido personajes que han aportado, a través de sus obras, nuevos valores humanísticos y de cambio, sociales y culturales. Yo nací en Santiago, en la región de Veraguas, un territorio que ha tenido ilustres figuras que han colaborado en este proceso.
Mira, allá por los años 1988, fui invitado a la Bienal de Venecia: “El lugar de los artistas” era el título que agrupaba a los artistas en tal evento. En ese período se discutía sobre la identidad en crisis, en la que se resaltaba el reconocimiento de valores estéticos distintos a la concepción de la cultura dominante. En este contexto, a mi regreso a mi pueblo natal (Santiago, en 1991) llegó a mis manos un libro dedicado al Folclore Montijano. Lo había escrito Francisco Chanmarin y captó mi atención en aquella parte donde él afrontaba la problemática del Folclore. El autor sostenía que “No existe Cuna del Folclore” y con brillante elocuencia explicaba el valor de las expresiones artísticas como tales y las definía como fruto y patrimonio de identidades que participan - y nunca en competencia entre ellas - a una identidad colectiva. En suma, desde un pueblo lejano se recogía con sagacidad la sintonía entre el pensamiento contemporáneo y el debate existente en Europa.

¿Había una Escuela donde esas enseñanzas se trasmitían a las nuevas generaciones?, ¿Esas generaciones de cambio que tu citas?
No, no es exacto, la figura de Francisco Chanmarin es una figura todavía por descubrir. El pensamiento universal que le es propio es una gran aportación al pensamiento contemporáneo que se traspasa a las nuevas generaciones. Las concepciones de alta calidad intelectual no mueren: quedan como testimonio indestructible para las nuevas generaciones. ¿Puedo darte otros ejemplos?

Adelante
Hay ciertas coyunturas temporales, que tratan de obscurecer el férreo trabajo y las grandes intuiciones de hombres de alto calibre. Mira, yo viví mi infancia en el aprendizaje empírico de grandes personajes veragüenses. No tuve la oportunidad de frecuentar una Escuela de Bellas Artes hasta mi regreso de Europa. Entonces me sumé a la gran batalla que entablaban algunos colegas artistas bajo la dirección de otro veragüense, Adriano Herrerabarria “El hombre pre-destinado por las brujas de las Peñas a tumbar la tupidas selvas y abrir espacios donde enseñar los obscuros secretos del rojo de los achotes y encender los alambiques donde producir los colores de las mariposas”. Las creaciones de los planteles educativos de Artes Plásticas en las zonas del interior de mi país fue un voluntarioso esfuerzo con una fuerte componente visionaria que contribuyó a fortalecer nuestro patrimonio creativo y de profundo amor para las nuevas generaciones.

¿En un escrito tuyo vi una severa crítica relativa a estos temas. Aquí te leo: “País de hombres con gran talento sin posibilidad de carrera, y hombres que hacen carrera sin talento”. ¿Qué me dices a tal propósito?
Un momento, yo sostengo esa tesis, pero el contexto de esta afirmación, era la siguiente: la pobreza de una nación se puede constatar cuando existe el riesgo que hombres de gran potencial creativo no encuentren el respaldo necesario para desarrollar sus capacidades ante una realidad en la que la incapacidad intelectual viene premiada como “modus vivendi”, regular y sistemáticamente.

Tú, a través de esta Revista, en un artículo “POLEMICO”, evidenciaste la ausencia de criterio de la última Bienal de Venecia, un artículo que abrió en nuestra revista un FORUM de intercambio de opiniones. En algunos pasajes ligabas este evento a los efectos que éste provocaba en los países del Tercer Mundo, con énfasis en la América Latina. Tú los llamaste "Efectos Interpretativos y Aproximativos”. ¿Qué me puedes decir a este respecto?.
Antes tenemos que recordar, a modo de crónica, que el artículo justificaba los problemas con que se toparon las comisarias, María del Corral y Rosa Martínez, ya que no tuvieron el tiempo necesario para organizar adecuadamente tal evento. Y como todos sabemos, ésta fue una Bienal de transición donde los comisarios fueron nominados en el último momento. En este contexto la discontinuidad respecto a los temas de la nueva realidad productiva artística, un filón restringido a la repetición de conceptos ya tratados con anterioridad, desembocó en un vacío o falta de criterio en la representación de la contemporaneidad.

