LAS RAICES DEL NEO-CUTARISMO

LAS RAICES DEL NEO CUTARISMO
aristides ureña ramos.
digital-Fotos
(manipulaciones visivas- 2009)
-Mujer que nada-
Caminando en las afueras de Santiago, a escondidas entre abandonados automovil, me encntre con un camionsito trasformado en busito para pasajero, el cual habia sido decorado por una desconocida mano...desconosco quien fuese el furtunado artista polpular.

Cada escena, narra pasajes de la vida interiorana..pero lo que me capturo mi atenciòn fué lo siguiente.

"Hombres tumbando monte"
LA FACTURA del trabajo a mano libre, los colores, los matices que suavemente se conjugan en la composiciòn conjunta de la obra....el fresco sentido cromatico libre de academico sugerimiento.


"La Junta"
Vengo capturado, por la "plena libertad" de movimieto de las figuras, que estan bien repartidas en el espacio, en su razòn de existir y del papel que cada una de ellas recitan en la escena.

"Recogedor"
La sincronias de los colores..que no son fruto de "un copiar lo real"....ya que son frutos de la libre fantasia, como que: En una distraida ejecuciòn, es el relato la preocupaciòn y el deleite de fantasticar la satisfaciòn, el goze del mismo trabajo.......


"La chiva vista desde atras"
Relato de cercanos y conocidos paraisos, placenteros lugares, frescos momentos.....

"Mujer en casa"
Campesinas laboriosas, amas de casa...casas de campo, de caserios lejanos.
Chiva con "Diosa del viento"
Donde las COSAS de uso cotidiano, vienen mezclados a fantasticas historias, decoradas bajo desintersadas manos cretivas....o tal vez, una CREATIVIDAD COLECTIVA realizada para el delite popular.
Fuese, como fuese...toda la admosfera de fantasia, de alegre libertad, lleva a recordar...que tal vez nuestro CUTARISMO veraguense..vive y deja señales de innotos, desconocidas manos.

Dejandonos huellas, en cada angulos escondidos de la ciudad....ya que este no es el unico ejemplo que podemos llamar a causa.
Obras para atentos observadores, que abren apuntos en nuestros cuadernos de ideas, y sugerimientos de libertades creativa de exquicitos sabores selvage....














Orquesta Sinfònica Nacional de Panamà

En homenaje a los 68 años de la
Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá
27 de mayo de 1941- 27 de mayo de 2009


MUCHAS VECES NOS ENCONTRAMOS, CON FIGURAS, QUE CON LENTOS Y CONTINUOS PASOS, NOS ILUSTRAN SOBRE LOS ACONTECIMIENTOS CULTURALES QUE SE DAN EN NUESTRA QUERIDA PATRIA -PANAMA- GILMA DEL CARMEN MEZA RODRÍGUEZ, ES UNA DE ESTAS, QUE CON SU BREVES NOTAS, COOLABORA ASIDUAMENTE CON NUETRA REVISTA... NACE EN OCÚ, PROVINCIA DE HERRERA, REPÚBLICA DE PANAMÁ, EL 30 DE JULIO DE 1966. REALIZA ESTUDIOS PRIMARIOS EN SU PUEBLO NATAL ADEMÁS DE LA PRE MEDIA. SE TRASLADA A LA CIUDAD DE SANTIAGO, PROVINCIA DE VERAGUAS, DONDE REALIZA SUS ESTUDIOS SECUNDARIOS EN EL INSTITUTO URRACÁ. SUS ESTUDIOS UNIVERSITARIOS LOS REALIZA EN LA CIUDAD DE PANAMÁ, LOGRANDO LA LICENCIATURA EN RELACIONES PÚBLICAS. OBTIENE ADEMÁS EL TÍTULO DE PROFESORA EN DOCENCIA MEDIA DIVERSIFICADA EN EL CENTRO REGIONAL UNIVERSITARIO DE VERAGUAS. HA PERTENECIDO A DISTINTOS GRUPOS DE ACTIVIDADES CULTURALES EN SU PUEBLO NATAL COMO PATRONATO DEL FESTIVAL NACIONAL DEL MANITO DE OCÚ, FERIA SAN SEBASTIÁN DE OCÚ, DISTINGUIÉNDOSE COMO MIEMBRO ACTIVO DE ESTAS AGRUPACIONES FOLKLÓRICAS CULTURALES. DADO QUE EL FOLKLORE ES UNA DE LAS RAMAS QUE MÁS LE APASIONA, REALIZÓ ESCRITOS DE CORTE FOLKLÓRICO DESTACANDO LO AUTÓCTONO DE LAS COSTUMBRES Y TRADICIONES DE SU TIERRA NATAL. LABORA DESDE HACE TRES AÑOS COMO ASISTENTE DE PRENSA Y RELACIONES PÚBLICAS DEL INSTITUTO NACIONAL DE CULTURA DE LA REPÚBLICA DE PANAMÁ. DESDE LA PRIMERA CASA DE LA CULTURA DE SU PAÍS, ESTA LABOR LE HA PERMITIDO CONOCER LAS DISTINTAS FACETAS DE LA CULTURA NACIONAL DE SU PAÍS. SU TRABAJO ES REFLEJADO POSITIVAMENTE A TRAVÉS DE MEDIOS DE COMUNICACIÓN DE SU PAÍS.


ARISTIDES UREÑA RAMOS
FLORENCIA-ITALIA-2009

EN HOMENAJE A LOS 68 AÑOS DE LA ORQUESTA SINFONICA
POR: GILMA DEL CARMEN MEZA R.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, regentada por el Instituto Nacional de Cultura (INAC) es una de las instituciones culturales cuyo crecimiento y perfeccionamiento es notable en los últimos años.

Dirigida por el maestro Jorge Ledezma Bradley e integrada por músicos nacionales y extranjeros, altamente calificados, con muchos años de estudio, talento y dedicación. Ha ejercido un papel permanente de docencia, estímulo y proyección para las presentes y futuras generaciones.

En estos últimos cinco años, la proyección e integración de la Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, para con la comunidad, ha sido exitosa. Más de 200 funciones fueron realizadas en barrios periféricos e iglesias de la ciudad de Panamá y el interior de la República. Entre los años 2008 y 2009 siete (7) grandes conciertos en gimnasios y plazas del interior de ciudades como David, Chitré, Santiago, Aguadulce, Colón y Penonomé, logrando acoger entre éstas más de cien mil (100,000) espectadores. Su labor docente es sumamente positiva al ofrecer conciertos didácticos a jóvenes estudiantes de música de distintos centros educativos en esa rama.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá se fundó el 27 de mayo de 1941, gracias a la iniciativa del maestro Herbert De Castro. Desde entonces ha tenido como directores titulares a Herbert De Castro, Walter Myers, Roque Cordero y Eduardo Charpentier De Castro. Han actuado como directores invitados Richard Schumacher, Hans Jorchem Reeps, José Iturbi, Ricardo del Carmen y Luis Herrera De la Fuente, entre otros.

La Orquesta Sinfónica Nacional es el eje principal de la vida musical de la nación panameña y la culminación natural de aquellos talentos musicales formados en el instituto Nacional de Música y la Escuela Juvenil de Música, ambas regentadas por el INAC, así como los egresados de la Universidad Nacional.



Gilma del Carmen Meza Rodríguez
Ciudad de Panamá
21/5/09
Articulo publicado en Contemporay Art magazin/junio 2009/CONTEMPORARY ART NEWS/*copry.

X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE

COLEGIO UNIVERSITARIO DE CARTAGO
(CUC - Costa Rica)


Con la colaboración en Panamá de la
Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS
(Chiriquí - Panamá)

Rossevelt Diaz
X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE
HERNÁN HIDALGO HIDALGO 2009


Tema: CALENTAMIENTO GLOBAL

País Invitado: PANAMÁ

13 al 30 de JULIO de 2009
(Campus del Colegio Universitario de Cartago - Costa Rica)

Homenaje a los artistas
ZULAY SOTO y FABRICIO MONGE

Curador Internacional:
RODRIGO MUÑOZ AZOFEIFA



INVITADOS DE HONOR

Maestro MARIO CALVIT

Maestro EUDORO SILVERA
(Cortesía: ARLENE LACHMAN Galería)


mario calvi


ARTISTAS INVITADOS

AMALIA TAPIA

ROOSEVELT DÍAZ AROSEMENA


EXHIBICIONES ESPECIALES

Arte Étnico: Región CUCUÁ (Coclé)
(Colección: Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS)

Escultura: Manuel E. Montilla


SELECCIONADOS POR CURADURÍA

BENALCAZAR, ALEXIS (Panamá)
BERMUDEZ, ERICSON (Azuero)
BRUGIATI, DIANA (Chiriquí)
CASTILLO, ÁNGEL (Veraguas)
DE OBALDÍA, MARISOL (Chiriquí)
FUENTES, DONTY (Chiriquí)
FUENTES, YUN (Chiriquí)
HERNÁNDEZ, OSVALDO (Azuero)
LATOUCHE, LUIS TREVILLE (Chiriquí)
MELAMED, MORDAHAI (Veraguas)
MENDOZA, AGUSTÍN (Azuero)
MONTILLA, MANUEL E. (Chiriquí)
NAVARRO, EDUARDO (Panamá)
OLOGUAGDI (Kuna Yala)
SAMANIEGO SINCLAIR, HÉCTOR (Azuero)
SAMUDIO, OSMAN (Chiriquí)
VEGA de MORALES, ZULAIKA (Veraguas)
YOUNG NÖEL, CESÁREO (Panamá)


El sábado 16 de mayo en David, Chiriquí, el curador internacional invitado Rodrigo Muñoz Azofeifa (Costa Rica), selecciono 22 obras pictóricas de 18 artistas nacionales en la convocatoria para la X MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE HERNÁN HIDALGO HIDALGO que anualmente se celebra en el Campus del COLEGIO UNIVERSITARIO DE CARTAGO (CUC) en Costa Rica.
Este año la muestra, del 13 al 30 de julio, es dedicada a los artistas costarricenses ZULAY SOTO y FABRICIO MONGE, como país invitado funge PANAMÁ.
En Panamá el CUC contó con la colaboración de la Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS, quienes realizaron la convocatoria, selección inicial y fueron los anfitriones del curador Muñoz Azofeifa. El que, posterior a la curaduría, dictó una charla sobre las implicaciones curatoriales en el arte contemporáneo en las salas del Museo y Antigüedades LA CASONA, en David.
Para esta muestra internacional se escogió a creadores de todo el país; así está presente la Región de Azuero con 4 artistas, Veraguas cuenta con 3 representantes, Panamá (capital) con 3, Kuna Yala con 1 y Chiriquí con 7. Exponiéndose una amplia panorámica del quehacer plástico en nuestra república.
Sumado a lo anterior, se cuenta como Invitados de Honor por Panamá a los Maestros MARIO CALVIT y EUDORO SILVERA. Seleccionándose a los artistas AMALIA TAPIA y ROOSEVELT DÍAZ AROSEMENA como invitados especiales por su aporte y trayectoria en el arte panameño.
En la muestra de Cartago se exhibirán dos contribuciones especiales desde Panamá: una muestra de arte étnico de la región de los CUCUÁ en Coclé y una selección de esculturas en hierro de pequeño formato de Manuel E. Montilla.