¿Por qué decías Efectos “Aproximativos y Interpretativos” respecto a las realidades del Tercer Mundo y, sobre todo, de América Latina?
El gran acontecimiento que es la Bienal de Venecia tiene un impacto increíble en los demás países. Es como un gran contenedor de informaciones sobre la cultura contemporánea y en esta ocasión, a través de sus comisarios, recoge los “enunciados” que han motivado las últimas tendencias, ayudándonos a la comprensión de las mismas. De ahí que el “espíritu crítico” sea necesario para acercarnos a tal evento- porque el mismo apelativo utilizado, “Enunciados”, lo incorpora en la medida que a través de una atención crítica se llega a comprender mejor las motivaciones que justifican esos mismos “Enunciados”. Cuando las obras no se corresponden a las motivaciones principales del evento, se crea una ruptura de credibilidad respecto al mismo, lo que nos conduce a una actitud de verificación de los enunciados y de las obras para que, de esta manera, pongamos en juego nuestras certezas. La actitud de sumisión es típica de lo aproximativo. Y el anunciar la Bienal de Venecia 2005 sin la ayuda de un criterio autónomo, nos lleva a la aproximación, gesto muy común en ciertas personalidades de la Cultura de ELITE latinoamericana, volcadas a la exaltación a-crítica de este evento.

¿Y lo de “Interpretación"?
Creo que ya te he respondido, si eres aproximativo, no puedes interpretar con autonomía sobre los verdaderas problemáticas contemporáneas, con la conclusión de que alejas de manera discriminatoria a los artistas.

Bueno, un problema frecuente, ya que la preparación de una Bienal comporta muchas dificultades.
Claro, esto es cierto, como también es cierto el hecho que las problemáticas de las expresiones artísticas en su actualidad viven, son patrimonio de todos, y en ese sentido tienen que ser divulgadas en su verdad.

aristides 25 febbraio 2006

2007-07-17T22:31:00.000+02:00

AmbasciatadiMarte Presenta
ME - TE – DO
MEmorias – TEstificaciones - DOcumentaciones
A cura di: Cristiana Chiarantini, Jason Waite, Aristides Ureña Ramos
25 – 26 FEBBRAIO 2006 ORE 21,30
Negli ultimi anni nell’area centroamericana si è vista una crescente produzione di opere digitali, l’arte digitale, infatti, sta rappresentando uno strumento per nuove forme espressive accessibili a tutti ed economiche.
In questa ottica, Ambasciata di Marte ha deciso di ospitare il progetto di video arte ME – TE – DO.
ME – TE – DO è un progetto che aspira ad aprire una finestra immaginaria su queste terre, le opere digitali presenti sono testimonianze della realtà sociale e quotidiana del Centro America, raccontata attraverso scene forti di sesso, di violenza, o attraverso eventi legati a manifestazioni culturali o tradizioni musicali. Agli artisti invitati, provenienti da Honduras, Panama, Costa Rica, El Salvador, Chiapas e Nicaragua, è stato chiesto, quindi, di dare una panoramica sull’attuale situazione del Centro America. Ad esempio nel lavoro del salvadoregno Milton Doño l’alternarsi di flashback emotivi e di tratti documentaristici ci proietta in una riflessione senza tempo, o come nell’opera di Lucia Madriz (Costa Rica) che affronta la condizione delle donne in America Latina, mentre Mimian Fung Hsun tratteggia e sviluppa senza inibizioni il concetto di nuova identità cino-costaricense; oppure come il videoclip autoprodotto del gruppo musicale Quincha, con cui si apre la serata ME – TE – DO, nel quale la musica latinoamericana tradizionale mescola ritmi diversi ma non dimentica il recupero di sonorità tradizionali attraverso l’uso dei tamburi.
L’idea di ME – TE – DO è di recuperare la memoria collettiva dei paesi centroamericani e di far conoscere il potenziale creativo e sociale degli artisti e delle loro opere. È un progetto in progress, aperto che non si concluderà con le due serate di febbraio, altri artisti stanno già lavorando per aggiungersi alla presentazione di ME – TE – DO a Berlino e a Bruxelles.