SOBRE LA MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE LIBRE
HERNÁN HIDALGO HIDALGO


El Consejo Directivo Institucional del Colegio Universitario de Cartago, Costa Rica, acordó crear la muestra de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo como un espacio de intercambio para exhibir y dar a conocer el pensamiento artístico a través de las obras de los artistas cartagineses, nacionales y extranjeros.
Esta muestra pretende fortalecer las artes plásticas (pintura, escultura, grabado, instalaciones, fotografía, dibujo, collage, ensamblajes, intervenciones físicas, performances), la música, el teatro, la danza, la poesía, las manifestaciones étnicas y populares, en un contexto de arte libre, con autonomía, independencia y sentido humano, de manera que el artista, la obra y los diversos públicos, puedan reflexionar, confrontar, discutir, compartir, enriqueciendo el saber y planteando un acercamiento regional del área de Mesoamérica merced a la creatividad, el arte y la cultura.
La Muestra Internacional de Arte Libre Hernán Hidalgo Hidalgo es actualmente la única en su género, de carácter universitario con proyección internacional, en Costa Rica, pretendiendo la confrontación del pensamiento, el intercambio de ideas, la coparticipación cultural, en un espacio polivalente donde se proyecta el arte de nuestros días con singular vigor y, mérito mayor, fuera de la égida metropolitana; en la periferia de los centros de poder político y con un marcado tinte de excelencia.
La participación panameña no desmerece estas exigencias de calidad, de creatividad y de intercomunión con el pensamiento humanista de nuestros días. El curador, Muñoz Azofeifa, inscribe la muestra istmeña como trascendente y de un alto valor intrínseco. Cabe destacar que los artistas nacionales se preparan para estar presente en la magna inauguración del evento el próximo 13 de julio en la ciudad de Cartago, histórica por ser la primera capital del hermano país.


SOBRE LA FUNDACIÓN PARA LAS ARTES MONTILLA E HIJOS


Entidad privada, sin fines de lucro, cuyo norte es la proyección, difusión y concreción creativa de las diversas manifestaciones del arte y la cultura en el área de Mesoamérica, con especial énfasis en la provincia de Chiriquí.
La Fundación cuenta con un acervo de obras plásticas y bibliográficas que se convertirán, en lo futuro, en un espacio museístico y que se ubicará físicamente en algún punto de Mesoamérica donde las condiciones sean ofertadas. Por lo pronto tiene su cede en David, Chiriquí.
(contributo de Manuel Montilla/Contemporary Art-Magazin)

ABNER BENAIM -UNA PALABRA-Panamà 2009

Nos encontramos defrente a una de las figuras màs representativa de la nueva expresione artistica panameña. Abner Benaim nos brinda aqui, su ultima "provocaciòn artistica", presentada en las instalaciones del "Diablo Rojo" de la Ciudad de Panamà.
Aristides Ureña Ramos
(Publicado en Contemporary Art News/magazin)
ABNER BENAIM
"UNA PALABRA"
panama 2009


“Una Palabra” explora el significado y la falta de significado que puede tener una palabra- Nuestras vidas están llenas de palabras, habladas, escritas, grabadas, pensadas; y cada una de ellas funciona como contenedor para información, emociones, memorias. Escogí una palabra común, muy utilizada en Panamá, y la objetifique. La convertí en diversos objetos, con la intención de crear un discurso en torno a esta única palabra. Por que esta palabra en particular, no se? Quizás por los motives obvios (obsesión con los temas de sexo y muerte), quizás por su rica función lingüística, sus múltiples significados, su porción de controversia, las imagines que evoca, quizás hay algo mas. Honestamente no se, todo empezó con una broma, con una amiga., y parece que nos tomaron en serio.

Siempre he sido amante de los objetos “personalizados” con nuestro nombre, quizás porque tengo un nombre que nunca he encontrado en las tiendas que venden este tipo de artículos (placas, llaveros, etc.). Tome la oportunidad para realizar una colección de tales objetos, siempre usando la misma palabra, y de este modo sacando dicha palabra de su usual contexto , y así convirtiéndola en una suerte de abstracto, de idea sin razón de ser, de mantra. Me acuerdo que de niño a veces jugaba a repetir una palabra hasta que se tornaba “rara, extraña”; la repetición automática de una palabra tiene el poder de llevarte a un lugar donde lo conocido se convierte en desconocido, y donde ya no sabes lo que crees que sabes. Este es un lugar que hoy me gusta explorar.

La técnica es mixta y se trata de “ready mades” o mejor dicho “made to order”, o sea mandados a hacer. Esta técnica o no técnica va muy bien con el tema de “Una Palabra” que en tiempos de producción en masa, de excesivos mensajes, de la inmediatez del mercadeo y publicidad, de comunicaciones impersonales entre humanos, trata de irrumpir en la mente del observador, solo a través de la des-colocación del texto, sin imagines preconcebidas, y así generar temas urgentes, íntimos, muchas veces inhibidos, provenientes de cada una de nuestras interpretaciones.

Melamed Mordahay en el Poliforum Cultural Siqueiros


Corrian los años 1990 y una joven dama, se arma de un gran coraje y con una energia, desconosidas a muchos…desafia todas las previsiones màs obscura y abrè un espacio expositivo en el interior de la republica, precisamente en Santiago de Veraguas, espacio Galeria STUDIO 54, que marco parte de la historia intelectual veraguense y del profundo Panama.
.Es asi que Zaida Gonzales Vergara aparece en el panorama artistico panameño donde es parte activa y promotora de iniciativas de gran valor intelectual..en esta ocaciòn presentò al pintor y amigo veraguense Mordahay Melamed que serà presente con una INDIVIDUAL en el Poliforum Cultural Siqueiros de Ciuda del Mexico, donde Zaida presentò, a traves del escrito que aqui publicamos a este nuevo valor de plastica Panameña.


ARISTIDES UREÑA RAMOS
Florencia/ITALIA febrero 2009



"PURA INSPIRACIÓN TROPICAL"

MELAMED MORDAHAY
Poliforum Cultural Siqueiros

Ciudad de Mexico


Por: Zaida González Vergara
Galería Studio 54
Octubre, 2008





Los latinos llevamos el trópico por dentro, calibramos con infinita sabiduría la variedad cromática de los verdes de nuestros bosques, los rojos del sol tropical y los ocres inmersos en nuestras fértiles tierras y estos son solo una muestra del poder que ejerce nuestra vista ante el espectro de colores tropicales. Esta poderosa influencia ejercida sobre el manejo de los colores calidos hacen homenaje a nuestra sangre latina y se combinan a la perfección con un elemento característico, como lo es nuestra naturaleza representada por la simplicidad y a la vez la magnificencia de las flores, tomadas prestadas para que adornen y enmarquen el tercer elemento inmerso en estas composiciones: La mujer – la dama – la musa latina, frescas representaciones llenas de alegría y misterio, sorpresa e ironía, inocencia y nostalgia, y por que no belleza salvaje y pura. Y que es todo esto sino la niña – mujer bañada por los rayos del sol ardiente que tanto nos inspira, sus pieles canela, sus miradas dulces y soñadoras, sus labios expresivos y sus gestos adornados, como queriendo invitarnos a compartir con ellas dentro de la armonía creada.



Mujer protagonista e inspiradora, de actitudes sosegadas, tranquilas, relajadas. Mujeres distantes, taciturnas, divagantes, ensimismadas, en un estado de abandono exterior, cargadas con algún elemento simbólico que envuelve el mito femenino: sensualidad, erotismo y picardía. Esto se evidencia en las miradas adormecidas, en los rostros inclinados, sumergidas en un ambiente de paz interior imperturbable.

La suma máxima de la magia del color tropical, ricamente plasmado sobre papel Manila / estraza, donde se fusionan acertadamente el pastel seco, lápiz y destellos en pastel óleo; todo esto, junto con la estilización del dibujo, busca la idealización de la figura femenina, confiriéndole una majestuosidad inigualable en un recorrido que deleita al espectador y que le propone intervenir de manera abierta con sus emociones, sus sentidos y su interpretación; creando un equilibrio entre lo propuesto y el observador que es para quien finalmente se concibe la obra.


Un sincero agradeciento a Mordahay y a Zaida por su gentil coolaboracion.

JOSIANE BORNEO/ "Los nidos" CONNOTACIONES CONTEMPORANEAS

JOSIANE BORNEO
MUSEO ANTROPOLOGICO REINA TORRES DE ARAUZ
OCTUBRE 2008
Encontrar personalidades, que a traves de sus trabajos estimulen la parte inactiva de nuestro "entender el arte", es dificil...y cuando esto sucede, se activan en nosotro, aquella curiosidad, que poniendo en juego nuestras certezas, nos acercan a los valores del pensamiento artistico contemporaneo.
La artista Brasileña residente en Panamà Josiane Bornéo, en el TEXTO gentilmente mandado y que a continuacion publicamos, nos presenta sus concideraciones sobre lo contemporaneo y la metologia para cumplir con su PROYECTO ARTISTICO,


ARISTIDE UREÑA RAMOS
-florencia-Italia 2008-








CONTEMPORARY ARTNEWS MAGAZIN

Nidos


de Josiane Bornèo


Las estructuras e instalaciones “nidos” son objetos de arte de connotaciones contemporáneas y pertenecen a una serie de trabajos concluidos en el período de 2005-2007, que fueron así nombrados por congregar características constructivas semejantes a la de los diferentes tipos de nidos identificados en la naturaleza y por relacionarse metafóricamente con las nociones que tenemos de calor y protección del hogar primordial, aquél que podríamos identificar aún en el vientre materno, cargado de atavismos.

Ellos fueron construidos durante un proceso académico y poseen referencias antropológicas que rescatan gestos primarios, y también psicológicas, una vez que establecen relaciones con la construcción del pensamiento, que según la teoría Lacaniana, que plantea el modo como todos absorbemos del entorno en la construcción de la memoria inconsciente, recuperamos para transformar conceptos en lenguaje.

Estos “nidos” están confeccionados principalmente con tejidos, ropas o tramas sobre madera, con parafina y también con otros materiales desechados, de variada procedencia. La técnica utilizada fue la del Assemblage, que popularizado por el movimiento POP, permite la reutilización y reubicación de cualquier objeto producido en el proceso de industrialización.

Pero indudablemente el elemento material más fuerte en esos trabajos son las ropas que actúan en representación de la dicotomía presencia/ausencia del cuerpo (Merleau-Ponty), a veces mostradas en piezas enteras o torcidas, amarradas y rotas, generando interesantes figuras a partir de la sucesión de nudos o secuencias de puntos y pliegues, a veces insinuadas u ocultas en la trama y sustentación de los objetos.



Las ropas rescatan colores, texturas, formas y diseños que ubican cada nido en un contexto específico y los caracterizan de un cierto barroquismo que acaba por generar una intimidad mayor con las piezas y relacionarlas con nuestra latinidad; y son casi totalmente responsables por el resultado de esta propuesta creativa que, preocupada en profundizar las relaciones entre artista-obra-espectador, acaba tejiendo y cosiendo un complejo conjunto de ideas.

La incursión espacial siempre ha sido importante en nuestro parámetros creativos, bien como la relación entre producción artística y el rescate cultural a través de un código simbólico, pero en este trabajo fueron los huevos los primeros elementos a aparecer de manera sistemática en dibujos y pinturas antes de que los nidos ganaran su debida importancia o realmente conformasen un proceso.

Los huevos ocupan los nidos y se presentan en diferentes formatos y estilos funcionando como elementos celulares, como habitantes que ora cargan el secreto del origen, ora de la continuidad del proceso. Pueden estar hechos con parafina y pequeños objetos, o con telas u otros elementos de variada procedencia, y definitivamente están cargados de sus propias informaciones visuales, lo que conlleva a una variedad formal muy específica a cada nido, que parece haber sido construido a partir de un si mismo, de un cuerpo, de un instante o vida propia.

Si agregamos a eso la representación de las nociones de tiempo en la tradición femenina de tejer y la fuerza de los mitos en el imaginario colectivo percibiremos entonces que la intrincada trama de resultados que permea cada objeto en realidad no tiene nada de gratuita u ocasional y quizás, a partir de esas conclusiones podamos acercarnos a estas estructuras e instalaciones a través de una área de la sensibilidad ya casi olvidada en la actualidad debido a las exigencias de velocidad en nuestra percepción: el instintivo tacto visual.

Josiane Bornéo Panamà-2008

Alemania/ Performances "Banana Republik"


Region Vogelsberg Touristik GmbH
Vogelsbergstr.
137a63679 Hessen- Schotten
-Alemania-

Hessen- Alemania 23 de Julio presentacion del Performance's BANANA REPUBLIK ("voces de la periferias") del artista Latinoamericano:

ARISTIDES UREÑA RAMOS
(videos, performances y intervento urbano)

23, 24, 25 julio
desde las 18,30 -22,30
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*--Interesante trabajo el del Paño Mural realizado para el Municipio de Santiago de Veraguas..para observar este interesante y magestuoso trabajo basta clicar aqui:
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**--Como también les aconsejamos la entrevista sobre la situaciòn cultural de Panamà en el 2007, hecha al artista Aristides Ureña Ramos, entrevista de no perder por su enfoque polemico.
Clicando aqui podras apreciar la entrevista:
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Periferias en Comunicaciòn un Proyecto de Aristides Ureña Ramos

CIRCULO DELLE VIE NUOVE
vialle Giannotti, 2/3a
Florencia-Italia El Proyecto "VOCES DE PERIFERIAS" de ARISTIDES UREÑA RAMOS. se hace realidad atravez de un nuevo programa:
(El artista Aristides Ureña Ramos curador del proyecto trabaja juntos a los artista de la calle)

"Dialogo entre las Periferias" PERFORMANCES de grafitos. 6 street writers invitado provocatoriamente por el artista-curador Aristides Ureña Ramos ejecutaran bajo la tecnica del SpaycamArt y del AerosolArt un MURO colocado en la instalaciones del Cirulo Cultural.Los artista proveniente de toda Italia que coolaboraran en el evento son:

PLATS
FORMA
ZED1
MIGNOLO
SWAN
STYLE1

Street writers ya conocidos por las cronacas y sus aportes clandestinos a tal expresiòn.

Domingo 27 de julio 2008
horas 15,30
CIRCULO DELLE VIE NUEVE
vialle Giannotti, 2/3a


ARISTIDES expone en la Expo colectiva "COLORES LATINO"en BELGICA

GEMEENSCHAPSCENTRUM 'T GASTHUIS
TURNHOUTSEBAAN- WIJNEGEM
"cOloRes Latinos"
2008




Manuel Montilla Sobre la Situacion Cultural en Chiriqui Panamà

Es con gran placer que sedò la pluma, aun gran amigo, artista reconocido y serio protagonista de la cultura interiorana MANUEL MONTILLA, que desde su “Republica Chiricana” nos invita a acompañarlo en sus atentas refexiones sobre la situacion cultural de su regiòn.
MANUEL MONTILLA para los “Informados”, es un artista, que ha marcado pausas inportante dentro de la Pintura Panameña, dotado de grande genialidad ha sabido construir atravez de sus continuos proyectos, una vigorosa atenciòn, que le ha permitido desarrollar, allà en los extremos confine de la naciòn, una realidad vital y digna de apreciar.