Collaboratori: Bayardo Blandino( CAVC Centro ArtesVisuales Contemporaneos) HONDURAS, Carmen Aleman (Galeria ArteConsult)Panama, Carlos Enriques Consalvi (Museo de la palabra y la imagen) El Salvador, Maria Luisa Angulo (Portal CLIP) El Salvador, Maria Josè Monge (MADC museo de Arte y Diseño Contemporaneo) Costa Rica.
Artisti invitati:
Hugo Ochoa, Mejia Byron, Alan mairena, Regina Aguilar, Esaù Adonais Ruis, Lester Rodrigues, Juaquin Rodriguez del Paso, Alejandro Ramires, Lucia Madriz, Florencia Urbina, Mimian Fung Hsu, Jose Alberto Arcel, Habacuc, Ana Luisa Sanchez, henrique Castro Rios, Aristides Ureña Ramos, Milton Doño, Sergio Bermudez; Abaner Benaim.

OLTRE ALLE PROIEZIONI DI VIDEOARTE SARA’ PRESENTE UNA MOSTRA FOTOGRAFICA
SULL’HONDURAS DI NICHOLAS WINYA: HONDURAS: “UN PAESE UN ISTMO”
“…Vivono tra impossibili montagne, vallate dimenticate, terre
violentate, città distrutte e spiagge vuote…”
AMBASCIATA DI MARTE, VIA MANNELLI, 2 FIRENZE TEL 0556550786 info@ambasciatadimarte.org www.ambasciatadimarte.org

aristides febbraio 2006

2007-07-17T22:06:00.000+02:00

AMBASCIATA DI MARTE
Via Mannelli 2 50136-firenze-ITALIA presenta:

ME-TE-DO
(MEMORIAS, TESTIFICACIONES, DOCUMENTACIONES)
Centro America
Costa Rica,El Salvador, Honduras, Panamá y la participacion del Chiapas Mexico
25/26 de Febrero 2006
Curadores:
CRISTINA CHIARANTINI
JASON WAITE
ARISTIDES UREÑA RAMOS
Con este proyecto hemos querido dar una panorámica sobre la actual situación social en los Países Centroamericanos y a través de la expresión de los artistas presentes abrir una ventana imaginaria a esas lejanas tierras. En los últimos años se ha visto una creciente producción de obras digitalesen el área centroamericana. Nuestra idea ha sido escoger a aquellosartistas más representativos que a través de su trabajo digital han dado“testimonios” documentados y recuperados de la memoria colectiva y larealidad cotidiana de centroamérica.Dando a conocer de esta forma el potencial creativo de los artistas así como también de su realidad social
Colaboardores: Bayardo Blandino( CAVC Centro ArtesVisuales Contemporaneos) HONDURAS, Carmen Aleman (Galeria ArteConsult)Panama, Carlos Enriques Consalvi (Museo de la palabra y la imagen) El Salvador, Maria Luisa Angulo (Portal CLIP) El Salvador, Maria Josè Monge (MADC museo de Arte y Diseño Contemporaneo) Costa Rica.
Artitas invitados:
Hugo Ochoa, Mejia Byron, Alan mairena, Regina Aguilar, Esaù Adonais Ruis, Lester Rodrigues, Juaquin Rodriguez del Paso, Alejandro Ramires, Lucia Madriz, Florencia Urbina, Mimian Fung Hsu, Jose Alberto Arcel, Habacuc, Ana Luisa Sanchez, henrique Castro Rios, Aristides Ureña Ramos, Milton Doño, Sergio Bermudez; Abaner Benaim.
Grupo QUINCHA- abrirà la presentacion con su Video Clip "No ha pasado ni......."

NICHOLAS WYNIA
“Honduras: Un pais, un Istmo.”
“Honduras: A Isthmus contry”
Obras Fotograficas
Del 25 Febrero al 11 de Marzo

CRISTINA CHIARANTINI
info@ambasciatadimarte.org
c.chiarantini@virgilio.it

JASON WAITE
jasonhwaite@gmail.com

ARISTIDES UREÑA RAMOS
aristides_urena@hotmail.com