Aristides Ureña Ramos

Manuel Montilla


CONTEMPORARY ART NEWS MAGAZIN

BREVIARIO DEL ARTE EN CHIRIQUÍ
Texto: Manuel E. Montilla


CHIRIQUÏ, que en lengua aborigen significa VALLE DE LA LUNA, se ubica en la región sur-occidente de la República de Panamá, su capital es la ciudad de David; cuenta con, aproximadamente, 450,000 habitantes, en una superficie de 8,653 km2 .. Es tierra de grandes contrastes, desde extensas llanuras de caudalosos ríos, con un amplio litoral costero, de esplendidas islas y abundante vida marina, a las tierras altas, de origen volcánico, donde sobresale el punto geodésico más alto de Panamá, el Volcán Barú con sus 3475 metros de altura, aunado a otras elevaciones de la Cordillera Central ( Cerro Picacho, 2874 metros; Cerro Santiago, 2826 metros; Cerro Pando 2468 metros ), lo que brinda una inusual variedad de microclimas. De tal suerte, la diversidad de flora y fauna es prodigiosa; presentando gran amplitud para la producción de la industria agropecuaria, lo que ha demarcado la vida, procesos culturales y proyección socio-política del antiguo asentamiento de naciones como los Ngobes, los Doraces, los Zurias, y otras etnias prehispánicas.
PANAMÄ, paso obligado, desde siempre, para las migraciones y éxodos, tanto del sur como del norte, recoge en su seno las aportaciones de pueblos y hombres en tránsito. La rica y variada cerámica precolombina de Coclé, la escultura y cestería del Darién, los mitos, tradiciones y aportes estéticos plasmados en las MOLAS de los Dules ( en Kuna Yala ), proyectan su epígono en las tierras chiricanas con sus monolitos de Barriles y su extensa profusión de PETROGLIFOS ( de 44 sitios en el Istmo, en Chiriquí se localizan 26 ). La exhuberancia de su naturaleza se aúna a la cordialidad, sencillez y empatía de sus habitantes.
CHIRIQUÏ es tierra de poetas, hombres y mujeres que hacen de la palabra una fuente cromática de sentimientos donde abrevan, a uno, el hombre cotidiano, su entorno, su imaginación y las Musas. Nombres destacados en la construcción del verbo como Dimas Lidio Pitty, José Guillermo Ros-Zanet, Elsie Alvarado de Ricord (+), Matilde Real de González, Rosa Elvira Alvarez (+), Sidya Candanedo de Zuñiga, entre una pléyade heterogénea, conforman con donosura, desde el Valle de la Luna, el Parnaso Lírico del Istmo; expresando la prodigalidad y profunda raíz sensorial que, hablando en voz actual, nos remite al intenso sentimiento ancestral del nacimiento de la entidad humana, de su encuentro con una naturaleza desorbitada, salvaje y grandiosa, y del develamiento de su propia inserción como elemento transmutador. El estupor ante lo inconmensurable, el cataclismo interior y la conformación de los códigos de comunicación como basamento de la concreción del mundo, entidad e identidad, del ser humano.
En las Artes Visuales, desde finales del siglo XIX y principios del XX se convocan diversidad de elementos que permiten un desarrollo paulatino, como corresponde a una sociedad rural, de forma que siempre ha habido una inquieta corriente, algunas veces con mayor relieve y otras soterrada, que incita la óptica del chiricano. Es así como nombres como ALBERTO FRANCO (1878 – 1910), IDA BELLI (1876 – 1922), HËCTOR AGUSTÏN FALCÖN (1904 – 1946), se presentan como los forjadores en pintura. En fotografía es necesario citar como pionero al Dr. MAXIMILIANO MULLER DEPUY (alemán establecido en la ciudad de David en la segunda mitad del siglo XIX) y a ENRIQUE JAQUILLON VIAL, quien realiza retratos iluminados de singular hermosura y depurada técnica en las primeras décadas del XX .
Posteriormente vendrán figuras como TOMÄS CABAL Y BARROS (1897 – 1966), ROSITA LOWLER DE ARAÜZ ( ¿ - ? ), DIÓSCORO BRUGIATI MUSI (1893 – 1977), el escultor SIMÓN ESTEBAN MEDINA FERNÁNDEZ (1912 – 1984), ITALO BRUGIATI PAREDES (1917 – 2002),
El historiador Dr, Mario José Molina Castillo anota en su tesis de graduación (1990): “Si hacemos una correlación con la producción artística de la ciudad de Panamá y la de esta provincia, podemos concluir que a pesar de que en Chiriquí no hubo academias de arte hasta la década de 1950, hubo cultivadores de las manifestaciones pictóricas y artísticas, así como algunos talleres de arte. Sin embargo, el desarrollo del arte pictórico en Chiriquí se debió principalmente a la llegada de algunos artistas inmigrantes o itinerantes, quienes han dejado en el medio sustanciales huellas y herencia artística.”
Continua un periodo de gran actividad donde surgen figuras como MARCO ERNESTO GOMEZJURADO (1923 – 1985), ANIBAL VARCA (1925 – 1987), AGILIO FORTUNATO MIRANDA SAMUDIO (Dr. NATO), quien reside actualmente en los Estados Unidos, y se conforman las primeras academias. Como bien ha anotado el Dr. Molina, muchos de los artistas mencionados no vieron la luz primera en suelo chiricano, no obstante todos se integraron al medio y contribuyeron a forjar el basamento estético de este lar.
Recién entrada la segunda mitad del siglo XX, surgen a la palestra nacional los dos Grandes Maestros con que Chiriquí ha contribuido al Arte Panameño; EUDORO (LOLO) SILVERA (David,1916) y GUILLERMO TRUJILLO (Horconcitos,1927). Con personalidades diferentes, ambos se han caracterizado por su versatilidad, carácter investigativo y amplísima cultura. Ambos han afincado sus vidas y desarrollado su trabajo en la ciudad de Panamá.
EUDORO SILVERA, es un verdadero hombre de Renacimiento, pintor, escritor, músico, periodista, maestro de Belle Canto, traductor, creador de la caricatura política en Panamá, ha sus 92 años continua pintando con el vigor y la pasión de un demiurgo. Estudia dibujo de la mano del Maestro Roberto Lewis, en Panamá; en la Cooper Union de Nueva York se especializa en pintura; en la Juilliard School of Music adquiere un título en canto de “lieder”. En 1962, becado por el Gobierno Federal de Alemania, estudia grabado y litografía en la Academia de Artes Plásticas de Munich.
El arquitecto Erik Wolfschoon anota: ” Silvera comparte la actitud de Tamayo y Lam, que es – o fue en algún momento – la de Torres-García, Pettoruti y Matta. La primera obra que expone en Panamá, luego de extensos estudios en Nueva York, es el fruto de una exploración, intensa y concentrada, sobre la posibilidad de un lenguaje artístico panameño, pero también universal. Piñas, mangos y cocos son, antes que nada, objetos corpóreos susceptibles de una síntesis estructural. En este proceso se ensayan las más diversas permutaciones plásticas, pero sin perder nunca el camino que conduce de vuelta a las cosas tangibles; es más, hasta pudiera afirmarse que se incrementa el sentido de la realidad natural.” – agregando – “ El más clásico de nuestros artistas contemporáneos, es asimismo, a quien corresponde orientar y vitalizar la tradición moderna.”
La pintura de SILVERA es un mar embravecido, con profundas oscuridades, donde la luz incide sorpresiva y demarca esas regiones íntimas, marcadas en el espejo, que encontramos en estupor permanente, en devastación perpetua. No obstante, en algún recodo visual pernocta la esperanza, se agazapa la ilusión. Es la magia bizarra que nos permite regresar a nuestro Edén personal o a nuestro infierno eterno. Ni Dios puede librarnos, ni nosotros queremos salvarnos.
GUILLERMO TRUJILLO, pintor, grabador, dibujante, escultor, ceramista, diseñador de tapices. De profunda percepción, su obra de enorme riqueza formal y conceptual se ha desarrollado, siempre, en la búsqueda totalizadora hacia una amalgama de imbricaciones que aúnan modernidad y ancestrales mitos, el color y la textura con una penetrante visión histórica, la pasión del trópico con una naturaleza humana bestial e ingenua.
TRUJILLO, se recibe de arquitecto en la Universidad de Panamá; va a España, con una beca, estudiando pintura en la Academia de San Fernando; asiste a la Escuela de Cerámica de Moncloa y a la Escuela Superior de Arquitectura. Retorna a su patria y enseña en la Universidad de Panamá, donde funda y dirige el Taller de Cerámica Las Guabas.
El profesor Pedro Luís Prados se refiere al Maestro TRUJILLO: “…se impone la tarea de caracterizar una pintura que recoja los elementos esenciales de nuestra idiosincrasia, sin perder en ello los conceptos universales del arte.” – “La obra de Guillermo Trujillo puede ser considerada la más amplia totalización de la plástica nacional. Polifacética y polisémica, su producción registra las más variadas incursiones en técnicas, estilos y temas, procurando siempre el logro de un lenguaje personal y diferente.” – agregando a renglón seguido – “Matizados por el humor y la ironía, sus personajes recorren un mundo fantástico, extraído de las raigambres americanas. Danzantes eróticos, levitadores concupiscentes, madonnas impúdicas, se pasean en sus lienzos acompañados de espantos y bestias que participan de una permanente ordalía de luz y color. Imágenes y colores que recrean la intensidad del trópico y la pasión por la naturaleza…” – “En sus obras se recrea un bestiario divertido y lúdico, cuyos significados íntimos sólo pueden ser encontrados en la misma naturaleza del hombre.”
En este breve pantallazo al arte chiricano no podemos dejar de mencionar la obra e influencia de ADRIANO HERRERABARRÍA (1928); artista veragüense, director por muchos años de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), bajo cuya égida se crearon, en los setentas, las primeras Escuelas de Arte estatales del interior del país (Chitré, Santiago, David), HERRERABARRÍA, de vida y obra un contestatario permanente resume su ideario en la frase: “El arte es algo demasiado personal y poderoso; un pintor debe creer en sí mismo y permanecer fiel a su visión, no importa lo que diga el mundo.”
Joaquín Beleño, hombre de letras y periodista, escribe de HERRERABARRÏA: “Expresa la angustia de su civilización deficientemente desarrollada, y denuncia sus usufructuarios simbolizados en los típicos personajes de estructura feudal: traficantes de almas y armas, políticos corruptos, brujos, farsantes y toda la farándula de explotadores sociales en los diferentes niveles de la sociedad. Esos son los entes de pesadillas que yo veo en la obra de Herrerabarría, cuyo mensaje social es la denuncia que pronostica la esperanza de un futuro mejor para el desposeído.”
HERRERABARRÍA, su vida, su obra y, sobre todo, su postura beligerante como artista independiente y desafecto al mundillo de galerías y críticos perdularios caló profundo en sus alumnos del Valle de la Luna. Hoy, ya retirado de muchas actividades, sigue siendo un referente obligado cuando se habla de un artista honesto, investigativo y de un maestro consagrado.
En los actuales momentos las artes plásticas en Chiriquí son una fuerza en crecimiento constante; con gran diversidad de tendencias y estilos, lo cual es su logro de mayor significación. Destacaremos de inicio tres nombres que, por razones puntuales, consideramos especiales dentro del conglomerado artístico.
SILFRIDO IBARRA RIOS (1959), la figura más destacada desde el punto de vista de la proyección como nombre para galerías, que despunta en rango internacional con próximas exposiciones en Estados Unidos. Su obra ha tenido una maduración sostenida, arrancando de un expresionismo social, pasando por una fase metafísica noctívaga, hasta sus paisajes actuales donde tiempo y naturaleza se imbrican en una conjunción denotativa de síntesis, silencio y prístino cromatismo. Vive en la ciudad de Panamá.
MIGUEL ÁNGEL MORALES (1946), residente en el extranjero por muchos años, donde ha encontrado cabida por su persistencia, colorido y un oficio que se depura en tono mayor. De su hacer anotamos unos inicios próximos al primitivismo contextual y que, habiendo ganado en profundidad, se aproxima a una especie de realismo mágico decodificado a vivencial. Sus modelos son los negros istmeños con su desborde de color, fiesta y alegria, pero que, con un profundo valor interior, enfrentan lo cotidiano.
LUIS TREVILLE LATOUCHE (1945), artista sin parangón, poeta insensato, pintor inclasificable, investigador científico indócil, periodista de medios alternativos, político autárquico, deportista apodíctico, historiador insurrecto, novelista, editor, asceta, extraterrestre, radiodifusor, misógino, autodidacta, inductivo, fetichista, coleccionista de piedras, paradigmático, apóstata, emprendedor, nihilista, solitario, pródigo, desvergonzado, indómito, gamberro, orgánico, existencial, astronauta, hombre integro.
El panorama es interesante y promisorio; a mediados de los setenta se instaura la Escuela de Bellas Artes y de sus frutos podemos anotar nombres, ya establecidos, como: VIRGILIO CASTILLO, ALFREDO AUGUSTO CASTILLO (ALAUCA), EDWIN MIRANDA, DIANA BRUGIATI, NORA INÉS PALMA TAYLOR, JULIO REYES, ALFONSO CABALLERO FLORES, MARISOL DE OBALDÍA, VICTOR AGUIRRE (CHIRÚ), FRANCISCO SANTAMARÍA, ONILDA GUERRA DE ESTRADA, JORGE ARAÚZ, ROGER VALDÉS, BENEDICTO ATENCIO, JOSÉ ABDIEL PITTY DEL CID y los, ahora, docentes de su Alma Mater: ALEX QUIEL, IRVING TROYA GONZÁLEZ, DIONY ROJAS.
Próximos en lo temporal, pero con otro bagaje didáctico, tenemos a MIGDELIA ACOSTA LEDEZMA, JOSÉ INOCENTE DUARTE, YUN FUENTES, DIDACIO DE LEÓN, MARIELA AROSEMENA, YOLANDA BERÓN, LORENZA DIAZ PHILIPP, PABLO SILGADO, EMÉRITA FLAUZÍN, CARMEN GUARDIA, CYNTHIA FREIBURGHAUS, LUIS JIMÉNEZ, TERESO DUARTE, ROLANDO MOJICA, HÉCTOR SELÍN GUEVARA, GERTRUDIS DE GOMEZJURADO, WILFRIDO QUIROZ, JOSÉ DE LA CRUZ GONZÁLEZ (ARTE CRUZ).
Algunos han desaparecido prematuramente, pero sembraron su aportación: VERÍSIMO CASTILLO (VERO) – (1945 – 1995), LUIS ENRIQUE MIRANDA (KIKO) – (1952 – 2002), EYDA MARIELA BONILLA DE OSORIO – (1942 – 1993), JORGE GONZÁLEZ DE OBALDÍA (NAIZUIT), FREDERMAN ESTRADA (FREDY).
En las promociones más recientes no podríamos dejar de anotar nombres como: OSMAN SAMUDIO, FRANKLIN RODRÍGUEZ, ELIECER REYES ARANA, ARIANELA ACOSTA SANTAMARÍA, ZULEIKA LEZCANO, PORFIRIO SANJUR, VIRGINIA DE PITTY, EFRAÍN MORALES, LIZBETH DIAZ.
En cuanto a los espacios de exhibición, los establecidos, son regentados por artistas; así tenemos: ANGELY’S Gallery (Víctor Aguirre – Chirú), ARTE MODERNO (Arianela Acosta), Galería EL TUCAN (Luis Treville Latouche), Las GARZAS Gallery ( Yun Fuentes), Atelier YOLANDA (Yolanda Berón), Estudio MONTILLA (Manuel E. Montilla); en Boquete se cuenta con la Galería de Arte ART CAFÉ de Danielle Czikan.
La PINACOTECA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CHIRIQUÍ, es la organización, sin fines de lucro y con Personería Jurídica, que aglutina a los artistas de la provincia, organiza muestras, motiva relaciones internacionales, presenta talleres y conferencias.
La CASA DE LAS ARTES Y LA TECNOLOGÍA ZENAIDA MORENO DE CHÁVEZ (CATZE), es un centro difusor y propulsor de cultura. En este sentido, cuenta con un amplio programa de acciones culturales durante todo el año, tanto regionales, nacionales y extrafronteras. En asocio con Galería ANDRÓMEDA, de Costa Rica, acaba de presentar una muestra serigráfica del renombrado artista FABIO HERRERA.
MUSEO Y ANTIGUEDADES LA CASONA, es un esfuerzo del historiador Dr. Mario José Molina Castillo, donde se conserva una memoria activa de los patricios, la arquitectura, utensilios, tecnología, usos y costumbres del Chiriquí de ayer.
Fundación para las Artes MONTILLA e HIJOS, es una colección de arte panameño e internacional y una biblioteca especializada que se pretende institucionalizar como un legado a Mesoamérica.
Pasaje SENDERO LOS QUETZALES – Crónicas, es un espacio polivalente que auspicia la Universidad Tecnológica OTEIMA para la memoria de las luchas ambientalistas y presentar manifestaciones diversas de la cultura. Será inaugurado en fecha próxima.
Chiriquí cuenta con tres instalaciones museísticas estatales, el Museo de Historia y de Arte José de Obaldía (David), cerrado actualmente por restauraciones, el Museo Etnográfico Don Julio Gómez Ruiz (San Pablo Nuevo) y el Sitio de Petroglifos de Nancito (Nancito). Como esfuerzos privados anotaremos al Sitio de Petroglifos de Barriles (Volcán), Museo Argessian (Armuelles), Museo Religioso (Remedios), Museo de las Piedras (David), Casa Museo Infoplaza (Potrerillos Arriba).
Desde la cumbre majestuosa del indómito Volcán BARÜ, en los días despejados, y sin nubosidades, del verano, se divisan, simultáneamente, las aguas turquesas del Océano Atlántico y las lapislázuli del Océano Pacífico; espectáculo único que nos devela, sin ambages, lo extraordinario de esta tierra prodigiosa, que exhibe con orgullo su más preciado bien; su gente.
De igual, el arte chiricano mira en conjunción, y aprende, de todo lo que pasa en el exterior, sin menoscabo de encontrarse así mismo y de acrisolar lo mejor de todos los mundos disponibles.
Y que la palabra poética de nuestro aeda Dimas Lidio Pitty cierre este breve, incompleto y parcial recorrido por las expresiones de las artes plásticas del Valle de la Luna: CUENTO (Fina como una aguja / fuerte como una espada – Paul Eluard) Era un pueblo sin brújula / ni estrella / Un pueblo de pequeños / hombres / de pequeñas casas / de pequeños ríos / y horas / y madres / y cosechas mínimas / Está escrito / Era débil / de pequeña vida / y cielo pequeño / Era un pueblo diminuto / pero sus héroes / más grandes que el olvido.


Mayo de 2008
David, Chiriqui, Panamà

REFLEXIONES SOBRE ARCO 08 por Cristina Ordòñez Paredes

La redaccion de CONTEMPORARY ART NEWS-Magazin invitò a la pintora panameña CRISTINA ORDOÑEZ PAREDES, estudiante de la Universidad Complutense de Madrid, a proponernos su personal visiòn sobre la gran muestra Madrileña ARCO 08... Cristina nos brinda atravez de su articulo, la posibilidad de admirar y reflexionar sobr el momento actual en las Artes Contemporaneas.
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ARCO 2008/ MADRID
por CRISTINA ORDOÑEZ PAREDES
ARCO 08 se celebró del 13 al 18 de febrero. Al igual que el año anterior, todos esperábamos esta cita con ansia. La realización de la feria había estado rodeada de polémica ya que el comité de selección excluyó a 30 galerías españolas con una tradición de participación en ediciones anteriores, con la afirmación de la directora de la feria de que “los criterios de selección han sido los mismos en los últimos 27 años”, aludiendo a una estricta cuestión de oferta y demanda la necesidad de rechazar las solicitudes recibidas. Esta edición, se aumentó el número de galerías extranjeras, y el país invitado fue Brasil. En lo personal, el hecho de que fuese Brasil, uno de los países latinoamericanos con más tradición artística, el invitado de este año me llenaba de expectación.

Es así como nos adentramos a recorrer el espacio de miles de metros cuadrados que comprende el IFEMA, recinto ferial de Madrid, para ver las nuevas tendencias presentadas por las galerías de todos los extremos del mundo. Resultó un poco decepcionante constatar que estaban en exhibición las mismas galerías, incluso con las mismas obras de la edición anterior. Así pues seguíamos recorriendo la feria en busca de propuestas innovadores, y fue nuestra desilusión el constatar que este año la mayoría de las galerías habían apostado por exponer aquellas obras de artistas reconocidos que no representan propuestas trasgresoras. Eran pocas las excepciones de esta situación. A medida que seguíamos caminando y observando, la mente y la vista se iban saturando más y más, y se volvía difícil apreciar una buena propuesta cuando estábamos frente a ella. Y lo peor: era difícil hacer una valoración profunda de su contexto y significado.









No obstante quiero mencionar aquí que dentro de esas excepciones, había una instalación con gatos disecados de Jan Fabre, que mezclaba elementos tridimensionales que llenaban el espacio, espejos que hacían que el espectador fuera parte de la obra, y como punto muy innovador mezclaba chirridos emitidos por los gatos al desplazarse. A todos, nos afectó de forma positiva o negativa esta obra que sí que representa el camino por donde va el arte ahora, y por donde seguirá transitando en los años siguientes.


Me parece importante señalar la responsabilidad que tiene este tipo de eventos, a los que acuden instituciones y coleccionistas a comprar obras de arte, más aún porque marcan una pauta para aquellos artistas emergentes que buscan insertarse en un mercado que en la edición pasada al igual que esta, movió más de 20 millones de euros en cinco días.

Como mentes en aprendizaje los estudiantes de bellas artes tenemos que tener un criterio férreo para no dejarnos llevar por la tentación de cambiar nuestros lineamientos, para producir un arte fácil, avalado por un discurso, a veces, poco creíble.


Ejemplo concreto de esto era una instalación: “Contenido neto”, de Benjamín Torres, que causó mucho revuelo: consistía en envases de diversos productos de consumo casero que se compran en el supermercado, realizados en moldes de escayola. El artista le daba la posibilidad al público de comprar los envases hechos en escayola por separado, por 25 euros, o de comprar la instalación completa. Por supuesto, los pequeños coleccionistas, hacían colas kilométricas para comprar los envases por separado. Y, ¿qué es un molde de escayola en la vitrina de una casa, si no está envuelto por un contexto que lo avale? Recordemos aquí la importancia del contexto dentro del arte contemporáneo. Por esta razón obras como esta nos dan la impresión de que algunos artistas ya consagrados, se burlan de un mercado integrado a veces por personas que no saben muy bien cuáles son las reglas del juego.




Mencioné antes la expectación que me produjo el hecho de que fuese Brasil el país invitado. Tengo que reconocer que el conjunto de galerías brasileñas no me decepcionó y fue de mi agrado ver una propuesta tanto pictórica como fotográfica muy sólida por parte de los artistas de este país. Que demostraron así que lo que importa en estos tiempos de globalización es tener una identidad propia bien desarrollada y seguir sin intentar adelantarse, la evolución propia de cada identidad cultural. En contraposición a ese comportamiento, vimos algunas manifestaciones aberrantes, que demeritaban el trabajo del conjunto de los artistas brasileños y del arte contemporáneo en general. Ejemplo de esto era un reportaje fotográfico de Rodrigo Braga sobre una operación realizada a un perro muerto, en la que el artista le quitaba la piel que recubría sus ojos y el hocico; una vez hecho esto proseguía a coser esos elementos a manera de máscara en su propia cara. A nuestro juicio eso no tiene nada de artístico y es incluso condenable. Es ese el tipo de manifestación que un público sin criterio cree que es arte contemporáneo.

Por último quiero mencionar aquí, que es importante tener un criterio muy sólido a la hora de ver arte contemporáneo, ya sea en instituciones consagradas, o en ferias internacionales como ARCO. A diferencia de otras épocas dentro de la evolución artística, somos nosotros ahora los que escribimos la historia de esta época. Los retos que se nos presentan no son fáciles y a mi juicio han sido pobremente abordados por los creadores contemporáneos. En nuestra época se nos plantea el reto de conjugar los nuevos soportes tecnológicos a unas formas de expresión tradicionales, como es la pintura, la escultura y la fotografía. Hoy en día muchas veces la alta cultura se mezcla con la cultura de masas, y el diseño y la publicidad pasan a formar parte de nuestro patrimonio cultural. Los soportes ahora son infinitos, pero hay muchos de nosotros que sentimos nostalgia por las formas tradicionales de expresión. Se nos plantea el reto de reintegrarlas, y de nutrirlas con todas las posibilidades que nos ofrece un mundo cada vez más intercomunicado, donde la máquina y el hombre ahora son uno.

A los artistas emergentes como yo, les digo, que hay que seguir en el camino de una investigación seria, porque para realizar cambios, para transgredir hace falta conocer la historia del arte, y no caer en el error de creer que hemos descubierto la pólvora. La libertad de la que gozamos hoy nos da la posibilidad de utilizar nuestro arte como un lenguaje universal en el que llamemos a la reflexión. Debemos despertar del letargo en el que nos encontramos, y dejar de ser esclavos del mercado. Recordemos, somos nosotros los que debemos marcar la pauta de lo que se crea, no la oferta y la demanda. Porque a fin de cuentas, el arte es un reflejo de lo que somos y de la sociedad de la que formamos parte.







Cristina Ordóñez Paredes, estudiante de la Universidad Complutense de Madrid. 1 de marzo de 2008 (www.cordonez.blogspot.com)







REY ANTONIO AGUDO al MUSEO REGIONAL de Santiago de Veraguas

MUSEO REGIONAL

Santiago de Veraguas-Panamà
Presenta:
" Los sonidos cromaticos de la irrelacion en los tiempos"

Del artista
REY ANTONIO AGUDO

Desde el 15 de mayo del 2008




-Presentacion critica por ARISTIDES UREÑA RAMOS


-Era la segunda mitad de los años 60 en el barrio de Alto Alfaro de las ciudad de Santiago de Veraguas, momentos de infancia y de amenos correríos por el barrio acompañaban nuestras horas, entre los compañeros de aventura, se encontraba un niño de menos edad a la nuestra, silencioso y brillante observador…..que en mis pausas de retiro, donde el deleite del dibujo de la tempera y de los lápices a pasteles se encontraba sentado en silencio, acompañándome en las lecciones de pintura que Mamà Xenia me impartía, ese niño era Rey Antonio Agudo.
Su presencia no era casual, ya que por voluntad materna Rey Antonio estaba asíduamente invitado, ya que en aquel niño silencioso y observador mi madre había percibido el potencial creativo inerte presente en èl.
Las horas pasadas en el ejercicio del dibujo y pintura, se pierden en mi memoria, como los recuerdos de las inumerables cartulinas y cartones trabajadas - recuerdo en Rey Antonio el frenesí casi competitivo en realizar la mayor cantidad de dibujo, el viaje sin regreso que cabalga la fantasía y la capaz mano que a través del trazo representaba la realidad......(aristides ureña ramos)


Rey Antonio Agudo y Aristides Ureña Ramos

(Foto cortesia de ahora 2mil-Photo & Disign de Stgo)


En mis visitas a museos y galerías Contemporaneas he notado que una característica que denota a los verdadero artista es cuando la obra se mezcla en un bloque único al mismo artista, evento poco común y raro de encontrar. La originalidad de este evento, se manifiesta en una extraordinaria “comunión de intento” donde el personaje pertenece a su obra y viceversa, por estos motivos encontrándonos de frente a este hecho, la percepción de excepcionalidad enciende en nosotros la participaciòn y aprobación expontanea que rompe cada esquema pre ordenado, llevándonos a solidarizarnos con el personaje y su obra.
El profundo Panamà, aquel Panama escondido y interiorano, produce personajes bizarros fruto de las contradicciones del devenir incontrolado del desarrollo de nuestras comunidades, es aquí en este presente, donde encuentran cabida aquellas generosas figuras que a través de sus expresiones gritan al vacío del abandonado y del reconocimiento, dejando a través de sus estupendas obras las huellas de su inmensurada creatividad.
Son muchos los motivos que nos hacen afirmar que, cuando distraídamente sembramos la semilla de la demencia en el terreno de las Artes se recogen frutos inesperados, incontrolables y fuera de los esquemas establecidos; porque esta acción delirante es un componente del proceso creativo, no hay condicionamiento ni frenos inhibitorios en el acto creativo y la pureza de esta condición fortalece la divina práctica llamada inspiraciòn. Por estos motivos, existen personas que se encuentran cercanas del proceso creativo y otros que viven al interno de este proceso, siendos estos ultimos pocos afortunados hijos de la MUSA de la creación dotados de capacidad inventivas fuera de lo normal. A estos van el reconocimento inequívoco de sus expresiones en las Artes.

El Arte: El Arte es la expresión más íntima de los seres humanos y representa bajo su elaboración, la sublime síntesis del intelecto a través de percepciones olfativas, visivas, sonoras y gustativas. A través de la elaboración mental de los recuerdos, de lo onírico, de lo ancestral, de los instintos primordiales remotos, se proyecta a través del artista, originando un trabajo que busca verificar en lo cotidiano o en el contexto social. Es por esto que las Artes han Documentado y Testimoniado los distintos periodos de la Humanidad, como también la riqueza de su diversidad.

Bajo esta luz, va leída la invitación que REY ANTONIO AGUDO nos hace para que participemos y compartamos la presentación de su exposición: "Los sonidos cromáticos de la irrelación en los tiempos", fruto de fiera tenacidad y dura labor de un artista que no necesita indicar en su biografía el elenco de MAESTROS enseñantes, ni de Escuela o Academia de renombradas famas, ya que Rey Antonio es poseedor del bien màs difícil de alcanzar para un Artista la comunión del ARTISTA (personaje) con la CREACION (la obra).
Curiosiando entre las obras que serán presentadas en la Muestra del 15 de Mayo en el Museo Regional de Santiago encontramos aquellas referidas a los “apretadores de botones” y si escuchamos de la viva voz del artista la explicación del contenido de su obra, el escenario nos aparece mas claro dice Rey: “Mi idea es tratar de inculcar a las personas que hoy por hoy son muy tecnócratas ( apretadores de botones de máquinas), increíble paradoja, adelantados en la comunicación y la tecnología pero tan alejados del arte de hoy, que los otros miembros de la mano se pueden atrofiar y hasta desaparecer, pues no van hacer falta para aprentar un botón, y con ésta idea que tienen ahora de clonar todo, de estar manipulando los órdenes genéticos de la humanidad. y esto es peligroso”.

Junto a la tematica de estos lienzos, Rey enfrenta otra temática y su preocupación se focaliza al apelativo de lo bello y lo feo, a través de la representación de los niños marginados ..continua Rey Antonio: “Tambien he cambiado el idealismo o sea el concepto actual de lo que para todos es o debe ser la belleza, pues quien dice que en lo que nos parece feo, no hay tambien algo de bello?.
Las personas las aprendí a ver calvas cuando veía a los niños con leucemia, sin cabellos y yo pensé....se ven tan tiernos y algunas veces a ellos les avergonzaba ésta calvicie, producto de la química y cubrían sus cabeza con gorras, turbantes o sombreros y yo me dije...!Yo voy hacer un homenaje pictórico con aquello que a las personas les parece feo!. !Hombre!... lo mío es un homenaje a lo que nos parece feo. Además porque quiero que mi pueblo acepte nuevos conceptos y propuestas.”



En verdad, al primer impacto las figuras que componen sus lienzos aparecen bien delineadas y trabajadas con finos pasajes pictóricos, la deformación de las figuras denotan la voluntad del artista de acompañar en la observacion de la realidad distorsionadas de las cosas..Brazos y piernas que se alargan desmesuradamente, ojos fueras de órbita en el intento de observar màs alla de lo consentido. Como que, si en su intento de comunicar su preocupación en lo deforme, lo distorcionado, lo desfigurado sea el hilo clave por donde gritar el sufrimiento de todos. Claro.. es aquí en donde Rey Antonio pone “en juego” la genialidad de sus obras, obsesionada y delirantemente único y personal.

Las “Citaciones” bien elaboradas se entremezclan en sus telas. Ingres, Miguel Angel, Rafael, hasta llegar a “citas” que recuerdan el Pop Art Americano, como bien se observan en el Icono de la belleza Marilyn Monroe que en tres fases suscesivas se trasforma de lo bello a lo deforme.

El decorativismo iconográfico viene tomado en préstamo del arte-precolombino trasformándose en un fuerte componente caligráfico que Rey llega a incorporar al interno de su lenguaje, experiencia que veo increiblemente interesante, por la capacidad de éste artista a no quedarse prisionero de estos estímulos o enjaulado en la retórica indigenista, retrógrada de los años 50, que mal encaminaron nuestros mejores creadores.

El Arte de Rey Antonio, por la conjunción de intentos de valores, por su colocación abierta a cada posibilidad, por su originalidad abre un puente de solidaridad que nos lleva a ser partícipes de sus obras.
!Como nos llena de jubilo acompañarlo hoy día, en su combativa presentación!
Un artista que bien representa el Espíritu combativo del TALENTO CREATIVO del Panamà profundo, predestinado a la memoria histórica de la cultura interiorana.

Aristides Ureña Ramos

Florencia/Italia 1 mayo 2008


SOBRE LA SITUACION CULTURAL EN PANAMA

CONCIDERACIONES SOBRE EL 2007 EN PANAMA....



En esta entrevista hecha a ARISTIDES UREÑA RAMOS el artista panameño da sus personales concideraciones sobre la situaciòn de las Artes en su pais.


-Publicado por Contemporay Art News en el mes de Enero 2008-

(foto: Aristides entrevistado en Almirante Bocas del Toro-Panamà)





-¿ Como vez tu los acontecimientos culturales en Panamá en el pasado 2007 ?.

Creo que son ya algunos años que estamos pasando por un delicado momento de transición.
El dato que más sobresaliente y que muchos entendedores remarcan, es el gran fervor comercial en las artes, debido -tal vez- al boom inmobiliario de la capital, pero atención, este puede ser un dato que nos puede llevar a malas interpretaciones.

--¿Podrías ser mas especifico? que entiendes por Transición

Estamos en un momento de transición, en donde encontramos sectores activos, dinámicos y otros incapaces de interpretar los nuevos cambios, si por una parte encontramos las Instituciones y varios Museos empeñados en intentos organizativos y búsquedas de políticas culturales incisivas, por otra parte, en lo comercial, el creciente aumento de aperturas de nuevos espacios expositivos con nuevas galerías o espacios alternativos a la galería tradicional, conforman un panorama de “intensiones” que buscan verificas en un ambiente que no está preparado, carente de una direcciòn y politicas de desarrollo unitaria.

Bien sabemos de los esfuerzos que las Instituciones y Museos de nuestros países vecinos Centroamericanos realizan, con acciones de rastreo de contribuciones internacionales, que sirven a patrocinar y sustentar las numerosas actividades de alto perfil cultural, alineando en cierta manera el sector, con una discreta excelencia, proponiéndose como punto de referencia en el ámbito artístico, pero para proponer algo parecido en nuestros lares, hay que dotarse de proyectos innovadores, creíbles, que sean actuales y de indiscutible transparencia en cuanto a su gestión.

--¿Una transición en Negativo?

Todo esto no es negativo, hace parte del proceso de transformación. Ya que puede ser el motor, para activar un proceso de cambio en el sector. Lo que estoy sosteniendo es que estamos en un momento de Transición que ha encontrado un ambiente no preparado, además de esto, los grandes intentos renovadores, que se han dado en el 2007, pueden caer en el vacío y en la indiferencia de todos, ya que existe un vacío en la gestión coral de todo el sector.
No podemos dejar de mencionar, los innumerables esfuerzo que existen en Panamá, de premios y certámenes literarios de alto valor, de los concursos de Pinturas y premios de reconocimientos a figuras ilustres, como también las Grandes Muestras en los Museos oficiales y la buena labor de las Galerías de confirmado renombre nacional, esfuerzos que puede ser banalizados si no se encierran en una Direcciòn con amplia gama de estrategias comunes y de proyecciones globalizadas.

Como también hay que subrayar con un elogio, la apertura de espacios alternativos como La Casona, Diablo Rosso, Exedra y otros, que alternativamente se presentan al publico con actividades muy acertadas a la actualidad locales e internacionales, como también tenemos que mencionar la presentación de jóvenes artistas en las nuevas galerías, como las presentadas por Arlene Lachman Galería para citar el dinamismo y buen trabajo de estas nuevas realidades, o el gran esfuerzo organizativo y económico que hubo en la exposición: “A través del espejo: arte cubano hoy” ...... hecho por Galería Allegro exposición digna de ser denominada “ la verdadera Novedad del 2007 ”, ya que es una digna demostración de la capacidad emprendedora de los recién llegados, el potencial que traen consigo y el papel que pretenden ejercer.

--¿ Falta de Gestión Coral o Coordinamentos de politicas comúnes, que entiendes con esto?.

Como podemos notar, en el campo hay un potencial muy bueno, y cada uno ejerce el papel que le compete, ya que la jungla selecciona a los mas fuertes, con el peligro de ahogar las novedades y cambios radicales, ya que no hay un soporte social debidamente preparado para respaldarlos y sostenerlos, eso es debido a que hay una ausencia de figuras fuertes o Instituciones que se presenten como traino, con los instrumentos necesarios para la consolidación de dichas iniciativas o políticas validas a tal propósito.

¿La ausencia de políticas y de Figuras e Instituciones?....que quieres decir con esto?

Creo que la parte mas dolorosa en esta Transición es la AUSENCIA de todos nosotros.
Cuando por efecto del boom inmobiliario, asistimos a la silenciosa destrucción del patrimonio histórico, sin una fuerte y clara toma de posición contra tal barbaridad, cuando se permite que nuestro patrimonio histórico sea indiscriminadamente restaurado, sin activar los mecanismo de control y verificación requeridos a tan digna causa, cuando permitimos el abandono de nuestras estructuras museales y espacios escolásticos donde se enseñan la cultura, en el silencio absoluto, sin avergonzarse de todo esto, creo que es obligatorio interrogarse.

Cuando la Moral estética colectiva de un país toca niveles bajos, sin la vergüenza e indignación de sus ciudadanos, se arriesga a empantanarse en obscuros caminos, con la consecuencia de banalizar todos los esfuerzos individuales ya mencionados. La cultura se consolida con fuertes políticas radicalizadas en su tejido social, aspirando a los altos valores de su identidad, en el respecto de su Patrimonio histórico y de sus indiosincracia, a tal responsabilidad estamos todos llamados a responder indiferentemente a la función que nos compete, la ausencia de responsabilidades es el peor enemigo de las trasformaciones y crea un vacío dañino a la colectividad.
Es por esto que digo que las bellas iniciativas que se dan en Panamá, se dan en forma aislada y desarticulada con la falta de una politica compresiva, en un ambiente no preparado a acoger estos eventos y es este atraso que hay que colmar.



¿En un escrito tuyo sostenías que: Panamá era un País de hombres con gran talento sin posibilidad de carrera, y hombres que hacen carrera sin talento. ¿Qué me dices a tal propósito?

Creo que es evidente a todos, que el talento creativo del panameño viene reconocido en todos los sectores de las Artes, las letras, la Música, el Deporte, está fuera de discusión que la capacidad creativa del panameño sea de alto nivel, pero me resulta que son pocas las posibilidades o tarimas que brindan las posibilidad a tal desarrollo, debido a vicios del sistema admistrativo.
La pobreza de una nación se puede constatar cuando existe el riesgo que hombres de gran potencial creativo no encuentren el respaldo necesario para desarrollar sus capacidades ante una realidad en la que la incapacidad intelectual viene premiada como “modus vivendi”, y todo esto juega en manera negativa al surgimiento de figuras alternativas a las ya existentes.


¿Cómo ves el 2008?

Mi anhelo es que podamos superar este momento de transacción, proyectándonos en una nueva fase creativa, que recoja las dificultades y el esfuerzo de aquellos individuos que incansablemente día a día trabajan en el duro camino de la conservación, la exaltación del intelecto panameño, creo que el 2008 podría ser el año de iniciación de un cambio de ruta.
- Gracias Aristides por tu disponibilidad y tus claras palabras y te esperamos dentro no mucho con tus nuevas comunicaciones.
Contemporary Art News.
-- Informaciones sobre el ultimo Ciclo Pictorico de Aristides "NEW CODEX CRIOLLO" clika aqui:
-- Informacion sobre la promocion y venta de la obra de Aristides/ clica aqui:

ASTA "Maestri Contemporanei" - Pistoia

La Galleria M’Arte di Pistoia
in collaborazione con la Galleria Pergola Arte di Firenze

presenta l’asta
“MAESTRI CONTEMPORANEI”
25 febbraio – 2 marzo 2008

INAUGURAZIONE lunedì 25 febbraio 2008 ore 18:00
ASTA domenica 2 marzo 2008 ore 17:00

In un’ottica pienamente contemporanea la Galleria M’Arte presenta un’asta nuova e dinamica, offrendo le opere di indiscussi maestri del panorama artistico attuale, affiancati da giovani artisti emergenti già consolidati sia in Italia che all’estero.

Umberto Allori / Marco Antignano / Domenico Asmone / Flavio Bartolozzi / Andrea Bernardoni / Alessia Bianchi / Lilly Brogi / Franco Cappelli / Alfiero Cappellini / Cardelli / Sergio Cavallerin / Giuseppe Chiari / Alessandro Ciantelli / Claudia Contrucci / Anna Hélène Coppi / Ferdinando Coppola / Fabio De Poli / Amerigo Dorel / Alfredo Fabbri / Alberto Fantuzzi / Elena Faralli / Patrizia Fattori / Natale Filannino / Mario Fronteddu (DUMA) / Franco Gaspari / Paolo Gavazzi / Igor Gimenez Vanoli / Nicola Giusfredi / Roberto Greco / Marcello Guasti / J.Hollister / Krimer / Mirando Iacomelli / Stephanie La Roux / Silvio Loffredo / Marcello Lucarelli / Salvatore Magazzini / Malipiero / Loris Manasia / Carmen Manca / Giuseppe Manfredi / Antonio Manzi / Jacopo Misiano Lastraioli / Michele Misiano Lastraioli / Monguzzi / Anna Nigro / Luciano Ori / Cristina Palandri / Silvano Palandri / Silvano Passaglia / Lia Pecchioli / Lamberto Pignotti / Piero Principi / Giovanni Raffaelli / ROSSORAME (A.Pagliarello) / Angelo Sabato / Bruno Saetti / Giuseppe Santucci / Valerio Savino / Carmine Scarinzi / Sguanci / Studio M’Arte / Guido Tasselli / Lorenzo Viani / Zampagnin / Andrea Zannoni

Galleria M’Arte Misiano Lastraioli
Via Frosini 81 – Pistoia (pressi stazione)
Orario galleria: 10:30-12:30 – 16:30-19:30
Informazioni: martegalleria@gmail.com
Tel/fax 0573 934294


BANANANA/ galeria Habitante/ Panama




ARISTIDES UREÑA


BANANANA

EL REVIVIR DE LA MEMORIA COLECTIVA ,
MEDIANTE LA RECONSTRUCCIÓN DE UN ÍCONO PUBLICITARIO.


En ocaciòn de la Expo en la Galeria Habitante/Panamà


24 de octubre al 20 de noviembre 2007


APROXIMACIÓN A LA VIDA Y OBRA DEL ARTISTA:






La complejidad de motivos y temas de la obra de Arístides Ureña encuentra su origen en la multiplicidad y heterogeneidad de circunstancias que forjaron a este artista quien, en BANANANA - su actual ciclo pictórico en exhibición – sorprende una vez más por la irreverencia de sus temas, verdaderas provocaciones socio-culturales, por el equilibrio y fuerza de sus composiciones en aquella fértil mezcla de elementos clásicos , folklóricos y autóctonos que le es particular y por un mensaje que redunda en valores humanísticos, sello de su obra total.
Para explicar las circunstancias motivadoras de su obra e indagar sobre este artista veragüense, hay que desplazarse a Santiago de Veragüas. Allí, en su hogar, podemos descifrar lo heterogéneo y múltiple de su temática: una madre enérgica, Doña Xenia, conservadora y profundamente católica, cuya entereza se hace evidente en el suceso profesional de sus catorce hijos; un padre de tendencias socialistas, amante de la rebeldía pero, también, de diálogos filosóficos sobre la vida, la patria y la política, quien ha formado a sus hijos en aquella búsqueda de los inalcanzables paraísos sociales, meta de los incansables idealistas.
Una confrontación de criterios idealistas y realistas, una suma de rebeldía y de equilibrio; un gran acervo de inquietudes e ideas que van a florecer en un niño curioso, aventurero y pícaro.
Un entorno familiar donde reina la extroversión y la música, donde, el abuelo, Don Samuel Ramos, músico y pintor, enseña a Arístides Ureña los primeros trazos pictóricos y donde éste recibe sus más duraderas impresiones estéticas, íntimamente unidas a los valores de un Panamá Profundo.
El más preciso y poético retrato de este artista no lo hacen sus colegas , pintores, sino su madre , al describirlo como el “el niño de la maleta”; un recuerdo grabado en su corazón: “Recuerdo a mi hijo, al borde de la carretera, solitario y ansioso, con una maleta en la mano, presto a partir al seminario de Boquete, a estudiar para sacerdote. Tenía sólo diez años ( duró sólo dos semanas). Lo veo, así mismo, en el aeropuerto de Tocumen, listo para salir hacia Italia y , después, en fotos con su mochila en la espalda, siempre con una sonrisa melancólica, en Atenas, en Madridl o en París. A veces pienso que él siempre ha sido consciente de su destino errante, porque sus ganas de saber le hacían perder el conocimiento de tiempo, lugar y distancia.....La imagen que mejor representa a mi hijo es la de una carretera de piedra, en el caluroso medio día santiagueño y un niño al borde, con una maleta, listo para partir, acompañado de una nostálgica sonrisa. Éste es Aristides, hijo.”

En este caminar el artista lleva consigo una de las enseñanzas paternas que ha marcado su obra: la preocupación humana por las responsabilidades, especialmente aquellas relativas a la patria, a la identidad propia y a la soberanía. Nos cuenta el artista:”..en un potrero, mi padre me hacía ver que , cuando se acercaba la noche, una de las reses guiaba el hato de ganado hacia un lugar seguro y que el instinto , aún salvaje, permitía a los animales conocer ese liderazgo. Y concluía :mire, hijo, está en la naturaleza de las cosas y en el patrimonio personal de cada uno tomarse las responsabilidades. Hay hombres que nacieron para ser guiados y otros para tomarse las responsabilidades de los demás. Así es , también, para el arte. Y me indagaba, recordando que esta rectitud intelectual era un patrimonio típico veragüense,:¿Y tú dónde te colocas?”

No cabe duda que Arístides Ureña, hoy, puede responder a esta pregunta, señalando su evolución artística - desde 1980 con su primer ciclo, “Ballet del Cabrón”, hasta el actual, “Bananana” (2004-2005) - como una constante búsqueda de lo que él llama “ un arte genuino, con connotaciones esencialmente panameñas”. En verdad, una sucesión de ciclos y series que surgen de su memoria de la patria, de sus reinvenciones narrativas de hechos populares, autóctonos o históricos, de su constante crítica a los elementos artificiales de la identidad cultural, cuya expresión genuina ha sido la preocupación estética predominante en todas las etapas de su producción.

A estos elementos se unen las andanzas de un hombre observador, de un artesano sensible y de un artista exitoso que, en su interior, oye la voz de su padre, en su preocupación social, y se obliga a aceptar y describir lo complejo de la esencia humana, llevándonos, solidario – como en el tema de los inmigrantes- y, a la vez, crítico –como en las narrativas dedicadas a los mandatarios- , a aquellos misterios insondables del alma humana que, como temática lírica, afloran en su obra. Mientras, en la risa, en la ironía provocativa, mediante la manipulación de imágenes muchas veces contradictorias - como son los angelitos tomados de los frescos de Giotto en Pádova frente a los risueños querubines caribeños - valida a su preocupación por la patria mientras acepta aquellas enseñanzas extranjeras, como la renacentista florentina, que lo motivan en su expresión artística.

Así se explica esta obra ecléctica en sus motivaciones, en sus influencias y en su expresión, cuyo análisis exige una dedicación particular, pues a ella no se llega por una visión rápida o global. Hay que adentrarse en los detalles, hay que fragmentar el lienzo en secciones derivadas de sus figuras centrales, de sus densas agrupaciones humanas que sirven de apoyo a estas figuras centrales; hay que observar detenidamente los elementos narrativos del núcleo de su composición, así como la simbología de sus configuraciones o la alegoría de sus figuras. Es necesario interpretar sus marcos colmados de signos autóctonos, cuando no las lunetas de estos marcos en las cuales, usualmente, aparecen mensajes que nos hacen sonreír por su ironía. E indagar, igualmente, sobre los motivos anecdóticos o históricos que se transmiten y, por fin, ponderar sobre las influencias europeas que definen su dibujo y su composición.

EL CICLO BANANANA:

Este ciclo está constituido por dos series de temáticas convergentes, ambas elaboradas entre los años 2004 y 2005: la primera, BANANANA, presenta el uso y la reconstrucción del logo publicitario, Chiquita Banana, utilizado desde los años sesenta, por la compañía bananera de Bocas del Toro; la segunda, REPUBLIK BANANA, evoca eventos populares o históricos, reviviendo la memoria del pasado panameño que el artista narra, interroga o ridiculiza , en un intento de transferir estas vivencias pasadas a un presente, para ilustrar y corregir aquellas características “ bochornosos y escondidas” de la idiosincrasia panameña, típicas, a su modo de ver, de las repúblicas bananeras.

La figura central de las composiciones de ambas series es Chiquita Banana, un estereotipo publicitario- aquel sello que aparecía en las bananas exportadas por Panamá - integrado anteriormente a su iconografía , en series iniciales de la producción de este artista. Entonces era utilizado, en su diseño esquemático y rígido, para representar con ironía los atropellos de poderosas empresas extranjeras a la identidad panameña o a su soberanía. Hoy es reconstruído estilísticamente para simbolizar la recuperación de la memoria colectiva, el revivir de vivencias nacionales pasadas u olvidadas, reinterpretándolo como un personaje liberado, en un eje predominantemente vertical, pero en constante movimiento que le da vida. Celebrando, simbólicamente, la adquirida libertad del hombre panameño. Aparece siempre al centro de sus actuales lienzos, ora como centro de interés, ora envuelto por circunstancias anecdóticas o históricas.
En algunas composiciones, como son “Criolla”, “Juanita Banana” o “María Banana” es traído a un primer plano y evocado como mujeres representativas de la exhuberancia y de la vivacidad caribeña, aunque denoten, por el equilibrio y simetría de su composición, la fuerte influencia renacentista de las clásicas “madonnas” florentinas. No faltan en estas composiciones aquellos elementos que rompen el aparente ideal de su realización, como en la lírica mulata bocatoreña que lleva su niño en el regazo y aparece - en el mejor de los estilos renacentistas - envuelta en un difuso óvalo cromático y circundada por ángeles de manufactura similar a le de Giotto. Sin embargo, como una ruptura conceptual, que conduce a la ironía, ésta lleva en la cabeza, como una alegoría narrativa, el famoso logotipo de la propaganda de Nestlé, un nido con sus pájaros.
En la segunda serie – en obras como “ Palo Enseba ” o “Juega Vivo”- este logo, ahora difuso y lejano, aparece al centro de la composición, siempre en segundos o últimos planos de la misma, pero dividiéndola simétricamente y, como en levitación, imponiéndose sobre los densos grupos de figuras y motivos que construyen la narrativa histórica o popular que rememora el pasado con alusiones al presente.

Es notable, en la profusión de elementos que forman estas composiciones , la capacidad del autor de recrear el entorno y las vivencias de su Panamá Profundo. Valiéndose de su memoria y de aquella lírica nostalgia que acompaña a todos los que transmigran y llevan la patria en su equipaje, Arístides Ureña revive, gracias a su dominio estilístico, lo veragüense, lo bocatoreño, los vibrantes o suaves colores de atardeceres y amaneceres tropicales, la magia realista de las fincas interioranas – como “ “Finca Arco Iris o “Finca Banana” – con su vegetación y sus colores.
La maestría del dibujo, unida al dominio de los colores y a una diversidad compositiva permiten recrear este variado escenario para la definición de su mensaje. Este uso del espacio en función de un tema es una característica que acompaña la totalidad de su obra, como podemos observar en la sucesión de sus series. Así, en el lejano 1980, su “Ballet del Cabrón” criticaba las dictaduras militares, recreando un espacio grotesco y carnavalesco para su mejor ambientación temática; en 1984, su serie “ Barricoconuance” ofrecía un imaginario mundo barroco tropical; así mismo, en 1988, su serie “Radio- la manía sieropositiva en sintonía”, lograba manipular los elementos estructurales referentes a la tecnología y a la comunicación para lograr su mensaje crítico; o, en 1997, la crítica social de su serie “ Octubre en Cayenne” se apoyaba en un ambiente en que se escenificaba - en el decir del mismo autor – “ la biodiversidad y el Panamenian Style”.
Hoy, Bananana nos induce a adentrarnos en un mundo interiorano, tan real como mágico, en que están presentes “La Criolla”, la mulata de Bocas del Toro, las procesiones de “ Santa Librada”, “La Barra Ensebá” o “Banana Moon”. También aparecen, en esta rememoración de una vida pasada, las ensombreradas capitalinas en “ Tarde de Té” o Doña Matilde, “la esposa de Fufo”, así como los expertos políticos de su “ Juega Vivo”, mientras se reviven escenas trágicas que recuerdan a los sufridos inmigrantes chinos que construyeron el ferrocarril o las luchas obreras en las bananeras.

Son motivos pictóricos que, envueltos en la poética de un realismo mágico, simbolizan este puente que nos lleva de un pasado no siempre ideal hacia un presente visto como la posibilidad de una realización futura del hombre panameño.
Es la capacidad artística de manipular imágenes, de confrontar conceptos, utilizando - para hacer más complejas sus composiciones – grafittis y escritos en español o en inglés que, presentes en las lunetas de sus marcos, apoyan la ironía o la crítica y desempolvan mitos de identidad.
De este modo Arístides Ureña combina valores narrativos con aquellos críticos, logrando desarrollarlos conjuntamente y en armonía. Mezcla lo evocativo, lo imaginario y lo real, apoyado en su síntesis de lo clásico y de lo popular, creando efectos pictóricos que mueven a la sátira, pues, al parecer, este artista consigue disfrazar sus inquietudes sociales con la risa que es expresión de un ideal social negado.

Comparativamente a su última exposición en Panamá, ”Alegorico’s” (2004), su estilo presenta una clara evolución, así como una nueva proyección de colores, ahora más suaves y matizados, con el abandono de lo monocromático que lo ha caracterizado anteriormente.
Mientras en su ciclo anterior sus figuras centrales se presentaban aisladamente, en “Bananana”, éstas dejan de verse erectas, con valores que pudieran recordar los moldes clásicos, y ganan movimiento, envolviéndose en líneas, óvalos, o círculos que nos hacen pensar en aquel mundo caribeño y nos permite sentir lo tropical , lo caluroso y dinámico de este nuevo escenario.
La capacidad de este artista de manipular, confrontar y armonizar imágenes es la gran fuerza de su obra. Logra darnos el sentir de un ambiente imaginario , recreado a partir de su memoria que es el reflejo de la memoria colectiva panameña y nos obliga a revivir sus anécdotas – como el triste episodio de inmigrantes chinos escondidos en barriles de rabitos de puerco – o de reconocer eventos históricos, como la poética visión de los jardines de Arco Iris, bajo la lluvia, o de disfrutar de la hiriente ironía que acompañan sus críticas sociales, tan jocosas como aleccionadoras.
Un mundo imaginario , recreado por una mano diestra en el dibujo, en el uso de los colores y en la estructuración de su composición, que se fundamenta en la memoria de un artista quien, en su preocupación social, busca el futuro ideal de su tierra.
Un autor que ha sabido mantener vivas las enseñanzas más entrañables de su hogar y de su patrimonio veragüense, refinándolas y reviviéndolas con aquella mirada indagadora y profunda de quien ha visto y ha conocido los más variados entornos humanos y culturales en los cuales su curiosidad le ha permitido penetrar, sin perder el amor por sus raíces o el sentido del valor de su identidad.
Angela de Picardi